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mar. 04 juin

Lyonel Feininger - Lyonel Feininger Locomotive avec tender et deux wagons de passagers. Avec : quatre dessins de construction 1913/1914 Sculpture en bois en quatre parties, colorée par l'artiste. 6,5 x 61,8 x 3,5 cm. Plus 4 dessins de construction à la plume d'encre, au crayon et à l'aquarelle sur papier à la cuve. De 6,3 x 26 cm à 28 x 63,5 cm. - Sculpture : Avec des traces d'utilisation insignifiantes, une cheminée complétée ultérieurement. Dessins : Bien conservés, un dessin avec des traces d'utilisation et découpé de manière irrégulière. Avec respectivement une expertise photographique d'Achim Moeller, New York, Managing Director du Lyonel Feininger Project LLC, New York, du 10 avril 2024 et du 6 mars 2024. La sculpture est enregistrée sous le No. 1917-04-10-24. Les dessins sont enregistrés sous les Nos. 1907-03-06-24 à 1910-03-06-24. Provenance Sculpture : collection privée ; Christie's New York, 12 février 1987, lot 74 ; collection Dr. Royal E.S. et Martha Philips Haves, Waterbury/Connecticut ; Christie's New York, 5 novembre 1991, lot 172 ; Moeller Fine Art, New York ; collection privée New York. Dessins : Alois Schardt, Los Angeles ; collection privée ; Moeller Fine Art, New York ; collection privée New York Expositions Sculpture : Essen 1997/1998 (Museum Folkwang), Die Maler und ihre Skulpturen : Von Degas bis Gerhard Richter, p. 154 avec illustrations en couleur ; Berlin 2013 (Moeller Fine Art), Lyonel et T. Lux Feininger ; Berlin 2013 (Moeller Fine Art), Lyonel Feininger : Drawn from Nature, Carved in Wood / T. Lux Feininger : Sixty Years of Painting ; 2 dessins supplémentaires : Madrid 2017 (Fundación Juan March), Lyonel Feininger, cat. n° 162, p. 133 avec illustrations en couleur, p. 400 Dessins : Berlin 2013 (Moeller Fine Art), Lyonel et T. Lux Feininger ; Berlin 2013 (Moeller Fine Art), Lyonel Feininger : Drawn from Nature, Carved in Wood / T. Lux Feininger : Sixty Years of Painting ; 2 dessins supplémentaires : Madrid 2017 (Fundación Juan March), Lyonel Feininger, cat. n° 162, p. 133 avec illustrations en couleur, p. 400 Avec trois modèles réduits de locomotives, un modèle réduit de train et six dessins de construction correspondants, c'est un ensemble d'œuvres de Lyonel Feininger extrêmement rare sur le marché de l'art qui est mis en vente. Il s'agit des quelques prototypes de trains en bois conservés, construits vers 1913, que le fabricant de jouets munichois Otto Löwenstein devait produire sur commande de Feininger. Bien que Feininger ait déjà déposé le brevet pour son "chemin de fer en rondins", que la production ait été préparée et que même l'emballage en carton ait été conçu, la production industrielle a dû être stoppée car la Première Guerre mondiale a éclaté en août 1914. Feininger était fasciné depuis l'enfance par les chemins de fer et la dynamique qui leur était associée. Dans ses premières années à New York, il a vécu l'ivresse de la Grand Central Station, inaugurée l'année de sa naissance, la construction du métro aérien au-dessus de la Second Avenue et la construction du Brooklyn Bridge. Mais, incarnant les prouesses de l'ingénierie moderne, il était surtout passionné par les grandes locomotives à vapeur : "Souvent, écrivait-il dans un récit autobiographique, je me tenais sur l'une des longues passerelles de la 4e Avenue qui enjambent les voies du New York Central Railway et je regardais les trains arriver et partir". (cité d'après Martin Faass, Eine Phantasiewelt parallel zur Kunst Lyonel Feininger Spielzeug, dans : Jahrbuch des Museums für Kunst und Gewerbe, Hamburg, vol. 20, 2001, p. 116). Avec un grand intérêt pour tout ce qui est technique, Feininger développa dès les Etats-Unis un enthousiasme pour les anciennes locomotives à vapeur, qu'il dessinait sans cesse, peignait parfois et construisait lui-même en bois. Après avoir sculpté des maisons, des églises, des portes de ville et des personnages pour ses trois fils, il développa vers 1913 des prototypes de trains miniatures pour l'industrie du jouet. Avant même de percer dans le domaine artistique, Feininger espérait ainsi se procurer une nouvelle source de revenus. Comme l'explique Martin Faass, il inventa le type de "chemin de fer en rondins", un train en bois sans roues ni rails, dont la face inférieure lisse était simplement tirée sur le sol. Au préalable, il a pris un grand plaisir à dessiner des plans de construction détaillés de locomotives historiques avec leurs tenders et leurs wagons de passagers. Il s'est inspiré de l'"Adler" construite par Robert Stephenson en Angleterre et de la "Pacific" américaine. Il a fait fabriquer les éléments des prototypes par un ami menuisier ; il a lui-même assemblé les composants et les a peints. (cf. Faass, ibid., p. 116). Il s'agissait toujours de chemins de fer historiques, car contrairement aux futuristes, l'affinité de Feininger pour la technique n'allait pas de pair avec une foi dans le progrès. Et pourtant, il s'avère être un expert en la matière, qui fait preuve de la plus grande précision technique dans ses dessins de construction, par exemple celui de la "voiture D américaine pour passagers "1915"". Comme il l'explique le 26 mai 19

Estim. 35 000 - 40 000 EUR

mar. 04 juin

Lyonel Feininger - Lyonel Feininger Locomotive avec tender (American eight-wheeler with linear smokestack and three axial tender). Avec : le dessin de construction, train de profil Vers 1913/1914 Sculpture en bois en deux parties, colorée par l'artiste. 5,5, x 19,8 x 3,4 cm. Dessin à l'encre de Chine, aquarellé, sur papier à la cuve. 8,5 x 33,2 cm. - Sous chaque partie de la locomotive en bois, autocollant textile numéroté "68.1018a" et "68.1018b". - Sculpture : Impeccablement conservée. Dessin : couleur fraîche. Avec de faibles plis de préhension, les marges sont légèrement brunies. Les coins supérieurs avec des trous de punaises. Avec respectivement une expertise photographique d'Achim Moeller, New York, Managing Director du Lyonel Feininger Project LLC, New York, du 10 avril 2024 et du 6 mars 2024. La sculpture est enregistrée sous le No. 1920-04-10-24. Le dessin est enregistré sous le No. 1906-03-24. Provenance Sculpture : de la succession de l'artiste, Andreas Feininger, New York ; collection privée ; Moeller Fine Art, New York ; collection privée USA. Dessin : offert à Alois Schardt, Los Angeles ; collection privée ; Moeller Fine Art, New York ; collection privée USA Avec trois modèles réduits de locomotives, un modèle réduit de train et six dessins de construction correspondants, c'est un ensemble d'œuvres de Lyonel Feininger extrêmement rare sur le marché de l'art qui est mis en vente. Il s'agit des quelques prototypes de trains en bois conservés, construits vers 1913, que le fabricant de jouets munichois Otto Löwenstein devait produire sur commande de Feininger. Bien que Feininger ait déjà déposé le brevet pour son "chemin de fer en rondins", que la production ait été préparée et que même l'emballage en carton ait été conçu, la production industrielle a dû être stoppée car la Première Guerre mondiale a éclaté en août 1914. Feininger était fasciné depuis l'enfance par les chemins de fer et la dynamique qui leur était associée. Dans ses premières années à New York, il a vécu l'ivresse de la Grand Central Station, inaugurée l'année de sa naissance, la construction du métro aérien au-dessus de la Second Avenue et la construction du Brooklyn Bridge. Mais, incarnant les prouesses de l'ingénierie moderne, il était surtout passionné par les grandes locomotives à vapeur : "Souvent, écrivait-il dans un récit autobiographique, je me tenais sur l'une des longues passerelles de la 4e Avenue qui enjambent les voies du New York Central Railway et je regardais les trains arriver et partir". (cité d'après Martin Faass, Eine Phantasiewelt parallel zur Kunst Lyonel Feininger Spielzeug, dans : Jahrbuch des Museums für Kunst und Gewerbe, Hamburg, vol. 20, 2001, p. 116). Avec un grand intérêt pour tout ce qui est technique, Feininger développa dès les Etats-Unis un enthousiasme pour les anciennes locomotives à vapeur, qu'il dessinait sans cesse, peignait parfois et construisait lui-même en bois. Après avoir sculpté des maisons, des églises, des portes de ville et des personnages pour ses trois fils, il développa vers 1913 des prototypes de trains miniatures pour l'industrie du jouet. Avant même de percer dans le domaine artistique, Feininger espérait ainsi se procurer une nouvelle source de revenus. Comme l'explique Martin Faass, il inventa le type de "chemin de fer en rondins", un train en bois sans roues ni rails, dont la face inférieure lisse était simplement tirée sur le sol. Au préalable, il a pris un grand plaisir à dessiner des plans de construction détaillés de locomotives historiques avec leurs tenders et leurs wagons de passagers. Il s'est inspiré de l'"Adler" construite par Robert Stephenson en Angleterre et de la "Pacific" américaine. Il a fait fabriquer les éléments des prototypes par un ami menuisier ; il a lui-même assemblé les composants et les a peints. (cf. Faass, ibid., p. 116). Il s'agissait toujours de chemins de fer historiques, car contrairement aux futuristes, l'affinité de Feininger pour la technique n'allait pas de pair avec une foi dans le progrès. Et pourtant, il s'avère être un expert en la matière, qui fait preuve de la plus grande précision technique dans ses dessins de construction, comme celui de la "voiture D américaine pour passagers "1915"". Comme il l'écrit à sa femme Julia le 26 mai 1913, il faisait preuve d'un grand enthousiasme : "Je suis tout à fait ferme avec les modèles et je construis des choses tout à fait raffinées et tout à fait soigneusement pensées dans toutes les pièces [...]. Dans ce travail, je suis une fois de plus le joyeux garçon de 15 ans, et maintenant cela a un but en plus". (cité d'après T. Lux Feininger, Die Stadt am Ende der Welt, Munich 1965, p. 28). En vue de la production prévue, il voyait également l'utilité de ces ébauches : "Et pourtant avec une joyeuse subconscience de faire quelque chose comme une œuvre qui sera bientôt visible devant des centaines de milliers de personnes et qui sera vraiment réjouissante - pas comme des 'peintures à l'huile pouilleuses'". (cité d'après T. Lux Feininger, ibid., p. 30). Avec une provenance de la propriété du fils aîné Andreas Feininger ou de la collection de l'homme de musée

Estim. 18 000 - 22 000 EUR

mar. 04 juin

Lyonel Feininger - Lyonel Feininger Locomotive (type Aigle) Vers 1913/1914 Sculpture en bois, colorée par l'artiste. 5,7 x 11,7 x 3,3 cm. Sous la locomotive, autocollant textile numéroté "68.1019" et "68.1017b". - Avec de minimes traces d'utilisation. Avec une expertise photographique d'Achim Moeller, New York, Managing Director du Lyonel Feininger Project LLC, New York, datée du 10 avril 2024. - La sculpture est enregistrée sous le n° 1919-04-10-24. Provenance De la succession de l'artiste, Andreas Feininger, New York ; collection privée ; Moeller Fine Art, New York ; collection privée USA. Expositions Francfort 2023/2024 (Schirn Kunsthalle), Lyonel Feininger. Rétrospective, p. 38 avec illustrations en couleur, p. 267. Avec trois modèles réduits de locomotives, un modèle réduit de train et six dessins de construction correspondants, c'est un ensemble d'œuvres de Lyonel Feininger extrêmement rare sur le marché de l'art qui est mis en vente. Il s'agit des quelques prototypes de trains en bois conservés, construits vers 1913, que le fabricant de jouets munichois Otto Löwenstein devait produire sur commande de Feininger. Bien que Feininger ait déjà déposé le brevet pour son "chemin de fer en rondins", que la production ait été préparée et que même l'emballage en carton ait été conçu, la production industrielle a dû être stoppée car la Première Guerre mondiale a éclaté en août 1914. Feininger était fasciné depuis l'enfance par les chemins de fer et la dynamique qui leur était associée. Dans ses premières années à New York, il a vécu l'ivresse de la Grand Central Station, inaugurée l'année de sa naissance, la construction du métro aérien au-dessus de la Second Avenue et la construction du Brooklyn Bridge. Mais, incarnant les prouesses de l'ingénierie moderne, il était surtout passionné par les grandes locomotives à vapeur : "Souvent, écrivait-il dans un récit autobiographique, je me tenais sur l'une des longues passerelles de la 4e Avenue qui enjambent les voies du New York Central Railway et je regardais les trains arriver et partir". (cité d'après Martin Faass, Eine Phantasiewelt parallel zur Kunst Lyonel Feininger Spielzeug, dans : Jahrbuch des Museums für Kunst und Gewerbe, Hamburg, vol. 20, 2001, p. 116). Avec un grand intérêt pour tout ce qui est technique, Feininger développa dès les Etats-Unis un enthousiasme pour les anciennes locomotives à vapeur, qu'il dessinait sans cesse, peignait parfois et construisait lui-même en bois. Après avoir sculpté des maisons, des églises, des portes de ville et des personnages pour ses trois fils, il développa vers 1913 des prototypes de trains miniatures pour l'industrie du jouet. Avant même de percer dans le domaine artistique, Feininger espérait ainsi se procurer une nouvelle source de revenus. Comme l'explique Martin Faass, il inventa le type de "chemin de fer en rondins", un train en bois sans roues ni rails, dont la face inférieure lisse était simplement tirée sur le sol. Au préalable, il a pris un grand plaisir à dessiner des plans de construction détaillés de locomotives historiques avec leurs tenders et leurs wagons de passagers. Il s'est inspiré de l'"Adler" construite par Robert Stephenson en Angleterre et de la "Pacific" américaine. Il a fait fabriquer les éléments des prototypes par un ami menuisier ; il a lui-même assemblé les composants et les a peints. (cf. Faass, ibid., p. 116). Il s'agissait toujours de chemins de fer historiques, car contrairement aux futuristes, l'affinité de Feininger pour la technique n'allait pas de pair avec une foi dans le progrès. Et pourtant, il s'avère être un expert en la matière, qui fait preuve de la plus grande précision technique dans ses dessins de construction, par exemple celui de la "voiture D américaine pour passagers "1915"". Comme il l'écrit à sa femme Julia le 26 mai 1913, il faisait preuve d'un grand enthousiasme : "Je suis tout à fait ferme avec les modèles et je construis des choses tout à fait raffinées et tout à fait soigneusement pensées dans toutes les pièces [...]. Dans ce travail, je suis une fois de plus le joyeux garçon de 15 ans, et maintenant cela a un but en plus". (cité d'après T. Lux Feininger, Die Stadt am Ende der Welt, Munich 1965, p. 28). En vue de la production prévue, il voyait également l'utilité de ces ébauches : "Et pourtant avec une joyeuse subconscience de faire quelque chose comme une œuvre qui sera bientôt visible devant des centaines de milliers de personnes et qui sera vraiment réjouissante - pas comme des 'peintures à l'huile pouilleuses'". (cité d'après T. Lux Feininger, ibid., p. 30). Avec une provenance de la propriété du fils aîné Andreas Feininger ou de la collection de l'homme de musée et ami Alois J. Schardt, les œuvres ont également d'excellentes provenances. Directeur du Städtisches Museum de Halle depuis 1926, Schardt a passé à Feininger sa première commande importante pour la réalisation d'une série de peintures de l'église du marché de Halle (1929-1931).

Estim. 12 000 - 15 000 EUR

mar. 04 juin

Lyonel Feininger - Lyonel Feininger Locomotive avec tender (American eight-wheeler with funnel shaped smokestack, straight fire box lamp). Avec : le dessin de construction, train de profil Vers 1913/1914 Sculpture en bois en deux parties, colorée par l'artiste. 5,8 x 19,3 x 3 cm. Dessin à la plume d'encre, aquarellé, sur papier à la cuve. 5,6 x 29,5 cm. - Sous chaque partie de la locomotive en bois, un autocollant textile numéroté "68.1017a" et "68.1017b". - Avec des traces d'utilisation insignifiantes. Avec respectivement une expertise photographique d'Achim Moeller, New York, Managing Director du Lyonel Feininger Project LLC, New York, du 10 avril 2024 et du 6 mars 2024. La sculpture est enregistrée sous le n° 1918j-04-10-24. Le dessin est enregistré sous le No. 1905-03-24. Provenance Sculpture : de la succession de l'artiste, Andreas Feininger, New York ; collection privée ; Moeller Fine Art, New York ; collection privée USA. Dessin : offert à Alois Schardt, Los Angeles ; collection privée ; Moeller Fine Art, New York ; collection privée USA Expositions Sculpture : Francfort 2023/2024 (Schirn Kunsthalle), Lyonel Feininger. Rétrospective, p. 38 avec illustrations en couleur, p. 267. Dessin : Berlin 2013 (Moeller Fine Art), Lyonel et T. Lux Feininger ; Berlin 2013 (Moeller Fine Art), Lyonel Feininger : Drawn from Nature, Carved in Wood / T. Lux Feininger : Sixty Years of Painting ; Madrid 2017 (Fundación Juan March), Lyonel Feininger, cat. n° 162, p. 133 avec illustrations en couleur, p. 400 Avec trois modèles réduits de locomotives, un modèle réduit de train et six dessins de construction correspondants, c'est un ensemble d'œuvres de Lyonel Feininger extrêmement rare sur le marché de l'art qui est mis en vente. Il s'agit des quelques prototypes de trains en bois conservés, construits vers 1913, que le fabricant de jouets munichois Otto Löwenstein devait produire sur commande de Feininger. Bien que Feininger ait déjà déposé le brevet pour son "chemin de fer en rondins", que la production ait été préparée et que même l'emballage en carton ait été conçu, la production industrielle a dû être stoppée car la Première Guerre mondiale a éclaté en août 1914. Feininger était fasciné depuis l'enfance par les chemins de fer et la dynamique qui leur était associée. Dans ses premières années à New York, il a vécu l'ivresse de la Grand Central Station, inaugurée l'année de sa naissance, la construction du métro aérien au-dessus de la Second Avenue et la construction du Brooklyn Bridge. Mais, incarnant les prouesses de l'ingénierie moderne, il était surtout passionné par les grandes locomotives à vapeur : "Souvent, écrivait-il dans un récit autobiographique, je me tenais sur l'une des longues passerelles de la 4e Avenue qui enjambent les voies du New York Central Railway et je regardais les trains arriver et partir". (cité d'après Martin Faass, Eine Phantasiewelt parallel zur Kunst Lyonel Feininger Spielzeug, dans : Jahrbuch des Museums für Kunst und Gewerbe, Hamburg, vol. 20, 2001, p. 116). Avec un grand intérêt pour tout ce qui est technique, Feininger développa dès les Etats-Unis un enthousiasme pour les anciennes locomotives à vapeur, qu'il dessinait sans cesse, peignait parfois et construisait lui-même en bois. Après avoir sculpté des maisons, des églises, des portes de ville et des personnages pour ses trois fils, il développa vers 1913 des prototypes de trains miniatures pour l'industrie du jouet. Avant même d'avoir percé dans le domaine artistique, Feininger espérait ainsi se procurer une nouvelle source de revenus. Comme l'explique Martin Faass, il inventa le type de "chemin de fer en rondins", un train en bois sans roues ni rails, dont la face inférieure lisse était simplement tirée sur le sol. Au préalable, il a pris un grand plaisir à dessiner des plans de construction détaillés de locomotives historiques avec leurs tenders et leurs wagons de passagers. Il s'est inspiré de l'"Adler" construite par Robert Stephenson en Angleterre et de la "Pacific" américaine. Il a fait fabriquer les éléments des prototypes par un ami menuisier ; il a lui-même assemblé les composants et les a peints. (cf. Faass, ibid., p. 116). Il s'agissait toujours de chemins de fer historiques, car contrairement aux futuristes, l'affinité de Feininger pour la technique n'allait pas de pair avec une foi dans le progrès. Et pourtant, il s'avère être un expert en la matière, qui fait preuve de la plus grande précision technique dans ses dessins de construction, comme celui de la "voiture D américaine pour passagers "1915"". Comme il l'écrit à sa femme Julia le 26 mai 1913, il faisait preuve d'un grand enthousiasme : "Je suis tout à fait ferme avec les modèles et je construis des choses tout à fait raffinées et tout à fait soigneusement pensées dans toutes les pièces [...]. Dans ce travail, je suis une fois de plus le joyeux garçon de 15 ans, et maintenant cela a un but en plus". (cité d'après T. Lux Feininger, Die Stadt am Ende der Welt, Munich 1965, p. 28). En vue de la production prévue, il voyait aussi l'utilité de ces ébauches : "Et pourtant, avec un joyeux subconscient

Estim. 18 000 - 22 000 EUR

mer. 12 juin

KOEN VANMECHELEN (Saint-Trond, Belgique, 1965). "Therianthropy", 2018. Sculpture en taxidermie de chat serval, taxidermie d'aile de dinde, verre et acier. Pièce unique . Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 105 x 115 x 106 cm. Dans sa série Therianthropy, Vanmechelen s'attaque à un métissage artificiel qui montre deux corps hypnotiques enchevêtrés et porteurs de la transparence de la vie. Un hybride né d'accidents dans le temps et élevé dans un nid, formé par le passé. Cette œuvre s'inspire des cabinets de curiosités du XVIe siècle, source d'érudition pour comprendre l'agencement du monde et de la nature, mais aussi espace prestigieux où étaient exposés les trésors les plus précieux du collectionneur. À cette époque, l'imagination est fertile et les cabinets d'objets sont traditionnellement classés selon leur nature. En 2021, la commissaire Els Wuyts sélectionne trois œuvres de Vanmechelen pour l'exposition "A Soft Gentle Breeze", dont Therianthropy, qui forment ensemble ce que l'on appelle le cercle de la vie. Koen Vanmechelen est un artiste conceptuel d'origine belge. Il a commencé sa carrière au début des années 1990. Son travail se concentre sur la diversité bioculturelle. Autour de ce thème, Vanmechelen a également collaboré avec des scientifiques de différentes disciplines. Ces projets transfrontaliers lui ont valu un doctorat honorifique de l'université de Hasselt en 2010 et le Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica en 2013.Koen Vanmechelen est surtout connu pour son The Cosmopolitan Chicken Project ou (CCP), un projet artistique unique qu'il a lancé à la fin des années 1990. Ce projet se concentre sur le poulet et, plus précisément, sur le croisement de races nationales de poulets pour les transformer en "poulets cosmopolites". En 2018, la 22e génération de ce projet mondial est née au musée Serlachius en Finlande : le malinois danois, un croisement entre une race finlandaise et le malinois danois (CCP21) qui a éclos à la Biennale danoise un an plus tôt. Les différents poulets cosmopolites portent des gènes provenant de Belgique, de France, d'Angleterre, des États-Unis, d'Allemagne, des Pays-Bas, du Mexique, de Thaïlande, du Brésil, de Turquie, de Cuba, d'Italie, de Russie, de Chine, d'Égypte, du Sénégal, de Slovénie, d'Autriche, d'Indonésie et du Danemark. La diversité bioculturelle et l'interaction entre l'art et la science qui en résulte constituent le thème principal de son travail. Vanmechelen collabore souvent avec des scientifiques et des experts de diverses disciplines, tels que Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten et Marleen Temmerman. Il utilise des technologies innovantes telles que la numérisation 3D, la morphométrie, l'impression 3D et des techniques de visualisation interactives. Son travail est multimédia et va des peintures et dessins expressifs à la photographie, la vidéo, les installations, le travail du verre et les sculptures en bois. Le fil conducteur qui revient souvent est celui de l'œuf et de la poule. Au fil des ans, ces objets sont devenus des symboles reliant des questions scientifiques, politiques, philosophiques et éthiques. Tout au long de sa carrière prolifique, il a participé à des expositions individuelles et collectives à la National Gallery (Londres), au Victoria and Albert Museum (Londres), au Museum Kunstpalast (Düsseldorf), au Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), au Macro (Rome), au MAD Museum (NY), au Slot Belvedere (Vienne), au ZKM (Karlsruhe) et au Pushkin Museum (Moscou), parmi d'autres. Outre la Biennale de Venise, son travail a été exposé aux Biennales de Moscou, Dakar, La Havane et Poznan, à l'Exposition universelle de Shanghai 2010, à la Triennale de Guangzhou, à Manifesta 9 et à dOCUMENTA (13).

Estim. 90 000 - 100 000 EUR

mer. 12 juin

KOEN VANMECHELEN (Saint-Trond, Belgique, 1965). "Mechelse Bresse C.C.P.", 2012. Sculpture en taxidermie de poule, socle en bois et deux photographies (coq et poule, père et mère de la poule dans la sculpture). Pièce unique. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 52 x 48 x 22 cm (poule) ; 62 x 56,5 x 36,5 cm (urne) ; 30 x 30 cm (chacune des deux photographies). Tout au long de sa vie, l'artiste Koen Vanmechelen a été fasciné par la poule et l'œuf. Enfant déjà, il construisait des cages et des volières, et avait une couveuse dans sa chambre. Il s'est ensuite rendu compte que la poule domestique a sa cage à l'intérieur. L'œuf est sa prison. Le poussin qui perce la coquille de l'œuf est un symbole de libération. Cette œuvre fait partie du "Cosmopolitan Chicken Project (CCP, 1999)", un examen global, transdisciplinaire et transtemporel des thèmes de la diversité et de l'identité bioculturelles à travers l'interaction de l'art, de la science et de la beauté. Dans le CCP, l'artiste Koen Vanmechelen croise des races de poulets de différents pays. Son objectif ultime est la création d'un poulet cosmopolite portant les gènes de toutes les races de poulet de la planète. Bien plus qu'un simple animal domestique, le poulet est un art en soi. Il sert de métaphore à l'animal humain et à sa relation avec la diversité biologique et culturelle de la planète. Alors que les races indigènes descendant du poulet originel (le Red Junglefowl) sont des impasses évolutives (étant façonnées pour refléter les caractéristiques culturelles typiques de leur communauté), les croisements de Vanmechelen sont des solutions. De nombreuses années de croisements ont montré que chaque génération successive est plus résistante, vit plus longtemps, est moins sensible aux maladies et présente un comportement moins agressif. La diversité génétique est essentielle, démontre le Cosmopolitan Chicken Research Project (CC®P), qui étudie les différents poulets cosmopolites. En l'an 2000, Vanmechelen a présenté son premier "crossbreed", le Mechelse Bresse, un "croisement" né du Mechelse Koekoek belge et du Poulet de Bresse français. À ce jour, vingt-et-une races pures ont été incluses dans le CCP. Koen Vanmechelen est un artiste conceptuel d'origine belge. Il a commencé sa carrière au début des années 1990. Son travail se concentre sur la diversité bioculturelle. Autour de ce thème, Vanmechelen a également collaboré avec des scientifiques de différentes disciplines. Ces projets transfrontaliers lui ont valu un doctorat honorifique de l'Université de Hasselt en 2010 et le Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica en 2013.Koen Vanmechelen est surtout connu pour son projet The Cosmopolitan Chicken Project ou (CCP), Vanmechelen collabore souvent avec des scientifiques et des experts de différentes disciplines, tels que Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten et Marleen Temmerman. Il utilise des technologies innovantes telles que la numérisation 3D, la morphométrie, l'impression 3D et des techniques de visualisation interactives. Son travail est multimédia et va des peintures et dessins expressifs à la photographie, la vidéo, les installations, le travail du verre et les sculptures en bois. Le fil conducteur qui revient souvent est celui de l'œuf et de la poule. Au fil des ans, ces objets sont devenus des symboles reliant des questions scientifiques, politiques, philosophiques et éthiques. Tout au long de sa carrière prolifique, il a participé à des expositions individuelles et collectives à la National Gallery (Londres), au Victoria and Albert Museum (Londres), au Museum Kunstpalast (Düsseldorf), au Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), au Macro (Rome), au MAD Museum (NY), au Slot Belvedere (Vienne), au ZKM (Karlsruhe) et au Pushkin Museum (Moscou), parmi d'autres. Outre la Biennale de Venise, son travail a été exposé aux Biennales de Moscou, Dakar, La Havane et Poznan, à l'Exposition universelle de Shanghai 2010, à la Triennale de Guangzhou, à Manifesta 9 et à dOCUMENTA (13).

Estim. 20 000 - 25 000 EUR

mer. 12 juin

KOEN VANMECHELEN (Saint-Trond, Belgique, 1965). "Kitovu", 2016. Technique mixte (néon, cornes, peau de vache, cordes et autres matériaux) dans une urne en plexiglas. Pièce unique. Certificat ci-joint délivré par l'artiste. Dimensions : 64 x 76 x 33 cm (urne). Osotwa (Kitovu) signifie "cordon ombilical" dans la langue des Masaï. Cette œuvre, intitulée Osotwa, est liée au projet commun de Koen Vanmechelen et Labiomista. Elle est le résultat de la collaboration de l'artiste avec la ville de Genk. Une idée expérimentale née d'une vision commune du potentiel de l'identité et de la diversité. En tant que membre de l'équipe transdisciplinaire, Koen Vanmechelen a assigné plusieurs thèmes à un groupe de personnes et à une œuvre d'art, comme outil de réflexion et de regroupement et comme source d'inspiration. Cette œuvre est la partie indissociable des conclusions du deuxième groupe de travail, dont la discussion avait tourné autour de la liberté. Koen Vanmechelen est un artiste conceptuel d'origine belge. Il a commencé sa carrière au début des années 1990. Son travail se concentre sur la diversité bioculturelle. Autour de ce thème, Vanmechelen a également collaboré avec des scientifiques de différentes disciplines. Ces projets transfrontaliers lui ont valu un doctorat honorifique de l'université de Hasselt en 2010 et le Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica en 2013.Koen Vanmechelen est surtout connu pour son The Cosmopolitan Chicken Project ou (CCP), un projet artistique unique qu'il a lancé à la fin des années 1990. Ce projet se concentre sur le poulet et, plus précisément, sur le croisement de races nationales de poulets pour les transformer en "poulets cosmopolites". En 2018, la 22e génération de ce projet mondial est née au musée Serlachius en Finlande : le malinois danois, un croisement entre une race finlandaise et le malinois danois (CCP21) qui a éclos à la Biennale danoise un an plus tôt. Les différents poulets cosmopolites portent des gènes provenant de Belgique, de France, d'Angleterre, des États-Unis, d'Allemagne, des Pays-Bas, du Mexique, de Thaïlande, du Brésil, de Turquie, de Cuba, d'Italie, de Russie, de Chine, d'Égypte, du Sénégal, de Slovénie, d'Autriche, d'Indonésie et du Danemark. La diversité bioculturelle et l'interaction entre l'art et la science qui en résulte constituent le thème principal de son travail. Vanmechelen collabore souvent avec des scientifiques et des experts de différentes disciplines, tels que Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten et Marleen Temmerman. Il utilise des technologies innovantes telles que la numérisation 3D, la morphométrie, l'impression 3D et des techniques de visualisation interactives. Son travail est multimédia et va des peintures et dessins expressifs à la photographie, la vidéo, les installations, le travail du verre et les sculptures en bois. Le fil conducteur qui revient souvent est celui de l'œuf et de la poule. Au fil des ans, ces objets sont devenus des symboles reliant des questions scientifiques, politiques, philosophiques et éthiques. Tout au long de sa carrière prolifique, il a participé à des expositions individuelles et collectives à la National Gallery (Londres), au Victoria and Albert Museum (Londres), au Museum Kunstpalast (Düsseldorf), au Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), au Macro (Rome), au MAD Museum (NY), au Slot Belvedere (Vienne), au ZKM (Karlsruhe) et au Pushkin Museum (Moscou), parmi d'autres. Outre la Biennale de Venise, son travail a été exposé aux Biennales de Moscou, Dakar, La Havane et Poznan, à l'Exposition universelle de Shanghai 2010, à la Triennale de Guangzhou, à Manifesta 9 et à dOCUMENTA (13).

Estim. 35 000 - 40 000 EUR

mer. 12 juin

KOEN VANMECHELEN (Saint-Trond, Belgique, 1965). "Mechelse Silky C.C.P.", 2012. Sculpture taxidermique de poule japonaise, socle en bois et deux photographies (coq et poule, père et mère de la poule dans la sculpture). Pièce unique. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 34 x 30 x 16 cm (poule) ; 47 x 36,5 x 29 cm (urne de la poule) ; 30 x 30 cm (chacune des deux photographies). Tout au long de sa vie, l'artiste Koen Vanmechelen a été fasciné par la poule et l'œuf. Enfant déjà, il construisait des cages et des volières, et avait une couveuse dans sa chambre. Il s'est ensuite rendu compte que la poule domestique a sa cage à l'intérieur. L'œuf est sa prison. Le poussin qui perce la coquille de l'œuf est un symbole de libération. Cette œuvre fait partie du "Cosmopolitan Chicken Project (CCP, 1999)", un examen global, transdisciplinaire et transtemporel des thèmes de la diversité et de l'identité bioculturelles à travers l'interaction de l'art, de la science et de la beauté. Dans le CCP, l'artiste Koen Vanmechelen croise des races de poulets de différents pays. Son objectif ultime est la création d'un poulet cosmopolite portant les gènes de toutes les races de poulet de la planète. Bien plus qu'un simple animal domestique, le poulet est un art en soi. Il sert de métaphore à l'animal humain et à sa relation avec la diversité biologique et culturelle de la planète. Alors que les races indigènes descendant du poulet originel (le Red Junglefowl) sont des impasses évolutives (étant façonnées pour refléter les caractéristiques culturelles typiques de leur communauté), les croisements de Vanmechelen sont des solutions. De nombreuses années de croisements ont montré que chaque génération successive est plus résistante, vit plus longtemps, est moins sensible aux maladies et présente un comportement moins agressif. La diversité génétique est essentielle, démontre le Cosmopolitan Chicken Research Project (CC®P), qui étudie les différents poulets cosmopolites. En l'an 2000, Vanmechelen a présenté son premier "crossbreed", le Mechelse Bresse, un "croisement" né du Mechelse Koekoek belge et du Poulet de Bresse français. À ce jour, vingt-et-une races pures ont été incluses dans le CCP. Koen Vanmechelen est un artiste conceptuel d'origine belge. Il a commencé sa carrière au début des années 1990. Son travail se concentre sur la diversité bioculturelle. Autour de ce thème, Vanmechelen a également collaboré avec des scientifiques de différentes disciplines. Ces projets transfrontaliers lui ont valu un doctorat honorifique de l'Université de Hasselt en 2010 et le Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica en 2013.Koen Vanmechelen est surtout connu pour son projet The Cosmopolitan Chicken Project ou (CCP), Vanmechelen collabore souvent avec des scientifiques et des experts de différentes disciplines, tels que Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten et Marleen Temmerman. Il utilise des technologies innovantes telles que la numérisation 3D, la morphométrie, l'impression 3D et des techniques de visualisation interactives. Son travail est multimédia et va des peintures et dessins expressifs à la photographie, la vidéo, les installations, le travail du verre et les sculptures en bois. Le fil conducteur qui revient souvent est celui de l'œuf et de la poule. Au fil des ans, ces objets sont devenus des symboles reliant des questions scientifiques, politiques, philosophiques et éthiques. Tout au long de sa carrière prolifique, il a participé à des expositions individuelles et collectives à la National Gallery (Londres), au Victoria and Albert Museum (Londres), au Museum Kunstpalast (Düsseldorf), au Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), au Macro (Rome), au MAD Museum (NY), au Slot Belvedere (Vienne), au ZKM (Karlsruhe) et au Pushkin Museum (Moscou), parmi d'autres. Outre la Biennale de Venise, son travail a été exposé aux Biennales de Moscou, Dakar, La Havane et Poznan, à l'Exposition universelle de Shanghai 2010, à la Triennale de Guangzhou, à Manifesta 9 et à dOCUMENTA (13).

Estim. 20 000 - 25 000 EUR

jeu. 13 juin

MANOLO VALDÉS (Valence, 1942). "Reina Mariana in Art Decó", 1982. Fer et bois. Provenance : Galerie Maeght. Œuvre reproduite dans "Manolo Valdés In Cardiff". Dimensions : 172,8 x 112 x 27,5 cm. Le jeu des combinaisons, des permutations stylistiques et des références à l'histoire de l'art était une source inépuisable pour Manolo Valdés. Ici, dans cette sculpture en fer et en bois, nous sommes confrontés à un exemple classique de cet esprit ludique : nous reconnaissons la reine Mariana d'Autriche vêtue de sa robe de cour à la jupe pompeuse, telle que Velázquez l'a représentée en son temps, mais dans une version Art déco. Ainsi, les formes angulaires, idéalisées, équilibrées et proportionnées, mais synthétiques et essentielles, rendent hommage à Vélasquez et font de cette sculpture une véritable déclaration d'intention du peintre valencien, justifiant le rôle des grands peintres traditionnels et modernes dans l'évolution de l'histoire de l'art. Manolo Valdés a introduit en Espagne une forme d'expression artistique qui combine l'engagement politique et social avec l'humour et l'ironie. Il commence sa formation en 1957, lorsqu'il entre à l'école des beaux-arts San Carlos de Valence. Cependant, deux ans plus tard, il abandonne ses études pour se consacrer pleinement à la peinture. En 1964, il fonde le groupe artistique Equipo Crónica, avec Juan Antonio Toledo et Rafael Solbes, dans lequel il restera jusqu'à la mort de ce dernier en 1981, bien que Toledo ait quitté le groupe deux ans après sa fondation. Depuis lors, il s'est installé à New York, où il vit actuellement et où il a continué à expérimenter de nouvelles formes d'expression, notamment la sculpture. Parmi les nombreux prix que Manolo Valdés a remportés, citons les prix Lissone et Biella de Milan, la médaille d'argent de la IIe Biennale internationale de gravures de Tokyo, le prix du Bridgestone Art Museum de Lisbonne, le prix national des arts plastiques, la médaille du Festival international des beaux-arts de Paris, le Festival international des beaux-arts de Paris et le prix national de la sculpture, et le prix national de sculpture, entre autres, la médaille du festival international des artistes plasticiens de Bagdad, la décoration de l'ordre d'Andrés Bello au Venezuela, le prix du Conseil national de Monaco, la médaille d'or du mérite des beaux-arts, le prix de l'association espagnole des critiques d'art et le prix du meilleur artiste de l'imprimerie, entre autres. Sur le plan formel, Valdés produit une œuvre de grand format dans laquelle les lumières et les couleurs expriment des valeurs tactiles, grâce au traitement des matériaux. Son travail oblige le spectateur à plonger dans la mémoire et à rechercher des images significatives de l'histoire de l'art. Il est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Reina Sofía de Madrid, le Metropolitan, le MoMA et le Guggenheim de New York, le Centre Georges Pompidou et le Fons National d'Arts Plastiques de Paris, la Kusnthalle de Hambourg, le Kunstmuseum de Berlin et le Museo de Bellas Artes de Bilbao, parmi beaucoup d'autres.

Estim. 80 000 - 100 000 EUR

lun. 17 juin

Icône russe des ateliers des vieux croyants, 19e siècle. "Résurrection du Christ, descente aux enfers du Christ et sa vie en 12 scènes hagiographiques". Tempera sur panneau. Elle présente des pertes de la couche picturale. Dimensions : 53 x 44,5 cm. La descente aux enfers du Christ est l'une des représentations les plus importantes de l'iconographie chrétienne. Ce passage était connu dans l'ancienne Russie depuis le XIe siècle, mais il a connu une popularité maximale dans la seconde moitié du XIVe siècle. L'iconographie de ce passage du Nouveau Testament s'est finalement développée au XVIIe siècle dans les ateliers moscovites. À cette époque, l'icône a atteint sa complexité maximale, combinant les passages du Nouveau et de l'Ancien Testament, et composant à son tour en une seule scène la résurrection et la descente aux enfers du Christ. L'icône qui nous intéresse, malgré sa composition relativement simple, un registre central entouré de 12 scènes hagiographiques, s'avère très attrayante pour le symbolisme des détails qui accompagnent chacune des miniatures. Dans la scène centrale, qui constitue le thème de l'icône, on trouve des représentations du diable et de l'enfer, très rares dans l'iconographie orthodoxe. La gueule ouverte du dragon monstrueux est l'allégorie de l'enfer. Le diable, quant à lui, se trouve dans le coin inférieur droit de la scène, représenté comme un être nu, avec une barbe se terminant par un bec et de profil - les trois principales caractéristiques du diable ou des pécheurs dans une icône orthodoxe -. La scène centrale est encadrée d'une bordure décorative, imitant la sculpture sur bois. Les douze scènes qui l'entourent représentent des passages de la vie de Jésus-Christ, de sa naissance à la résurrection, ainsi que certains passages à caractère marial, comme la dernière scène du sceau, l'enterrement de la Vierge, dans le coin inférieur gauche. Un détail curieux de cette pièce se trouve dans la neuvième scène, qui représente l'exaltation de la Sainte Croix, située dans le coin inférieur droit. L'inscription " ????" est la traduction cyrillique de la phrase latine "INRI". Il s'agit d'une inscription très inhabituelle sur les icônes des Vieux-Croyants russes, car elle a fini par susciter une vive controverse, en raison de la citation directe de Ponce Pilate, le meurtrier du Christ. Le fait qu'elle accompagne la croix permet de déterminer la date précoce de la création de cette icône, vers 1700, lorsque cette inscription était encore utilisée par les peintres vieux-croyants.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

mar. 18 juin

Charme de chasse yipwon, Karawari River, Moyen Sepik, Papouasie Nouvelle-Guinée Hauteur: 23 cm Bois Provenance: Collection privée, Vancouver Collection privée française D'une grande importance dans la culture et la spiritualité de Papouasie-Nouvelle-Guinée, les charmes ou amulettes protectrices destinées à protéger contre les forces négatives et les esprits malveillants, étaient façonnées afin de préserver l'harmonie et de l'équilibre dans la vie quotidienne de la communauté. Ces charmes yipwon sculptés sur le modèle des masques monumentaux, appartenant aux sociétés claniques, conservés et exposés dans la maison de cérémonie des hommes, siège spirituel de l'ethnie, étaient appuyés sur le mur du fond dans la partie la plus sacrée du sanctuaire et honorés d'offrandes. S'inscrivant dans la tradition emblématique des « masques-crochets » des régions du Moyen et du Haut Sépik, les yipwon proposent une solution plastique empreinte de symbolisme et de magie, témoignant de la grande étendue de leur pouvoir qui se manifestait aux hommes lors de l'état de transe ou à travers les rêves. Ils incarnent, à travers la stylisation de leurs formes, la totale maîtrise des éléments spatiaux et plastiques, combinés dans un ensemble concentrant puissance et dynamisme. Reposant sur une petite base circulaire surélevée, dont l'abstraction évoquerait une jambe ou un pied, l'effigie anthropomorphe offre la représentation stylisée de l'esprit protecteur d'un guerrier-chasseur. Conçue sur un plan tout en verticalité, la composition s'organise autour de deux crochets symétriquement incurvés dont les extrémités pointues convergent au centre, enveloppant le visage du personnage sculpté en rondebosse. Sous le front bombé et proéminent en visière, un imposant nez aux larges narines percées, prolongé d'une bouche entrouverte. Les projections en forme de croissants peuvent être interprétées à travers le prisme cosmologique de la légende attribuée à la création des yipwon, selon laquelle le soleil sculpta un magnifique tambour à fente, dont les éclats de bois devinrent des génies yipwon qui vécurent avec le Soleil, comme ses propres enfants, dans la maison des hommes. Ces entités, de nature démoniaque, profitèrent de l'absence du Soleil pour tuer un proche venu lui rendre visite. Rapporté par la Lune, mère du Soleil, leur acte meurtrier les figea à tout jamais en sculptures de bois. Cette dimension céleste de la légende des yipwon se reflète symboliquement dans la structure, dont les projections évoqueraient des étoiles en constellation autour du Soleil et de la Lune. L'alternance de formes pleines, curvilignes et organiques, et d'espaces ajourés, confèrent une dimension architecturale, exprimant toute l'inventivité plastique de cette création aux frontières de l'abstraction, du rêve et du divin.

Estim. 5 000 - 7 000 EUR

mar. 18 juin

Siège à cariatide Luba/hemba, République Démocratique du Congo. Bois Début du XXe siècle Hauteur: 36.5 cm Provenance: -Vente publique: Art Primitifs, Cornette de Saint Cyr, Drouot Richelieu, Paris, France. Le 3 juillet 2007, lot 147. -Collection privée belge Les sièges en bois monoxyles soutenus par une figure en ronde bosse, le plus souvent féminine, constituent un motif récurrent de la statuaire d'Afrique et comptent parmi ses créations les plus originales. La tradition Luba exalte la beauté féminine, rendant hommage à celle qui, en tant que détentrice de l'autorité spirituelle, participe du pouvoir politique (Nooter Roberts & Roberts, idem, p. 54). Par sa création le sculpteur honore et traduit la force et le sensible mêlés, la puissance de sa gestuelle traduisant la symbolique, la métaphore de l'importance de la femme soutenant le pouvoir royal. La fonction usuelle traditionnelle de ce siège lui confère un caractère à la fois hiératique et politique. Utilisés lors de cérémonies où intervenaient des figures importantes du pouvoir, notamment les chefs ou les notables de l'Empire, le siège pouvait également être offert comme présent au chef des Mbudye. L'équilibre en majesté, l'équilibre du pouvoir signifié dans la rigueur du mouvement ample, dans la ponctuation par les plans incurvés des points de tension - épaules, biceps et paumes ouvertes dont les doigts effilés semblent tout juste effleurer l'assise. Le traitement ovoïde du visage, au réalisme idéalisé, dont le front occupe une place importante, le traitement légèrement triangulaire des pommettes ainsi les yeux creusés révèlent la grande maitrise de la sculpture du bois chez les Luba mais également le souci d'harmonie recherché dans le traitement des différents traits du visage. (Neyt, Luba. Aux sources du Zaïre, 1977, p. 88). Une finesse incisive des traits. La partie inférieure du corps de la caryatide se caractérise quant à elle par la délicatesse et la richesse des motifs gravés, les scarifications, traitées en une multitude de losanges formant des motifs géométriques parfaitement symétriques et harmonieux, entourent le nombril, son ventre, constituant ainsi des éléments de décoration corporelle. Son corps dit le monde, module les rythmes de la nature, annonce les chants incantatoires, dévoile les paroles de l'au-delà. Sa fonction n'était pas que l'assise, la porteuse interprétait les phénomènes surnaturels, liées à la voyance et au pouvoir. Métaphore du pouvoir royal, hymne à la féminité, cette oeuvre résume le génie créatif Luba.

Estim. 8 000 - 12 000 EUR
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