Sculptures, bronzes

JAN FABRE (Anvers, Belgique, 1958). "C'ôte D'Ôr, Hommage à Begian Congo", 2010. Collage (ailes de coléoptères) sur bois. Certificat joint signé par Guy Pieters. Dimensions : 218 x 165 cm ; 228 x 175 x 8 cm (cadre). "Gold Coast" nous renvoie à un lieu édénique et irréel gardé par un éléphant, animal lié à la chance dans toutes les cultures. Jan Fabre a utilisé des ailes de coléoptères pour créer une tapisserie subjuguante. Les ailes de coléoptères sont un motif récurrent dans l'œuvre de Fabre. Elles symbolisent des idées liées à la métamorphose, à la transformation spirituelle, à la beauté et à la nature éphémère de la vie. Quant au thème édénique, l'artiste évoque souvent, dans un langage varié, la possibilité de l'utopie. Jan Fabre est auteur dramatique, metteur en scène, chorégraphe et artiste visuel. Il a étudié à l'Institut municipal des arts décoratifs d'Anvers et à l'Académie royale des beaux-arts. Entre 1976 et 1980, il écrit ses premiers textes pour le théâtre. En 1978, il réalise des dessins avec son propre sang lors de la performance solo My Body, My Blood, My Landscape (Mon corps, mon sang, mon paysage). En 1980, il réalise la "Bic-Art Room", en opposition au "Big Art" ; il s'enferme pendant trois jours et trois nuits dans un cube blanc rempli d'objets et dessine avec des stylos Bic bleus. En 1986, il fonde Troubleyn/Jan Fabre, une compagnie théâtrale à la projection internationale. Il est membre de l'Académie royale flamande des sciences et des arts de Belgique depuis 1998 et est Commandeur de l'Ordre de Léopold II. En 2008, L'Ange de la métamorphose a été exposé au musée du Louvre, une exposition inaugurée par la reine Paola de Belgique. Il a décoré le plafond de la Galerie des Glaces du Palais Royal de Bruxelles, qu'il a appelé le Ciel des Délices, composé de 1600 000 élytres de scarabées, qui a été largement salué. Il a également réalisé Totem, une sculpture représentant un insecte géant percé d'une énorme flèche en acier de vingt-trois mètres, sur la place Ladeuze à Louvain. La sculpture a été érigée en 2005 pour commémorer le 575e anniversaire de la bibliothèque historique de l'université de Louvain.

Ferdinand Preiss - Figure de chryséléphantine 'Danseuse aux flambeaux', vers 1928 En pantalon bouffant, dans une danse effrénée. H. 34 cm (avec le socle). Bronze, peint à froid, tête, torse, bras et jambes ainsi que les flambeaux en ivoire sculpté, partiellement peints en couleur. Flammes en résine synthétique rouge orangé. Platine signée : F. PREISS. (bossué). Socle en onyx vert. Pied gauche restauré à la base de la jambe et aux orteils. Shayo, Ferdinand Preiss, Woodbridge 2005, p. 165 et quatrième de couverture ; Catley, Art Deco and other figures, Woodbridge 1998, p. 281 ; Ausst.-Kat. Vom Jugendstil bis Art Déco, Elfenbeinmuseum Erbach, 1998, n° 53 ; Duncan, Art Deco Sculpture, London 2016, p. 207. Il existe un certificat CE délivré par le service de protection du climat et de l'environnement de la ville de Munich, qui autorise la commercialisation d'objets contenant de l'ivoire au sein de l'Union européenne.

* GUANYIN CHINE - DYNASTIE MING (1368 - 1644), XVE SIÈCLE Bronze à patine brune Assise en padmasana sur un double socle lotiforme, les mains faisant le geste de l'argumentation (vitarka mudra), richement parée, la tête souriante surmontée d'une couronne à cinq pics. (Petite restauration à un bras) A bronze figure of a seated Guanyin China - Ming dynasty (1368 - 1644), 15th century H. 33 cm Provenance : - Ancienne collection française, avant 2000

JEAN MICHEL FOLON (Belgique, 1934 - Monaco, 2005). "Quarante et unième pensée", 2002, Empire State building. Sculpture en bronze patiné. Exemplaire 1/8. Signée sur le dessus de la base. Certificat joint délivré par la Fondation Folon. Dimensions : 200 x 40 x 35 cm. Dans cette sculpture, Folon crée un personnage anonyme qui semble perdu dans un monde indéfini et absurde. Sa tête est recouverte par un gratte-ciel américain, plus précisément par l'Empire State Building, ce qui empêche le protagoniste aliéné d'observer et de comprendre ce qui se passe autour de lui. Peintre, illustrateur et sculpteur belge, Jean-Michel Folon a étudié l'architecture à l'Institut Saint-Luc de Bruxelles. En 1969, il a présenté sa première exposition personnelle d'aquarelles à la Lefebre Gallery de New York. L'année suivante, il expose à Tokyo et à Milan et participe à la Biennale de Venise. Déjà pleinement reconnu sur le plan international, il participera à des concours exceptionnels tels que la Biennale de São Paulo en 1973, où il remportera le Grand Prix de peinture. Tout au long de sa carrière, Folon a travaillé les différentes techniques d'illustration, ainsi que la gravure, la sérigraphie, la mosaïque et le verre émaillé. Il a également créé de nombreuses affiches, souvent pour des causes humanitaires. D'importants musées lui ont consacré des expositions, notamment le musée des Arts décoratifs de Paris (1971), le musée Boymans van Beuningen de Rotterdam (1976), l'Institute of Contemporary Arts de Londres (1977), le Metropolitan Museum de New York (1990) et le musée Bunkamura de Tokyo (1995). Il est actuellement représenté dans des collections publiques et privées du monde entier.

JOSEP CLARÀ I AYATS (Olot, Gérone, 1878 - Barcelone, 1958). "L'esclave", 1926. Sculpture en bronze patiné, exemplaire 2/8. Signé et numéroté. Edition limitée à 8 exemplaires. Un exemplaire du même modèle se trouve dans la collection Carmen Thyssen-Bornemisza. Expositions : "A la recerca de la llibertat : Barcelone-Paris 1900-1960". Galerie Dau Al Set, Barcelone. Dimensions : 82 cm. de hauteur. Avec cette œuvre, Josep Clarà a transposé les postulats du noucentisme sur son terrain personnel, obtenant ainsi une image intemporelle et moderne à la fois. La jeune femme se montre sans pudeur, mais conserve un voile invisible de mystère. Son geste est sensuel, sans le moindre maniérisme. Ses courbes sont retenues, loin de toute volupté excessive, et en même temps elles nous renvoient à des typologies classiques, d'origine grecque. Le noucentisme, mouvement idéologico-esthétique né en Catalogne au début du XXe siècle en réaction au modernisme "fin de siècle", oppose à la mentalité du XVIIIe siècle un désir de rigueur et un classicisme qui cherche dans le passé les modèles à imiter. Ainsi, ses valeurs essentielles seront l'ordre, la clarté et la modération. Contre le naturalisme, le psychologisme et le sentimentalisme du XIXe siècle, il recherche la création lucide d'un esprit méditerranéen, à l'opposé du décadentisme fin-de-siècle. Clará a porté à son apogée la matérialisation de la typologie méditerranéenne tant désirée. Josep Clarà a commencé sa formation à l'école de dessin d'Olot, avec Josep Berga i Boix, et a ensuite étudié la sculpture à l'école des beaux-arts de Toulouse, en France. Après avoir terminé ses études, il se rend à Paris en 1890, où il travaille dans l'atelier de Louis Barrias et rencontre Maillol, Bourdelle et Rodin. Les conseils de ce dernier l'aident d'ailleurs à surmonter les influences modernistes de ses premières œuvres. En 1907, il présente au Salon des artistes français l'œuvre "Tourment", qui dénote une influence rodinienne qui, dans son marbre "Crépuscule" (1913, Museo de Santiago de Chile), dont il présente le modèle en plâtre au Salon de la Société nationale en 1908, se dilue au profit d'une plus grande clarté et d'une plus grande sérénité. L'année suivante, il présente ce qui sera la première de ses déesses, une œuvre qui représente enfin la reconnaissance officielle définitive de son talent. Durant ces années, son amitié avec la danseuse Isadora Duncan lui permet de réaliser ses dessins les plus originaux et les plus spontanés ; le dynamisme de la danse ne contredit pas sa recherche de stabilité, et lui apporte une lumière sereine et de la vivacité. Travailleur infatigable, il reçoit plusieurs commandes de monuments, comme "Sérénité sur les ruines de la vie" (cimetière de San Isidro, Madrid) et "Monument aux volontaires catalans" (parc de la Ciutadella, Barcelone). Avec la maquette de ce dernier, il remporte le grand prix de Paris en 1925. À la fin de cette même année, il est nommé membre de l'Académie des beaux-arts de San Fernando à Madrid. Clarà réalise également des têtes et des portraits, dans lesquels il fait preuve d'un langage condensé et vivant : "Voluntad" (1911), "Clara Stuart Merrill" (1926), "Adela" (1936), "Señorita Rodríguez Bauzà" (1941). Au fil du temps, le sculpteur accorde de plus en plus d'importance à la lumière et ses sculptures se simplifient, se libérant de tout sentiment, comme en témoigne sa première "Statique", datant de 1926. Fort de cette nouvelle vision, il réinterprète en 1928 "Diosa" et "Serenidad" (jardin de Montjuic, Barcelone), et crée "Reposo" (MACBA), qui lui vaut la médaille d'honneur de l'Exposition internationale de Barcelone (1929). En 1930, Clarà se rend en Grèce ; deux ans plus tard, il quitte sa résidence à Paris et s'installe définitivement à Barcelone. En 1934, il reçoit le prix Damià Campeny pour "Desnudo de muchacha". En 1936, il réalise l'une de ses meilleures œuvres, synthèse de simplicité, de lumière et de sérénité : "Pujanza". Il est également l'auteur du "Monumento a los caídos" (1952) à Barcelone. Avec le nu "Pomona" (Musée de La Havane), il remporte le grand prix de la Biennale hispano-américaine de 1954. En 1946, il réalise un "San Benito" (Montserrat) qui l'oriente vers l'étude de la figure assise. Ainsi, ses dernières œuvres seront principalement des maternités assises et des gisants. En 1969 est inauguré à Barcelone le musée qui porte son nom, où une grande partie de son œuvre est conservée. Son œuvre est également présente au Museo Comarcal de la Garrotxa à Olot et au MNAC.

POUCHAIN Jacques (1925-2015) "Le baiser" Grande sculpture volume en métal. H. 45 x L. 39 x l. 10 cm. Cachet. Travaille sur l'art de l'animalier et les pièces architecturées.

D'après Auguste RODIN L'Âge d'airain Bronze à patine brune, signé et daté "1876" sur le tertre. Haut. totale 96 cm

Agathon LEONARD - Agathon LEONARD (1841-1923) - Danseuse à la cothurne Bronze doré, signé à l'arrière Fonte Susse éditeurs 37 cm Petits manques à la dorure Note : Agathon Léonard était un artiste belge du début du 20e siècle, célèbre pour ses sculptures de danseuses. Son œuvre la plus emblématique est "Danseuse à la cothurne", une sculpture qui capture la grâce et la fluidité du mouvement dans un style caractéristique de l'Art nouveau. Cette sculpture représente une danseuse dansant sur la pointe des pieds, portant des cothurnes, des chaussures utilisées dans la tragédie grecque antique. Léonard a réussi à capturer un moment d'élégance et de légèreté dans cette œuvre, utilisant des lignes fluides et des formes organiques pour créer une sensation de mouvement. La danse était un thème récurrent dans le travail d'Agathon Léonard, et ses sculptures de danseuses sont souvent considérées comme des représentations emblématiques de l'esthétique de l'Art nouveau. Ses œuvres sont appréciées pour leur élégance et leur sensualité, ainsi que pour leur contribution à l'art sculptural de son époque.

CHEVAL CHINE - DYNASTIE WEI DU NORD (386 - 535 AP. JC) Terre cuite Figuré debout sur ses quatre pattes sur une terrasse rectangulaire, scellé et harnaché de grelots sur le poitrail, la tête baissée. (Restaurations aux jambes) A pottery figure of a horse China - Wei dynasty (386 - 557 AD) H. 32 cm Test de thermoluminescence Oxford, n°C100s61, du 21 septembre 2000 Provenance : - Acquis sur le marché de Hong Kong, avant 2000

* UMA INDE ÉPOQUE VIJAYANAGAR (1336 - 1565), XVE SIÈCLE Bronze Statuette en bronze à patine brune d'Uma, debout dans une attitude hanchée sur un piédestal lotiforme reposant sur un socle carré, une main le long du corps, l'autre tenant un lotus en bouton (padma). Elle porte une haute tiare à degrés, de lourdes parures, une légère choli soutenant sa poitrine et une dhoti retenue à la taille par une ceinture nouée. A bronze figure of a standing Uma India - Vijayanagar period (1336 - 1565), 15th century H. 45 cm Provenance : - Ancienne collection particulière parisienne, acquise autour des années 2000

Joseph CSAKY (1888-1971) - Femme au panier sur l'épaule dite aussi «femme nue au panier», modèle créé en 1928. Épreuve en bronze à patine brune nuancée. Fonte d'édition post-mortem de Blanchet, datée 1995, marque de fondeur frappée du cachet AC (Atelier Csaky) et justificatif de tirage numéroté H.C.1, faisant partie du tirage légal à 8 exemplaires. Signée. H. 98 cm - base : 31 x 25 cm Historique : Exécutée en 1928, la pierre originale faisait partie de la collection personnelle de Léonce Rosenberg. Elle était présentée sur une colonne dans la salle à manger que René Herbst lui avait installée dans son appartement privatif en regard d'une autre statue en pierre de Csaky, «L'adolescent». Provenance : - Vente Oger Semont, Paris, 11 juin 2007, lot n°34. Bibliographie : - Félix Marcilhac, Joseph Csaky, catalogue raisonné des sculptures Les Éditions de l'Amateur, Paris, 2007, modèle référencé sous le n°1928-FM131/c et reproduit p. 344.

TIBET - XVIIe siècle - Statuette de Mahakala Shadbhuja en bronze à patine brune, piétinant un démon, tenant le rosaire (malla), le tambour (damaru), la coupe crânienne et le couperet (kapala et kartika), le noeud coulant (pasha). (petits accidents). H. 10,3 cm

Antoniucci VOLTI - Antoniucci VOLTI (1915-1989) - Les parisiennes, 1962 Sculpture en bronze à patine brune signée et justifiée EA Clementi fondeur Hauteur : 40 cm Note : Antoniucci Volti, pseudonyme d’Antoniucci Voltigero (1915-1989) est un sculpteur et dessinateur français d’origine italienne. Sa sculpture de tradition figurative s’inscrit dans la lignée des artistes comme Aristide Maillol. Toute son œuvre glorifie la femme et son corps. L’œuvre proposée ici, intitulée Les Parisiennes, fait partie d’une série sur le thème dont la première fut présentée au Salon des peintres témoins de leur temps en 1958, une édition spécialement dédiée au sujet des Parisiennes. Cette série de Volti a été rendue célèbre en 1992 par la création d’une version en pierre.

Sculpture en bronze patiné brun figurant Bouddha debout sur une base circulaire à gradins. Haut : 134 cm. Défauts de fonte

DELSOL Edmée (1949) "Hommage à Rothko", grande sculpture volume vertical, céramique raku et pâte de verre, ouverture au centre. H. 41 x L. 25 cm. Provenance. Galerie Ortilles-Fourcat. Paris. Résultat de ses recherches sur les transformations de la matière révélant une intense poésie, pionnière dans le domaine de cette alliance de matières qu'elle traite de la même manière. Bibliographie. Antoinette Faÿ-Hallé, Cinquante ans de céramique française, p.118.

D'après Rembrandt Bugatti (1884-1916). Panthère marchant. Bronze à la cire perdue, signature en fac-similé, fonte posthume. Patine noire. Numérotée. Caché fondeur. Hauteur: 22,5 cm. Longueur: 46 cm.

TIBET - XVIIIe siècle - Statuette d'Amitayus en bronze doré, tenant dans ses mains un vase. (Traces de polychromie, enfoncement sur la coiffe). H. 16,3 cm

Entourage de Filippo PARODI (1630-1702). Italie du Nord, premier tiers du XVIIIème siècle. Saint Jean-Baptiste enfant. Marbre. Au cours de la seconde moitié du XVIIème siècle, les sculpteurs génois ont assimilé les modèles baroques romains et développé, autour de Filippo PARODI, un art à la fois sensible et élégant. L'anatomie juvénile, aux formes rondes et pleines, y devient le support de prédilection de représentations allégoriques, ou associées à l'enfance du Christ. Le marbre de l'enfant Jésus endormi, sculpté par Flippo PARODI vers 1675, en est une sublime illustration (The Cleveland Museum of Art, inv. 2018.257). Les traits délicats de notre jeune Jean-Baptiste, à la bouche étroite, aux lèvres charnues et aux grands yeux nettement incisés, s'inscrivent parfaitement dans la production ligérienne à partir du tournant du XVIIème siècle. Les modulations de la surface, du traitement brut de la chevelure et de la toison de l'agneau, où s'exerce le maniement habile du trépan, au rendu plus soyeux de la pelisse drapée autour de l'enfant, jusqu'au polissage minutieux des carnations, rappellent également les modèles génois. Des variations comparables se retrouvent dans la sculpture vénitienne. De fait, il est intéressant de rappeler que Parodi a également été actif à Padoue et Venise dans le dernier quart du XVIIème siècle. le dos légèrement évidé du marbre, où les traces de la gradines sont apparentes, indique qu'il a certainement été conçu pour une niche ou un retable. Notons d'ailleurs avec quelle subtilité le regard ascendant du jeune saint, probablement dirigé vers un groupe de la Vierge et de l'Enfant qu'il devait accompagner, est à peine suggéré par l'ombre portée des paupières supérieures. Ainsi, l'auteur de ce marbre est-il probablement à rechercher dans l'entourage de Flippo Parodi, dont le style est à la croisé des modèles romains - ceux de Gian Lorenzo Bernini, Alessandro Algardi et Ercole Ferrata - et de Pierre Puget, actif à Gênes entre 1661 et 1668. Outre son fils, Domenico (1668-1740), Filippo compta parmi ses élèves son gendre, Giacomo Antonio Ponsonelli (1654-1735), ainsi que Francesco Biggi (1676-1736) et Angelo de Rossi (1671-1715). De ce dernier, citons la dernière ouvre génoise avant son départ pour Rome, le marbre d'un Jeune Satyre mangeant du raisin, conservé au Palazzo Reale de Gênes (inv. 570). Un petit bout de la croix recollé et manque le haut. Comparables: Filippo PARODI, Enfant Jésus endormi, vers 1675, The Cleveland Museum of Art. Filippo PARODI, Allégorie de la Vie et de la Mort, Museo Civico, Asolo. Angelo DE ROPSSI, Jeune Satyre mangeant du raisin, Palazzo Reale, Gênes. Nous remercions Stéphanie Veyron, expert CNES, pour ses recherches sur cette sculpture. Dimensions : Hauteur 54 cm. Largeur 52 cm. Profondeur 32 cm.

CHAMEAU CHINE - DYNASTIE TANG (618-907) Terre cuite à glaçure beige et ocre type ‘sancai' (trois couleurs) Debout, sur une terrasse rectangulaire, la tête levée, blatérant. A ‘sancai' glazed pottery figure of a camel China - Tang dynasty (618-907) H. 85 cm Test de thermoluminescence Oxford, n°C110N74, du 8 novembre 2010. Provenance : - Ancienne collection privée française avant 2002.

Pierre LE FAGUAYS (1892-1962) ou FAYRAL Amazone au javelot Sculpture en fonte d'art à patine verte. Signé NAC (pseudonyme de Pierre Le Faguays) en creux sur la base. Epoque Art Déco. Circa 1930. H: 50 cm - L. avec javelot : 42 cm Sur socle d'époque en pierre à quadruple degré.Signé Fayral. Socle ébréché.

France, vers 1600 Christ de la Crucifixion Figure sculptée en bois H. 133 cm AL-EJ Accidents et manques Provenance : Ancienne collection Michel Andrault

AIZELIN EUGne titré. Nymphe de Diane, Diane à l'arc, aux flèches et au lévrier" sculpture en bronze marquée à l'arrière fonderie Barbedienne | Hauteur 76,5 cm. - Petite restauration à l'arc

Fragment de tête en pierre calcaire sculptée aux sourcils froncés et à la chevelure bouclée. Travail du XVème Siècle. Haut. : 18 cm x Larg. : 20 cm

Didier DEBUT (1824-1893) - Didier DEBUT (1824-1893) Le porteur d'eau Épreuve en bronze à patine brune et polychrome, signée sur la terrasse, cachet de fondeur H. 32 cm

KOEN VANMECHELEN (Saint-Trond, Belgique, 1965). "Kitovu", 2016. Technique mixte (néon, cornes, peau de vache, cordes et autres matériaux) dans une urne en plexiglas. Pièce unique. Certificat ci-joint délivré par l'artiste. Dimensions : 64 x 76 x 33 cm (urne). Osotwa (Kitovu) signifie "cordon ombilical" dans la langue des Masaï. Cette œuvre, intitulée Osotwa, est liée au projet commun de Koen Vanmechelen et Labiomista. Elle est le résultat de la collaboration de l'artiste avec la ville de Genk. Une idée expérimentale née d'une vision commune du potentiel de l'identité et de la diversité. En tant que membre de l'équipe transdisciplinaire, Koen Vanmechelen a assigné plusieurs thèmes à un groupe de personnes et à une œuvre d'art, comme outil de réflexion et de regroupement et comme source d'inspiration. Cette œuvre est la partie indissociable des conclusions du deuxième groupe de travail, dont la discussion avait tourné autour de la liberté. Koen Vanmechelen est un artiste conceptuel d'origine belge. Il a commencé sa carrière au début des années 1990. Son travail se concentre sur la diversité bioculturelle. Autour de ce thème, Vanmechelen a également collaboré avec des scientifiques de différentes disciplines. Ces projets transfrontaliers lui ont valu un doctorat honorifique de l'université de Hasselt en 2010 et le Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica en 2013.Koen Vanmechelen est surtout connu pour son The Cosmopolitan Chicken Project ou (CCP), un projet artistique unique qu'il a lancé à la fin des années 1990. Ce projet se concentre sur le poulet et, plus précisément, sur le croisement de races nationales de poulets pour les transformer en "poulets cosmopolites". En 2018, la 22e génération de ce projet mondial est née au musée Serlachius en Finlande : le malinois danois, un croisement entre une race finlandaise et le malinois danois (CCP21) qui a éclos à la Biennale danoise un an plus tôt. Les différents poulets cosmopolites portent des gènes provenant de Belgique, de France, d'Angleterre, des États-Unis, d'Allemagne, des Pays-Bas, du Mexique, de Thaïlande, du Brésil, de Turquie, de Cuba, d'Italie, de Russie, de Chine, d'Égypte, du Sénégal, de Slovénie, d'Autriche, d'Indonésie et du Danemark. La diversité bioculturelle et l'interaction entre l'art et la science qui en résulte constituent le thème principal de son travail. Vanmechelen collabore souvent avec des scientifiques et des experts de différentes disciplines, tels que Jean-Jacques Cassiman, Willem Ombelet, Maarten Larmuseau, Rik Pinxten et Marleen Temmerman. Il utilise des technologies innovantes telles que la numérisation 3D, la morphométrie, l'impression 3D et des techniques de visualisation interactives. Son travail est multimédia et va des peintures et dessins expressifs à la photographie, la vidéo, les installations, le travail du verre et les sculptures en bois. Le fil conducteur qui revient souvent est celui de l'œuf et de la poule. Au fil des ans, ces objets sont devenus des symboles reliant des questions scientifiques, politiques, philosophiques et éthiques. Tout au long de sa carrière prolifique, il a participé à des expositions individuelles et collectives à la National Gallery (Londres), au Victoria and Albert Museum (Londres), au Museum Kunstpalast (Düsseldorf), au Muziekgebouw aan 't IJ (Amsterdam), au Macro (Rome), au MAD Museum (NY), au Slot Belvedere (Vienne), au ZKM (Karlsruhe) et au Pushkin Museum (Moscou), parmi d'autres. Outre la Biennale de Venise, son travail a été exposé aux Biennales de Moscou, Dakar, La Havane et Poznan, à l'Exposition universelle de Shanghai 2010, à la Triennale de Guangzhou, à Manifesta 9 et à dOCUMENTA (13).

Villanis, Emmanuel (1858 - 1914), "Valkyrie" (France, vers 1910), bronze, signé sur le socle. "Valkyrie", setil. signé. "E. Villanis", au dos. "J.P. - 5133", cachet de fondeur "Société des Bronzes de Paris", Gr. env. H : 44 cm.

STATUETTE DE JIGTEN SUMGON RINCHEN PEL EN BRONZE DORÉ ET INCRUSTATIONS DE MÉTAL ARGENTÉ, Tibet, XVIIe -XVIIIe siècle Représenté assis en padmasana sur une double base lotiforme, la main droite en bhumisparshamudra, la main gauche en dhyanamudra, vêtu d’un kasaya, un vajra ciselé sur le devant, la plaque de la base agrémentée de deux vajra H. : 12 cm (4 ½ in.) A slilvered metal inlaid gilt bronze figure of Jigten Sumgon Rinchen Pel, Tibet, 17th/18th century 西藏 十七/十八世纪 铜鎏金错银吉天颂恭仁钦贝像

STATUETTE DE GUANDI SUR SON CHEVAL EN BRONZE DORÉ, Chine, dynastie Qing, XVIIIe siècle Reposant sur une base rocheuse, vêtu d’une armure, les épaulettes et la large ceinture en forme de têtes d’animaux, le visage sévère portant une longue barbe et moustache, coiffé d’un bonnet ; arme détachée, une barbe fragilisée H. : 24,3 cm (9 ¼ in.) Provenance: importante collection particulière européenne A gilt bronze figure of Guandi and his horse, China, Qing dynasty, 18th century 清 十八世纪 铜鎏金骑马关公像 来源:重要欧洲私人珍藏，始于二十世纪初

FREMIET Emmanuel (1824-1910) : "Chef gaulois", groupe en bronze à patine brune, signé et titré sur la terrasse. Epoque fin XIXème siècle. Haut. 36 cm. Larg. 27 cm. Prof. 12 cm. Le modèle en plâtre fut exposé au salon de 1863 suivi d'une commande impériale en 1864 pour le Musée d'Archéologie Nationale de Saint Germain-en-Laye.

"Plaisir féminin ou scène érotique lesbienne" Bronze à patine nuancée. Travail ancien. H: 7.5 cm, L: 12.5 cm [Erotica]

Robert et Jean CLOUTIER - Robert et Jean CLOUTIER Visage Céramique Hauteur : 18 cm Note : La carrière de Robert et Jean Cloutier, les jumeaux de la céramique, fut longue et prolifique. Leur style englobera de nombreux décors muraux ainsi que des claustras en céramique, dont ils deviendront les champions. Aujourd’hui, leurs créations sont avidement recherchées par les amateurs

La Pudeur Buste en marbre blanc représentant une jeune femme, la tête penchée sur son épaule, d'après un modèle de Jean-Antoine Houdon (1741-1828). Milieu du XIXe siècle. Haut.: 46 cm

JAPON - Epoque MEIJI (1868 - 1912) - Grand brûle-parfum à suspendre en bronze à patine brune et traces de dorure en forme de phénix aux ailes déployées, la queue remontant vers le haut et formant crochet. (Petits accidents). Signé Sadayuki zo. H. 91 cm

JEAN JULES SALOMON Lutteurs 1887 - Bronze à patine sombre, signé et daté à la base. 92,00 x 39,00 x 20,00 cm

Fritz et Vera VEHRING (1944) Sculpture-volume architecturé céramique patine beige et brune. H. 21 x L. 14 cm. Monogramme FV et date 75.

Chat tigré en céramique craquelée, estampillé Prima Vera France, modèle réalisé vers 1916 et apparu à l'Exposition Universelle de Paris 1925 Tijgerkat in craquelé keramiek, gestempeld Prima Vera France, model gemaakt rond 1916 en verschenen op de wereldtentoonstelling Parijs 1925 15,5 x 25 x 10,5 cm livre Alain René Hardy 'Primavera 1912-1979'

Prosper d'EPINAY (1834-1914) Buste de jeune femme aux fleurs Albâtre signé «P.D'Epinay». Haut. 64 cm Petits accidents

LORI HERSBERGER (Bâle, Suisse, 1964). "Instant karma nº26", 2013. Sculpture en acier inoxydable poli miroir. Pièce unique. Signée, datée et titrée au dos (en bas). Certificat ci-joint délivré par le Studio Lori Hersberger et signé par l'artiste. Dimensions : 80 x 60 x 20 cm. Les élégantes pièces de Lori Hersberger soulignent l'opposition entre le monde de l'illusion et le monde de la réalité, tout en faisant allusion à l'espace commun qu'ils partagent. L'utilisation de l'acier miroitant est à l'origine de cet intérêt pour l'exploration de la plasticité de cette zone intermédiaire : entre l'illusion et la réalité, entre la peinture et la sculpture, entre les processus industriels et les finitions artisanales... Le choix non dogmatique des matériaux et des moyens d'expression est devenu la marque de fabrique de sa production. Un élément constant dans ses œuvres est l'exploration de l'art d'avant-garde de l'après-guerre, des tendances Hard-Edge, Minimalisme, Land Art et Pop, ce qui est évident dans cette sculpture réfléchissante. L'artiste suisse Lori Hersberger vit et travaille à Zurich. Née à Bâle, elle a étudié l'art vidéo et la sculpture à l'École d'art et de design de Bâle. Au début des années 1990, elle a commencé à créer des environnements et des installations, d'abord en combinaison avec la vidéo, puis avec différents types de médias, tels que le verre miroir, la peinture fluorescente, la lumière néon et l'acier chromé. Il s'est rapidement orienté vers un large éventail de médias et de sujets différents et apparemment incompatibles. Ses œuvres se caractérisent par un langage artistique direct et, bien que nombre d'entre elles déclenchent une forte impression positive, un potentiel subversif. Dans diverses installations, ainsi que dans ses peintures et sculptures, elle aborde une série de thèmes tels que l'émotivité hybride et la double nature sémantique de phénomènes tels que la fantasmagorie. À partir de 2000, Lori Hersberger a élargi son œuvre artistique à la peinture abstraite et, depuis lors, elle se considère exclusivement comme une peintre et une sculptrice. La qualifier d'artiste de l'installation est aussi inadéquat que de la catégoriser uniquement comme peintre, car depuis le début de sa carrière, elle s'est engagée dans une sorte de perspectivisme qui s'exprime dans l'exploration expérimentale de genres multiples. Lori Hersberger a reçu de nombreux prix, dont le Swiss Art Award (1999 et 2000) et le Manor Art Prize Basel (2001). Ses œuvres ont été exposées dans de nombreuses institutions et musées, notamment au MAC, le musée d'art contemporain de Lyon, où elle a présenté en 2008 sa plus grande exposition personnelle à ce jour, intitulée Lori Hersberger - Phantom Studies, des sculptures en acier déformé ainsi que de vastes installations avec des néons et du verre miroir, ou dans d'autres expositions personnelles, entre autres au Kunsthaus Zürich en 2003. Il a également exposé dans des lieux tels que le Museum für Gegenwartskunst à Bâle, le MMKK Museum of Modern Art Carinthia à Klagenfurt, la Kunsthalle Giessen, la Kunsthalle Basel et le Swiss Institute à New York. À la 48e Biennale de Venise, à la Kunsthalle de Vienne, au ZKM Museum of Contemporary Art de Karlsruhe, au SMAK Stedelijk Museum of Contemporary Art de Gand, au Lucerne Museum of Art et au Musée d'art de Saint-Gall. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections en Suisse, en Europe et aux États-Unis, et font partie de plusieurs installations dans l'espace public.

Richard ORLINSKI - Richard ORLINSKI (né en 1966) - Stiletto Résine Tag " 10 ans Crazy Horse" - Épreuve en polyrésine - Pièce unique - Signé dessous - Hauteur 40 cm - Un certificat de l'artiste sera remis à l'acquéreur

The Four Evangelists, 18th century Roman sculptor - quatre sculptures en bronze patiné sur base en marbre, hauteur totale cm. 39

Mathurin MOREAU Bronze - Mathurin MOREAU (1822-1912) "Frileuse" Bronze à patine médaille signée Math Moreau sur la terrasse repose sur un socle circulaire composé de marbres blanc et noir, on y joint une sellette quadripode en bois avec dessus marbre blanc circulaire H sculpture et socle en marbre circulaire: 70 cm H sellette: 82 cm

Aiguière. Bronze ou fonte de laiton à décor ciselé. Inde, XVIIIe-XIXe siècle et Iran, XIXe siècle pour le décor ciselé. Hauteur : 27 cm - Largeur : 25 cm La panse globulaire est centrée d'un médaillon en forme de goutte en relief. Elle est sommée d'un couvercle formant un dôme, dotée d'un verseur droit bagué et d'une anse sinueuse. Il s'agit probablement d'une aiguière indienne surdécorée en Iran dans la première moitié du XIXe siècle. Le décor ciselé sur toute la surface représente les rois Persans, entourés de registres foisonnant d'animaux et de végétaux et de frises calligraphiques sur le col.

Alik CAVALIERE (1926-1998) Zanota Editeur Semainier en placage de loupe d’orme à différentes patines et poignées en bronze patiné à motifs variés : oiseau, pomme, feuille, astre, triangle et œil maçonnique Vers 1990 Signé sur le côté 128 x 52 x 53 cm

Grande sculpture de la vierge et du Christ enfant, - Grande sculpture de la vierge et du Christ enfant, en bois patiné. Travail du XIX eme siècle. Traces de xylophages. H : 131 cm

BUGATTI R. (d'après) "Walking deer" sculpture en bronze sur socle fonte posthume et numérotée 20/48 | Hauteur 51,5 cm. - Base 63,5 x 19,5 - Base collée

COQ CHINE - DYNASTIE HAN (206 AV. JC - 220 AP. JC) Terre cuite, polychromie et bronze Le plumage incisé, la tête et les ailes finement peintes, les pattes en bronze. A painted pottery cockerel China - Han dynasty (206 BC - 220 AD) L. 16 cm Provenance : - Acquis sur le marché de Hong Kong

"KAWS", BRIAN DONNELLY (New Jersey, 1974) pour Medicom Toy & Original Fake. "Companion Dissected", 2006. Vinyle peint. Tampons de l'artiste et de l'éditeur sur les semelles. Avec boîte d'origine. Dimensions : 35 x 15 cm. Dans la vaste gamme des créations de Kaws, les "Compagnons" se distinguent, des figures inspirées du personnage de Mickey Mouse, une icône que l'artiste connaît bien puisqu'il a commencé sa carrière dans les studios Disney en tant qu'animateur. Ses compagnons portent également des gants blancs et les chaussures de la souris, mais à la place des yeux, ils portent deux croix. Son iconographie basée sur la culture populaire ne s'est pas seulement concentrée sur la figure de Mickey, mais il y a aussi des compagnons basés sur Star Wars, Bob l'éponge ou les personnages de Sesame Street. Le titre "Disected" fait référence au fait que la moitié du corps du personnage a été disséqué, ce qui permet de voir ses organes vitaux, comme s'il s'agissait d'un modèle anatomique pour l'étude de la médecine. L'artiste et designer américain Kaws est connu pour son travail distinctif qui s'étend sur plusieurs décennies. Son répertoire de personnages et de motifs figuratifs, certains créés par lui-même et d'autres réinterprétés à partir d'icônes existantes, a laissé une marque unique dans le monde de l'art contemporain. Les sculptures de Kaws présentent une diversité impressionnante, allant de dimensions réduites à des tours de dix mètres de haut. Fabriquées à partir de matériaux tels que la fibre de verre, l'aluminium, le bois, le bronze et même un ingénieux ponton gonflable en acier, ses créations sont une fusion de l'innovation technique et de l'expression artistique. Les œuvres de Kaws ont trouvé leur place dans les galeries et les musées, ainsi que dans les collections permanentes des institutions publiques. Elles ont également attiré l'attention de collectionneurs passionnés, dont le producteur de musique Swizz Beatz et le célèbre rappeur Pharrell Williams. De nombreux livres ont été publiés pour illustrer et analyser son œuvre puissante. Installé à Brooklyn, New York, Kaws ne se contente pas de créer des sculptures, mais explore également d'autres formes d'art telles que la peinture acrylique sur toile et la sérigraphie. Son influence s'étend au domaine commercial, où il a principalement collaboré à la production de jouets en édition limitée, ainsi qu'à la conception de vêtements, de planches à roulettes et d'autres produits. Le style distinctif de Kaws se caractérise par une emphase vibrante sur la couleur et la ligne, ainsi que par des graphiques emblématiques, tels que l'inclusion répétée du "x" dans les mains et les yeux. Son travail se distingue également par la réappropriation intelligente d'icônes de la culture pop, telles que Mickey Mouse, Bibendum, les Schtroumpfs, Snoopy et Bob l'éponge.

MANOLO VALDÉS (Valence, 1942). "Reina Mariana in Art Decó", 1982. Fer et bois. Provenance : Galerie Maeght. Œuvre reproduite dans "Manolo Valdés In Cardiff". Dimensions : 172,8 x 112 x 27,5 cm. Le jeu des combinaisons, des permutations stylistiques et des références à l'histoire de l'art était une source inépuisable pour Manolo Valdés. Ici, dans cette sculpture en fer et en bois, nous sommes confrontés à un exemple classique de cet esprit ludique : nous reconnaissons la reine Mariana d'Autriche vêtue de sa robe de cour à la jupe pompeuse, telle que Velázquez l'a représentée en son temps, mais dans une version Art déco. Ainsi, les formes angulaires, idéalisées, équilibrées et proportionnées, mais synthétiques et essentielles, rendent hommage à Vélasquez et font de cette sculpture une véritable déclaration d'intention du peintre valencien, justifiant le rôle des grands peintres traditionnels et modernes dans l'évolution de l'histoire de l'art. Manolo Valdés a introduit en Espagne une forme d'expression artistique qui combine l'engagement politique et social avec l'humour et l'ironie. Il commence sa formation en 1957, lorsqu'il entre à l'école des beaux-arts San Carlos de Valence. Cependant, deux ans plus tard, il abandonne ses études pour se consacrer pleinement à la peinture. En 1964, il fonde le groupe artistique Equipo Crónica, avec Juan Antonio Toledo et Rafael Solbes, dans lequel il restera jusqu'à la mort de ce dernier en 1981, bien que Toledo ait quitté le groupe deux ans après sa fondation. Depuis lors, il s'est installé à New York, où il vit actuellement et où il a continué à expérimenter de nouvelles formes d'expression, notamment la sculpture. Parmi les nombreux prix que Manolo Valdés a remportés, citons les prix Lissone et Biella de Milan, la médaille d'argent de la IIe Biennale internationale de gravures de Tokyo, le prix du Bridgestone Art Museum de Lisbonne, le prix national des arts plastiques, la médaille du Festival international des beaux-arts de Paris, le Festival international des beaux-arts de Paris et le prix national de la sculpture, et le prix national de sculpture, entre autres, la médaille du festival international des artistes plasticiens de Bagdad, la décoration de l'ordre d'Andrés Bello au Venezuela, le prix du Conseil national de Monaco, la médaille d'or du mérite des beaux-arts, le prix de l'association espagnole des critiques d'art et le prix du meilleur artiste de l'imprimerie, entre autres. Sur le plan formel, Valdés produit une œuvre de grand format dans laquelle les lumières et les couleurs expriment des valeurs tactiles, grâce au traitement des matériaux. Son travail oblige le spectateur à plonger dans la mémoire et à rechercher des images significatives de l'histoire de l'art. Il est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Reina Sofía de Madrid, le Metropolitan, le MoMA et le Guggenheim de New York, le Centre Georges Pompidou et le Fons National d'Arts Plastiques de Paris, la Kusnthalle de Hambourg, le Kunstmuseum de Berlin et le Museo de Bellas Artes de Bilbao, parmi beaucoup d'autres.

Sculpture en plâtre patiné de lutteurs d'après Antonio Canova, signée George Minne Sculpture en plâtre patinée de lutteurs d'après Antonio Canova, signée George Minne 40 x 48 x 29,5 cm

Paul GUIRAMAND (1926-2007) Archere I Sculpture en bronze patine marron signée, numérotée 711/1000 H : 29 cm. Avec son certificat