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Artes del mundo

En el top ten de las subastas, las artes primitivas no son las últimas. Ya se llamen "artes primitivas" o "artes tribales", estos tesoros de arte africano, americano y oceánico que se venden en subasta han fascinado a los coleccionistas, de andré breton a pablo picasso, de pierre vérité a jacques kerchache, que contribuyó a llevar al louvre en 2000 las producciones de estos pueblos considerados "sin escritura y sin historia", en previsión de la apertura del museo quai branly de parís. "las obras maestras de todo el mundo nacen libres e iguales", decía este entusiasta de estos objetos mágicos procedentes de los cuatro puntos cardinales: áfrica (costa de marfil, república del congo, república democrática del congo, nigeria, angola, burkina-faso, gabón, madagascar...), oceanía (papúa nueva guinea, islas marquesas, islas cook, islas salomón, nueva zelanda, polinesia...) Las américas (taínos de las islas del caribe, inuit del golfo de alaska) e insulinde (borneo, indonesia...). Aunque tardaron en adquirir el rango de obras de arte, desde el año 2000, las artes primitivas han sido el centro de las subastas en línea (sagradas), ya sean máscaras dogón, estatuas fang o figuras relicario mbulu ngulu kota; colgantes maoríes o esculturas esquimales...

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Lotes recomendados

MADAGASCAR. Estatua de Sakalava. Madera erosionada. Altura 92 - Anchura 22 cm Aunque la huella del tiempo ha borrado los rasgos de su rostro y marcado más profundamente las venas de su madera dura erosionada, la influencia de esta escultura femenina de Sakalava es sin embargo innegable, con una gran sensibilidad por la fluidez de sus formas en movimiento. Hay una sutil ambivalencia entre la estatura orgullosa e inmóvil y el movimiento sugerido por la flexión de las piernas y los brazos. La fuerza de su presencia onírica se corresponde con su valor simbólico. Encarna un himno a la vida depositado junto a las tumbas, animado por una fuerza lírica y poética. Imbuido de un poder silencioso pero dinámico, es una de las expresiones más sensibles de la condición africana. El arte funerario, creación emblemática de la civilización malgache, apareció por primera vez en el centro-oeste de Madagascar en el siglo XVII. Madagascar en el siglo XVII, en el nacimiento del reino Sakalava. El gesto del escultor media lo sagrado. Estos postes estaban dedicados al culto sagrado de los muertos, simbolizaban el paso al otro mundo marcando e indicando la tumba. Como la vida de la comunidad estaba íntimamente ligada a los antepasados de los difuntos, el recinto funerario merecía una atención muy especial, ya que era el punto clave de confluencia entre el mundo físico y el espiritual. El lugar del mito encarnado. El poder y el orgullo solemne se entrelazan y se aprecian en los gestos del rostro ligeramente inclinado hacia atrás, hacia lo espiritual. La importancia del personaje encarnado se revela a través del trabajo del elaborado tocado. Una obra similar de la Galerie 62 se expuso en el Musée de Grenoble durante la exposición "Arte en el futuro pasado" en 2004. Procedencia: Colección de Claude y Sylvette Féraud. Artista, surrealista, cofundador de las ediciones Fata Morgana y miembro del grupo Phase. Experto: Sra. Aurore Krier-Mariani.

Valorac. 2.000 - 3.000 EUR

Escuela italiana posiblemente del siglo XIX. "Cabeza de mujer". Mármol. Medidas: 43 x 17 x 22 cm. Esta escultura de cabeza se inspira en la estatuaria clásica y representa, muy probablemente, a Afrodita. La joven tiene un rostro sereno con ojos almendrados de mirada expresiva y labios ligeramente fruncidos. El peinado con rizos y raya en medio indica que sigue los modelos romanos, una cultura que alcanzó gran fama por su dominio del retrato como expresión de veracidad y estatus. Los romanos aportaron dos importantes innovaciones al mundo de la escultura: el retrato y el relieve histórico, ninguno de los cuales existía en el mundo griego. Sin embargo, siguieron los modelos griegos para gran parte de su producción escultórica, base que en Roma se combinaría con la tradición etrusca. Tras los primeros contactos con la Grecia del clasicismo a través de las colonias de la Magna Grecia, los romanos conquistaron Siracusa en el 212 a.C., una rica e importante colonia griega situada en Sicilia, adornada con un gran número de obras helenísticas. La ciudad fue saqueada y sus tesoros artísticos llevados a Roma, donde el nuevo estilo de estas obras pronto sustituyó a la tradición etrusco-romana que había prevalecido hasta entonces. Poco después, en 133 a.C., el Imperio heredó el reino de Pérgamo, donde existía una original y floreciente escuela de escultura helenística. El enorme Altar de Pérgamo, el "Galo suicidándose" o el grupo dramático "Laocoonte y sus hijos" fueron tres de las creaciones clave de esta escuela helenística. Por otra parte, tras la conquista de Grecia en 146 a.C., la mayoría de los artistas griegos se instalaron en Roma, y muchos de ellos se dedicaron a realizar copias de esculturas griegas, muy de moda en aquella época en la capital del Imperio.

Valorac. 1.200 - 1.300 EUR

Escuela italiana de los siglos XVII-XVIII, que sigue modelos de la Antigüedad clásica. "Dioniso con animal". Mármol. Medidas: 125 x 48 x 48 cm. Estamos ante una escultura que hunde sus raíces en la estatuaria clásica, concretamente en el modelo "Dioniso con pantera" de la época del emperador Adriano. La escultura, de la que el Museo del Prado alberga una copia, combina elementos estilísticos del primer periodo clásico (490-470 a.C.) con otros de finales del siglo IV a.C. Como en la de la pinacoteca española, a nuestra escultura le falta el tirso, sostenido como una lanza en la mano izquierda, la cabeza con su larga cabellera recogida y coronada de hiedra, y la jarra de vino que Dioniso sostenía en la mano derecha. Los romanos aportaron dos importantes novedades al mundo de la escultura: el retrato y el relieve histórico, ninguno de los cuales existía en el mundo griego. Sin embargo, siguieron modelos griegos para gran parte de su producción escultórica, base que en Roma se combinaría con la tradición etrusca. Tras los primeros contactos con la Grecia del clasicismo a través de las colonias de la Magna Grecia, los romanos conquistaron Siracusa en el 212 a.C., una rica e importante colonia griega situada en Sicilia, adornada con un gran número de obras helenísticas. La ciudad fue saqueada y sus tesoros artísticos llevados a Roma, donde el nuevo estilo de estas obras pronto sustituyó a la tradición etrusco-romana que había prevalecido hasta entonces. Poco después, en 133 a.C., el Imperio heredó el reino de Pérgamo, donde existía una original y floreciente escuela de escultura helenística. El enorme Altar de Pérgamo, el "Galo suicidándose" o el grupo dramático "Laocoonte y sus hijos" fueron tres de las creaciones clave de esta escuela helenística. Por otro lado, tras la conquista de Grecia en el 146 a.C., la mayoría de los artistas griegos se instalaron en Roma, y muchos de ellos se dedicaron a realizar copias de esculturas griegas, muy de moda en aquella época en la capital del Imperio. Así, se realizaron numerosas copias de Praxíteles, Lisipo y obras clásicas del siglo V a.C., dando lugar a la escuela neoática de Roma, el primer movimiento neoclásico de la Historia del Arte. Sin embargo, entre finales del siglo II a.C. y principios del siglo I a.C. se produce un cambio en esta tendencia purista griega, que culmina con la creación de una escuela nacional de escultura en Roma, de la que surgen obras como el Altar de Enobarbo, que introduce ya un concepto narrativo típicamente romano, que se convertirá en crónica de la vida cotidiana y, al mismo tiempo, del éxito de su modelo político. Esta escuela será la precursora del gran arte imperial de Augusto, en cuyo mandato Roma se convirtió en la ciudad más influyente del Imperio y también en el nuevo centro de la cultura helenística, como antes lo habían sido Pérgamo y Alejandría, atrayendo a un gran número de artistas y artesanos griegos. En época de Augusto, Roma contribuyó a la continuidad y renovación de una tradición que ya contaba con un prestigio secular y que había dictado el carácter de todo el arte de la zona.

Valorac. 5.000 - 6.000 EUR

Escuela italiana, siglo XVI. Cristo crucificado, hacia 1570. Bronce dorado. Fundición de ANTONIO GENTILI (1519-1609). Inspirado en GUGLIELMO DELLA PORTA (hacia 1500-1577). Cruz y base en metacrilato. Presenta algunos desgastes en el dorado. Medidas: 24 x 20,5 x 4,5 cm (Cristo); 43 x 28 cm (base y cruz). Cristo crucificado en bronce dorado, fundido por Antonio Gentili da Faenza hacia 1570, a partir de un modelo del escultor Guillermo Della Porta. La exquisitez del orfebre renacentista y las soluciones manieristas de Della Porta se combinan felizmente en esta delicada efigie. Representa a un Cristo muerto con tres clavos. Estilísticamente, la escultura pertenece a la tradición renacentista del Cinquecento, que se manifiesta en la voluntad del autor de evitar la representación del patetismo, optando en cambio por representar el momento después de la muerte. La musculatura relajada, la armonía de las proporciones anatómicas, la inclinación hacia la izquierda de las rodillas y hacia la derecha de la cabeza, el hábil juego del drapeado del paño de pureza y la estilización de los rasgos fisonómicos componen un conjunto clásico e intemporal. Sin embargo, un rasgo genuinamente manierista es el sutil alargamiento de los brazos. Se trata de una deformación expresiva típica del manierismo destinada, en este caso, a destacar y subrayar la belleza trágica de la crucifixión. Antonio Gentili, también conocido como Antonio da Faenza, fue un orfebre, escultor y grabador italiano nacido en Faenza, Italia. Se le considera uno de los orfebres más importantes del siglo XVI, famoso por sus intrincados y magistrales trabajos en metales preciosos. Los primeros años de Gentili y su formación artística no están del todo claros. Se cree que fue aprendiz de orfebres locales en Faenza antes de trasladarse a Roma a mediados del siglo XVI. Roma era entonces un vibrante centro artístico, y el contacto de Gentili con los maestros del Renacimiento influyó sin duda en su estilo y su técnica. En Roma, Gentili estableció un exitoso taller y obtuvo reconocimiento por su exquisita artesanía. Recibió numerosos encargos de clientes adinerados, como cardenales, papas y miembros de la nobleza romana. Sus obras fueron muy codiciadas por su elegancia, virtuosismo técnico e incorporación de piedras preciosas, esmaltes y otros elementos decorativos. Entre las obras más notables de Gentili se encuentran: la Cruz Farnesio y los Candelabros (1581-1582), el Relicario de la Santa Espina (1586-1589), encargado por el papa Sixto V, y la Mitra del papa Gregorio XIII (1583-1585). Guglielmo della Porta fue un arquitecto y escultor italiano del periodo manierista. Nació en el seno de una familia de renombre relacionada con las artes. Su padre, Giovanni Battista della Porta, destacó como escultor. Fue aprendiz en el taller de su tío Giovanni Giacomo della Porta en Génova. Trabajó con él en la construcción de la catedral de Milán. Hacia 1530 se le encomendó la tarea de reproducir algunas obras de Leonardo da Vinci. De vuelta en Génova, perfecciona su técnica de dibujo con el maestro Perin del Vaga, con quien trabaja en el Palacio Doria. Hacia 1537 se trasladó a Roma, donde entró en contacto con Sebastiano del Piombo, quien le recomendó a Miguel Ángel. Trabajó en las piernas del Hércules Farnesio, una escultura que se encontró sin piernas. Cuando se encontraron las piernas originales, Miguel Ángel recomendó que se conservaran las de Della Porta, como demostración de que los modernos podían compararse con los antiguos. Obtuvo un puesto en la casa de la moneda papal.

Valorac. 3.000 - 4.000 EUR