Design & Art (1924-2024) Pioneering collection by Caroli…

Lot 1 - Florence KNOLL (1917, 2019) - USA - Banc "2577 BC". Édition : Knoll International. Composé d'une structure tubulaire avec tissu "Kvadrat". Mousse Bultex. Petite table en bois massif de wengé, 1955 - L 142 x 80 x H 66 cm. Usure normale. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. ( Livraison à Paris 300 eur) Florence Knoll était une architecte d'intérieur, une créatrice de meubles et une entrepreneuse à qui l'on attribue la révolution de l'aménagement des bureaux et l'introduction du design moderniste dans les intérieurs de bureaux. Knoll et son mari, Hans Knoll, ont fait de Knoll Associates un leader dans les domaines du mobilier et de la décoration d'intérieur. Elle s'est efforcée de professionnaliser le secteur de la décoration d'intérieur, en luttant contre les stéréotypes sexistes du décorateur. Elle est connue pour ses bureaux ouverts, peuplés de meubles modernistes et organisés de manière rationnelle pour répondre aux besoins des employés de bureau. Son esthétique moderniste est connue pour ses lignes épurées et ses géométries claires, humanisées par des textures, des formes organiques et des couleurs. Récompenses Médaille des arts industriels de l'American Institute of Architects (AIA) Médaille d'or de l'AIA pour l'ensemble de sa carrière. En 2002, elle est devenue la première femme à recevoir la médaille d'or de l'AIA, l'une des plus hautes distinctions décernées par l'American Institute of Architects. Médaille nationale des arts, 2004 Docteur en beaux-arts. Collection - Musées Musée d'art moderne (MoMA) , New York Le Victoria and Albert Museum (V&A), Londres L'Institut d'art de Chicago Musée du design du Danemark (Designmuseum Danmark), Copenhague :. Vitra Design Museum, Allemagne

Mise à prix 6500 EUR

Lot 2 - Ilmari TAPILOVAARA (1914, 1999) - FINLAND - 2 Chaises avec assise en bois laqué noir et dossier à lattes reposant sur quatre pieds fuselés, 1955.H- 72cm, L- 68cm, P- 66cm. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur Frais de port à Paris 100 eur. ILMARI TAPIOVAARA considère Alvar Aalto comme une grande influence. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Tapiovaara a conçu des abris et du mobilier de campagne pour l'armée finlandaise, une tâche difficile étant donné qu'il ne pouvait utiliser que du bois local et des outils simples, et qu'il n'y avait ni clous ni vis. Son propre travail a été remarqué pour les chaises Domus. Celles-ci ont vu le jour alors qu'il travaillait avec sa femme à la Domus Academica de 1946 à 1947. Le couple a créé son propre bureau en 1951. L'année suivante, il enseigne le design à l'Illinois Institute of Technology. Il travaille ensuite au Paraguay et à l'île Maurice pour le compte d'un programme de développement des Nations unies. En 1959, il reçoit la médaille Pro-Finlandia de l'Ordre du Lion de Finlande et, en 1964, une médaille d'or à la XIIIe Triennale de Milan pour sa coutellerie Polar. Il a réalisé la plupart de ses travaux pour des universités et des écoles, ainsi qu'une "table racine" pour l'armée finlandaise. Des meubles conçus à partir de ses croquis ont continué à être produits jusqu'au vingt-et-unième siècle.

Mise à prix 2600 EUR

Lot 3 - Arne JACOBSEN (1902-1971) - DENMARK - Paire de lampes de table AJ Visor alias "Lampe Marlène" en laiton laqué rouge-orange. Fabriquées par Louis Poulsen, 1957 - B 12 x D 18 x H 55 cm. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 70 eur

Mise à prix 2500 EUR

Lot 4 - Arne JACOBSEN (1902-1971) - DENMARK - Chaise Egg - Cuir noir, on y joint un ottoman en cuir Eggplant tout à fait différent, 1958. - L86 x L 95 x H 38/1O7 cm. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Frais de port à Paris 200 eur. Arne Jacobsen était l'un des architectes et designers danois les plus importants. Son œuvre vaste et diversifiée a profondément marqué l'histoire du design et de l'architecture au Danemark et dans le monde. Les projets architecturaux les plus célèbres d'Arne Jacobsen comprennent l'hôtel de ville d'Aarhus, l'école Munkegaard, l'hôtel SAS Royal, la Banque nationale du Danemark et le Collège Sainte-Catherine d'Oxford, en Angleterre. Dans ces œuvres architecturales, Arne Jacobsen a non seulement créé les structures du bâtiment, mais il a également conçu l'intérieur dans les moindres détails, créant des expériences de design complètes dans lesquelles le paysage autour du bâtiment et le mobilier, les lampes, les luminaires et les textiles à l'intérieur font tous partie d'un ensemble parfaitement équilibré et cohérent. Avec des créations visionnaires, telles que les chaises Egg et Swan, la série de vaisselle Cylinda Line et la série de robinets et d'accessoires VOLA, l'influence d'Arne Jacobsen a largement dépassé les frontières du Danemark. Fritz Hansen a produit avec passion la chaise Egg du designer Arne Jacobsen en 1958. Il a créé cette chaise, également connue sous le nom de Egg Chair, ainsi que le fauteuil Swan, pour l'hôtel Radisson SAS Royal de Copenhague en utilisant des matériaux en cuir de haute qualité. La robustesse technique de la coque d'assise en plastique recouverte de mousse garantit un confort sans précédent. À l'époque, ce siège était totalement innovant. Aujourd'hui encore, cette forme incroyable, combinant le dossier, les accoudoirs et l'assise en une seule unité, reste un objet extraordinaire. Prix - Musées La chaise Egg Chair conçue par Arne Jacobsen pour Fritz Hansen a reçu plusieurs prix et reconnaissances au fil des ans. En voici quelques-uns : Grand Prix** de la Triennale de Milan, 1958 International Design Award, États-Unis : la chaise Egg a remporté plusieurs prix internationaux pour son design innovant et emblématique. Exposition permanente au MoMA, New York. Icône de design intemporel - Bien qu'il ne s'agisse pas d'un prix spécifique, la chaise Egg a acquis le statut d'icône de design intemporel et figure souvent dans les listes des meubles les plus emblématiques et les plus influents du XXe siècle.

Mise à prix 9500 EUR

Lot 5 - Verner PANTON (1926, 1998) - DENMARK - Paire de chaises Panton - L 50 x P 61 x H 41/83 cm - 1960 . Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 100 eur L'architecte et designer Verner Panton compte parmi les designers les plus éminents et les plus novateurs de la seconde moitié du XXe siècle. Au cours de sa longue carrière, il a créé une œuvre vaste et variée dans laquelle se manifestent sa préférence pour les couleurs franches et son jeu habile avec les formes et les figures géométriques de base. Le mobilier était au cœur de la production créative de Verner Panton - comme l'emblématique Cone Chair et la Panton Chair développée en collaboration avec Vitra, qui est l'une de ses créations les plus connues. Verner Panton a également conçu de nombreux luminaires et textiles. Les intérieurs qu'il a conçus, dans lesquels il a fusionné des éléments de tous les domaines de son travail en une sorte de synthèse des arts, représentent le point culminant créatif de son œuvre. La Panton Chair est une chaise en plastique en forme de S créée par le designer danois Verner Panton dans les années 1960. Première chaise en plastique moulé au monde, elle est considérée comme l'un des chefs-d'œuvre du design danois. Dès le début des années 1950, Panton rêvait lui aussi de fabriquer une chaise en plastique empilable et en porte-à-faux, d'un seul tenant. On dit qu'il a été inspiré en particulier par une pile de seaux en plastique soigneusement empilés. En 1956, il a conçu la chaise S, qui peut être considérée comme un précurseur de la Panton Chair. Il la conçoit comme un meuble dont le dossier, l'assise et les pieds sont constitués d'une seule et même pièce. Elle a été produite pour la première fois en 1965[2][3]. Panton a réalisé une série d'esquisses et de dessins pour la Panton Chair dans les années 1950. En 1960, il crée son premier modèle, un moulage en plâtre, en collaboration avec Dansk Akrylteknik[2] Au milieu des années 1960, il rencontre Willi Fehlbaum du fabricant de meubles Vitra qui, contrairement à de nombreux autres fabricants, est fasciné par les dessins de sa chaise sans pieds en plastique plutôt qu'en bois, le matériau favori de l'époque. En étroite collaboration avec Fehlbaum, Panton a réalisé un modèle pressé à froid en polyester renforcé de fibre de verre. Pour la première fois, une chaise a été conçue d'un seul tenant, sans aucun pied. Elle est alors connue sous le nom de "free-swinger". La Panton Chair fait actuellement partie des collections permanentes de certains des musées de design les plus célèbres au monde, notamment le Museum of Modern Art de New York, le Design Museum de Londres, le German Historical Museum de Berlin et le Danish Museum of Art & Design de Copenhague. Récompenses Prix du centre de design de Stuttgart Le prix "Gute Form" en Allemagne. le prix "Classic" du Centre danois du design. La chaise Panton a également été nommée "Classique du design moderne" par le Musée allemand de l'architecture.

Mise à prix 1700 EUR

Lot 6 - Ado CHALE (1928) - BELGIUM - Table basse avec plateau en résine noire et incrustation de marcassite, reposant sur une structure à quatre pieds en bois noir, 1965. L 129 X L 60 x H 35 cm. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 300 eur Ado Chale est un artiste et un designer surtout connu pour ses incrustations de mosaïques exquises. Des morceaux de bois, de minéraux ou d'os sont tranchés, arrangés et recouverts de résine pour former des surfaces opulentes. Ses meubles et objets domestiques font référence au monde naturel, non seulement par l'utilisation de pierres précieuses, de métaux et de matériaux organiques, mais aussi par les textures, les motifs et les formes qu'ils expriment. "Mes créations se sont succédé et ont évolué au fil de mes découvertes, principalement en minéralogie, en bronze de fer et en aluminium. Les contraintes techniques ont constamment poussé à mon développement", a-t-il déclaré. Chale a ouvert sa première galerie en 1962. Il y expose des bijoux et des petites tables d'appoint ornées de ses incrustations uniques et s'approvisionne en pierres précieuses et en roches à l'occasion de voyages internationaux. Dans les années 1970, l'artisan autodidacte a ensuite incorporé ses acquisitions dans des meubles plus grands et des sculptures attrayantes pour leur beauté et leur nouveauté. Ses œuvres ont été exposées au musée d'Ixelles en Belgique, en France au musée des Beaux-Arts de Nancy et au Palais des Papes d'Avignon, et au Japon au musée d'art contemporain de la chaîne de magasins Seibu.

Mise à prix 12500 EUR

Lot 7 - Warren PLATNER (1919, 2006) - USA - Suite de salle à manger : 4 fauteuils ( métal chromé et verre- H 44 /74cm x 68cm diam.) 1966 et la table de salle à manger 1966. 1 éclat dans la tablette en verre. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur Livraison à Paris sur demande. Warren Platner a étudié à l'Université de Cornell, où il a obtenu un diplôme d'architecture en 1941. Il a ensuite travaillé avec les architectes légendaires Raymond Loewy, Eero Saarinen et I. M. Pei avant d'ouvrir son propre cabinet d'architecture. Tout au long de sa carrière, Platner a apporté des contributions architecturales notables, notamment au Georg Jensen Design Center et au restaurant Windows on the World du World Trade Center, tous deux situés à New York. Cependant, c'est sa collection de meubles pour Knoll qui a valu à Platner une renommée mondiale. Présentée à l'origine par Knoll en 1966, la collection Platner est une icône du mobilier moderne. Platner a personnellement formulé les techniques de production pour les modèles compliqués, chaque chaise nécessitant plus de mille soudures et plus de cent tiges d'acier cylindriques. Knoll a également lancé une collection de bureaux privés conçus par Platner. Récompenses Médaille des arts industriels de l'American Institute of Architects (AIA) Excellence de l'AIA Prix du Centre de Stuttgart Certificat de mérite de l'American Institute of Architects (AIA.International) Prix du design en 1966 pour ses créations de meubles innovantes et influentes Collection - Musées Musée d'art moderne de New York (MoMA) L'Institut d'art de Chicago Le Victoria and Albert Museum (V&A) à Londres Le Design Museum à Londres The Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum à New York City Le Vitra Design Museum en Allemagne

Mise à prix 19500 EUR

Lot 8 - Afra BIANCHIN (1937) & Tobia SCARPA (1935) - ITALY - Paire de chaises Carlotta - L 88 x L 80 x H 45 x H 70 cm - 1967 . Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur Frais d'envoi à Paris 150 eur. Afra Bianchin est née à Montebelluna, en Italie, en 1937 et Tobia Scarpa est né à Venise, en Italie, en 1935. Le canapé Carlotta est l'un de leurs modèles emblématiques, créé en 1967. Il s'agit d'un classique du design italien, caractérisé par son aspect élégant et intemporel. Le canapé présente un design simple mais sophistiqué avec des lignes épurées, un dossier bas et des coussins moelleux. Le canapé Carlotta témoigne de la capacité des Scarpa à créer des meubles à la fois élégants et confortables, ce qui en fait une pièce recherchée par les amateurs de design. Récompenses Prix Compasso d'Oro en 1970 et 2008 Prix du mérite Nerocon en 1982 Primer Nacional de Diseño Otorgado en 1978 Prix pour la qualité du design en 1992 Prix du Forum international du design de Hanovre en 1992 Afra et Tobia Scarpa sont des architectes et designers italiens postmodernes primés. Leurs œuvres sont exposées dans des musées aux États-Unis et en Europe, notamment dans les collections du MoMA et du musée du Louvre. Ils ont collaboré avec des entreprises telles que B&B Italia, San Lorenzo Silver et Knoll International. Ils ont remporté un certain nombre de prix tels que le Compasso d'Oro en 1969 et l'International Forum Design en 1992. Leur travail de conception porte sur l'architecture et les articles ménagers de tous les jours, notamment les meubles, les vêtements, la décoration d'intérieur et le verre d'art. Ils se sont concentrés sur les possibilités techniques et esthétiques des matériaux dans leurs créations. Le couple a été fortement influencé par le père de Tobia, Carlo Scarpa, un architecte et designer vénitien.

Mise à prix 6500 EUR

Lot 9 - Charlotte PERRIAND (1903-1999) - France - 2 tabourets modèle "Les arcs", Bois de pin - 42 x 31,5 x H39,5 cm - 1968. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Frais de port à Paris 100 eur. Charlotte Perriand était une architecte et designer française. Son travail visait à créer des espaces de vie fonctionnels dans l'idée qu'une meilleure conception contribue à créer une meilleure société. Son approche de la conception consiste à prendre en compte le site et à l'apprécier pour ce qu'il est. Perriand se sentait liée à tout site avec lequel elle travaillait ou qu'elle visitait simplement. Elle appréciait les choses vivantes et se souvenait d'un site présumé mort. Charlotte Perriand a conçu des meubles en aluminium anodisé et en acier chromé, qu'elle a présentés au Salon d'automne de Paris en 1927. Après avoir rencontré Le Corbusier, Charlotte Perriand travaille avec lui et Pierre Jeanneret jusqu'en 1937. Le mobilier révolutionnaire en acier tubulaire et en système conçu par les trois artistes est présenté comme "Equipement de l'habitation" au Salon d'Automne de 1929, où il est largement acclamé. En 1930, l'Union des Artistes Modernes (UAM) est fondée à Paris, un groupe qui se considère comme un contre-mouvement par rapport aux organisations établies telles que le Salon d'Automne, et qui prône également l'Art déco et le Modernisme. À partir de 1931, Charlotte Perriand y expose ses propres œuvres en solo. En 1937, Charlotte Perriand et Pierre Jeanneret collaborent à la conception d'un chalet de montagne en tôle d'aluminium, qu'ils présentent à l'Exposition internationale des arts et techniques dans la vie moderne. En 1940, Charlotte Perriand devient conseillère en design auprès de la Chambre de commerce japonaise. Elle vit au Japon jusqu'en 1946. Récompenses Médaille d'honneur pour le design et l'industrie Prix du design pour Tokyo (1991) Designer royal pour l'industrie (RDI) (1993) Designer de l'année (1964) Médaille d'or de la Triennale de Milan (1951) Musées Centre Pompidou (Paris, France) Modern Art (MoMA) (New York, États-Unis) The Design Museum (Londres, Royaume-Uni) Fondation Louis Vuitton (Paris, France) Vitra Design Museum (Weil am Rhein, Allemagne) Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, Espagne)

Mise à prix 7500 EUR

Lot 10 - Alvar AALTO (1898 - 1976) - FINLAND - Tabouret S601 pour artek, bois et cuir - 45 x 45 x H 46 cm - 1954. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 100 eur Alvar Aalto est probablement l'architecte et le designer finlandais le plus célèbre au monde. L'un des travaux les plus importants qui lui a été commandé est la planification du sanatorium pour tuberculeux à Paimio, en Finlande. Ce projet a également marqué le début de la carrière d'Aalto en tant que designer de meubles. En effet, il s'agit du premier bâtiment conçu par Aalto qui a été entièrement meublé avec des pièces de mobilier conçues par Aalto lui-même, y compris l'éclairage. Parmi les autres projets importants réalisés par Alvar Aalto, citons la bibliothèque municipale de Viipuri, la Villa Mairea, La Maison Carré et les pavillons finlandais des expositions universelles de Paris en 1937 et de New York en 1939. En 1935, Alvar Aalto, avec Aino Aalto, Maire Gullichsen et Nils-Gustav Hahl, a fondé Artek, une entreprise de mobilier et d'éclairage de renommée mondiale. La société a été créée "pour vendre des meubles" - conçus par Alvar Aalto - "et pour promouvoir la culture moderne de l'habitat par des expositions et d'autres moyens". L'une des innovations les plus ingénieuses d'Alvar Aalto est le pied en L, breveté en 1933. Aalto considérait sa conception du pied en L comme sa plus grande réussite et l'a même comparée à l'invention de la colonne architecturale. Grâce à cette innovation, les pieds pouvaient être fixés directement aux plateaux des tables, des chaises et des tabourets. Alvar Aalto était un designer polyvalent dont le travail couvrait différents domaines. Il est également connu pour ses élégantes lampes, très souvent conçues pour des projets de construction individuels et adaptées par la suite à la production en série. Alvar Aalto était également un créateur de verre très apprécié, dont l'œuvre la plus célèbre est le vase Aalto (ou vase Savoy), l'un des objets en verre les plus emblématiques du design finlandais. Les chaises longues en porte-à-faux, modèle 406, sont des pièces emblématiques conçues par l'architecte et designer finlandais Alvar Aalto pour Artek. Ces chaises sont dotées d'un cadre en bois courbé et d'un design en porte-à-faux caractéristique, qui leur confère une apparence unique et élégante. La philosophie du design d'Aalto mettait l'accent sur la fonctionnalité et l'esthétique, et les chaises du modèle 406 sont l'incarnation parfaite de ses principes. Elles sont devenues des exemples classiques de mobilier moderniste et sont très recherchées par les collectionneurs et les amateurs de design.

Mise à prix 1800 EUR

Lot 11 - Alvar AALTO (1898 - 1976) - FINLAND - Tabouret X601 pour Artek 1960 45 x45 x 45 cm. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 100 eur Alvar Aalto est probablement l'architecte et le designer finlandais le plus célèbre au monde. L'un des travaux les plus importants qui lui a été commandé est la planification du sanatorium pour tuberculeux à Paimio, en Finlande. Ce projet a également marqué le début de la carrière d'Aalto en tant que designer de meubles. En effet, il s'agit du premier bâtiment planifié par Aalto qui a été entièrement meublé avec des pièces de mobilier conçues par Aalto lui-même, y compris l'éclairage. Parmi les autres projets importants réalisés par Alvar Aalto, citons la bibliothèque municipale de Viipuri, la Villa Mairea, La Maison Carré et les pavillons finlandais des expositions universelles de Paris en 1937 et de New York en 1939. En 1935, Alvar Aalto, avec Aino Aalto, Maire Gullichsen et Nils-Gustav Hahl, a fondé Artek, une entreprise de mobilier et d'éclairage de renommée mondiale. La société a été créée "pour vendre des meubles" - conçus par Alvar Aalto - "et pour promouvoir la culture moderne de l'habitat par des expositions et d'autres moyens". L'une des innovations les plus ingénieuses d'Alvar Aalto est le pied en L, breveté en 1933. Aalto considérait sa conception du pied en L comme sa plus grande réussite et l'a même comparée à l'invention de la colonne architecturale. Grâce à cette innovation, les pieds pouvaient être fixés directement aux plateaux des tables, des chaises et des tabourets. Alvar Aalto était un designer polyvalent dont le travail couvrait différents domaines. Il est également connu pour ses élégantes lampes, très souvent conçues pour des projets de construction individuels et adaptées par la suite à la production en série. Alvar Aalto était également un créateur de verre très apprécié, dont l'œuvre la plus célèbre est le vase Aalto (ou vase Savoy), l'un des objets en verre les plus emblématiques du design finlandais. Les chaises longues en porte-à-faux, modèle 406, sont des pièces emblématiques conçues par l'architecte et designer finlandais Alvar Aalto pour Artek. Ces chaises sont dotées d'un cadre en bois courbé et d'un design en porte-à-faux caractéristique, qui leur confère une apparence unique et élégante. La philosophie du design d'Aalto mettait l'accent sur la fonctionnalité et l'esthétique, et les chaises du modèle 406 sont l'incarnation parfaite de ses principes. Elles sont devenues des exemples classiques de mobilier moderniste et sont très recherchées par les collectionneurs et les amateurs de design.

Mise à prix 2600 EUR

Lot 12 - Alvar AALTO (1898 - 1976) - FINLAND - Table MX800B pour Artek - Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 100 eur Alvar Aalto est probablement l'architecte et le designer finlandais le plus célèbre au monde. L'un des travaux les plus importants qui lui ont été confiés a été la planification du sanatorium pour tuberculeux à Paimio, en Finlande. Ce projet a également marqué le début de la carrière d'Aalto en tant que designer de meubles. En effet, il s'agit du premier bâtiment conçu par Aalto qui a été entièrement meublé avec des pièces de mobilier conçues par Aalto lui-même, y compris l'éclairage. Parmi les autres projets importants réalisés par Alvar Aalto, citons la bibliothèque municipale de Viipuri, la Villa Mairea, La Maison Carré et les pavillons finlandais des expositions universelles de Paris en 1937 et de New York en 1939. En 1935, Alvar Aalto, avec Aino Aalto, Maire Gullichsen et Nils-Gustav Hahl, a fondé Artek, une entreprise de mobilier et d'éclairage de renommée mondiale. La société a été créée "pour vendre des meubles" - conçus par Alvar Aalto - "et pour promouvoir la culture moderne de l'habitat par des expositions et d'autres moyens". L'une des innovations les plus ingénieuses d'Alvar Aalto est le pied en L, breveté en 1933. Aalto considérait sa conception du pied en L comme sa plus grande réussite et l'a même comparée à l'invention de la colonne architecturale. Grâce à cette innovation, les pieds pouvaient être fixés directement aux plateaux des tables, des chaises et des tabourets. Alvar Aalto était un designer polyvalent dont le travail couvrait différents domaines. Il est également connu pour ses élégantes lampes, très souvent conçues pour des projets de construction individuels et adaptées par la suite à la production en série. Alvar Aalto était également un designer verrier estimé et son œuvre la plus célèbre en tant que designer verrier est le vase Aalto (ou vase Savoy) - l'une des pièces de verrerie les plus emblématiques du design finlandais. Les chaises longues en porte-à-faux, modèle 406, sont des pièces emblématiques conçues par l'architecte et designer finlandais Alvar Aalto pour Artek. Ces chaises sont dotées d'un cadre en bois courbé et d'un design en porte-à-faux caractéristique, qui leur confère une apparence unique et élégante. La philosophie du design d'Aalto mettait l'accent sur la fonctionnalité et l'esthétique, et les chaises du modèle 406 sont l'incarnation parfaite de ses principes. Elles sont devenues des exemples classiques de mobilier moderniste et sont très recherchées par les collectionneurs et les amateurs de design.

Mise à prix 3500 EUR

Lot 13 - Alvar AALTO (1898 - 1976) - FINLAND - 2 Chaises longues en porte-à-faux modèle 406 pour Artek. Châssis en bouleau lamellé-collé avec assise en toile tissée - L70 x P 61 x 35,5 / 89 cm - 1960. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 150 eur Alvar Aalto est probablement l'architecte et le designer finlandais le plus célèbre au monde. L'un des travaux les plus importants qui lui a été commandé est la planification du sanatorium pour tuberculeux à Paimio, en Finlande. Ce projet a également marqué le début de la carrière d'Aalto en tant que designer de meubles. En effet, il s'agit du premier bâtiment conçu par Aalto qui a été entièrement meublé avec des pièces de mobilier conçues par Aalto lui-même, y compris l'éclairage. Parmi les autres projets importants réalisés par Alvar Aalto, citons la bibliothèque municipale de Viipuri, la Villa Mairea, La Maison Carré et les pavillons finlandais des expositions universelles de Paris en 1937 et de New York en 1939. En 1935, Alvar Aalto, avec Aino Aalto, Maire Gullichsen et Nils-Gustav Hahl, a fondé Artek, une entreprise de mobilier et d'éclairage de renommée mondiale. La société a été créée "pour vendre des meubles" - conçus par Alvar Aalto - "et pour promouvoir la culture moderne de l'habitat par des expositions et d'autres moyens". L'une des innovations les plus ingénieuses d'Alvar Aalto est le pied en L, breveté en 1933. Aalto considérait sa conception du pied en L comme sa plus grande réussite et l'a même comparée à l'invention de la colonne architecturale. Grâce à cette innovation, les pieds pouvaient être fixés directement aux plateaux des tables, des chaises et des tabourets. Alvar Aalto était un designer polyvalent dont le travail couvrait différents domaines. Il est également connu pour ses élégantes lampes, très souvent conçues pour des projets de construction individuels et adaptées par la suite à la production en série. Alvar Aalto était également un designer verrier estimé et son œuvre la plus célèbre en tant que designer verrier est le vase Aalto (ou vase Savoy) - l'une des pièces de verrerie les plus emblématiques du design finlandais. Les chaises longues en porte-à-faux, modèle 406, sont des pièces emblématiques conçues par l'architecte et designer finlandais Alvar Aalto pour Artek. Ces chaises sont dotées d'un cadre en bois courbé et d'un design en porte-à-faux caractéristique, qui leur confère une apparence unique et élégante. La philosophie du design d'Aalto mettait l'accent sur la fonctionnalité et l'esthétique, et les chaises du modèle 406 sont l'incarnation parfaite de ses principes. Elles sont devenues des exemples classiques de mobilier moderniste et sont très recherchées par les collectionneurs et les amateurs de design.

Mise à prix 5500 EUR

Lot 14 - Charles EAMES (1907 - 1978) - USA - Chaise de bureau par Charles & Ray Eames pour Vitra, 1970 - L 58 x L 59 x H 83 cm. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 100 eur Le couple américain Charles et Ray Eames est mondialement connu pour ses créations modernes extrêmement influentes dans tous les domaines - mobilier, architecture, graphisme et produits - toutes caractérisées par une esthétique ludique et épurée, qui s'est avérée très accessible et durable. Ces créations peuvent être considérées comme parallèles à l'évolution du design américain d'après-guerre, de l'essor de la côte ouest à la prolifération mondiale de la culture américaine. Ils se sont rencontrés à Cranbrook, se sont mariés en 1941 et se sont installés à Los Angeles, où ils ont collaboré à la conception de meubles produits en série et à bas prix. Pendant la guerre, ils obtiennent un contrat avec la marine américaine pour développer des attelles de jambe en contreplaqué moulé pour les militaires blessés. Leur travail continu dans le domaine du mobilier domestique a été renforcé par l'accès aux ressources de l'armée et, lors de l'établissement d'un bureau à Santa Monica, a conduit à de grands succès avec le contreplaqué moulé. La première pièce en contreplaqué, le modèle emblématique ECW (Eames Chair Wood), a été initialement produite en 1946 par Evans, et l'est encore aujourd'hui. Charles et Ray Eames ont conçu une architecture préfabriquée pour répondre à la demande de logements de l'après-guerre et, en 1949, ils ont dessiné leur propre maison californienne dans le cadre du programme Case Study House parrainé par le magazine Arts & Architecture. Ils ont continué à expérimenter tout au long de leur carrière, avec des matériaux - allant jusqu'à des meubles en fibre de verre, en plastique et en métal - et dans le cadre d'un large éventail de projets, allant de la conception de jouets à la photographie et au cinéma. Presque toutes les créations de l'Eames Office sont devenues des objets de collection très appréciés. Parmi les pièces les plus remarquables, citons La Chaise, conçue pour le concours international du MoMA pour la conception de meubles à bas prix (1948) ; les chaises en fibre de verre moulée (1950) ; le meuble de rangement Eames (1950-52) ; la chaise longue et l'ottoman (1956) ; et les chaises de bureau en groupe en aluminium (1958), dont les pièces ont été fabriquées par Herman Miller aux États-Unis et par Vitra en Europe. Prix Concours de mobilier organique, Musée d'art moderne (1940) Emmy Award in Graphics pour The Fabulous Fifties (1960) Prix international du design Kaufmann (1961) Prix du 25e anniversaire de l'American Institute of Architects (1977) Chaire de poésie Eliot Norton, Harvard (1971) Médaille d'or de la Reine pour l'architecture (1979) "Designer le plus influent du 20e siècle" par WORLDESIGN (1985) Société des designers industriels d'Amérique (1985) A Legacy of Invention, exposition itinérante de la Bibliothèque du Congrès (1999) La chaise en aluminium est l'une des plus grandes créations de mobilier du XXe siècle. Charles et Ray Eames ont conçu et développé cette chaise en 1958 pour la résidence privée d'un collectionneur d'art à Columbus, Indiana (États-Unis). Pour sa construction, le couple de designers s'est écarté du principe de la coque d'assise et a tendu un panneau de tissu ou de cuir entre deux montants latéraux en aluminium pour créer une assise tendue mais élastique. La chaise s'adapte au corps de la personne qui s'y assoit et est extrêmement confortable, même en l'absence d'un rembourrage élaboré

Mise à prix 8500 EUR

Lot 15 - EMPOLI GLASS FACTORY / VETRERIE DI EMPOLI - ITALY - 2 vases en verre vert. Diamax 15 × H.53 cm - ca 1950 - Située à Empoli (près de Florence) cette verrerie est bien connue pour son verre vert. Souvent confondu avec le verre de Murano. Livraison à Paris 70 eur

Mise à prix 800 EUR

Lot 16 - Pol BURY (1922 - 2005) - BELGIUM - Collier sphères ou n° 11/50, 1990 Collier cinétique en or 18ct orné de sphères creuses qui semblent bouillonner lorsque le porteur se déplace. Produit par Artcurial, Paris, en édition limitée à 50 exemplaires. H. 15 cm ; L. 15,5 cm. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur Pol Bury est connu internationalement pour ses sculptures cinétiques telles que ses fontaines emblématiques. Livraison à Paris 75 eur

Mise à prix 18500 EUR

Lot 17 - Ettore SOTTSASS (1917-2007) - ITALY - Orecchini or, plexiglas et ébène _11,5 cm x diam 0,8cm - , 2001-2002 . En collaboration avec Cleto Munari. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Frais d'envoi à Paris 70 eur

Mise à prix 4500 EUR

Lot 18 - Lionel JADOT (1969) - BELGIUM - Table - Christophe Gevers lumière et bois - D 66 x L 80 x H 40 cm - 2004. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 100 eur Lionel Jadot, le roi de la récupération design Architecte d'intérieur, décorateur, artiste et cinéaste, Lionel Jadot est un personnage à part dans le monde du design. Cet entrepreneur autodidacte casse la baraque avec ses créations, assemblages improbables d'objets recyclés et de matériaux de récupération. Atypique jusque dans sa manière d'exercer son métier, Lionel Jadot s'est installé dans une ancienne papeterie du XIXe siècle, en périphérie de Bruxelles. En 2018, il a fondé les Ateliers Zaventem, un incubateur de talents qui réunit 24 artistes et artisans locaux. Récompenses Prix Henry van de Velde, 2006 ELLE Décoration "Designer de l'année", 2013. Prix Architizer A+, 2016 Prix belge du bâtiment, 2017

Mise à prix 3500 EUR

Lot 19 - Kaspar HAMCHER (1978) - BELGIUM - Banc - Bois brûlé - H45 x L180 x L45 cm - pièce unique - 2007. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Expédition à Paris (Coût sur demande - [email protected]) Prenant la nature comme base, Kaspar Hamacher (1981), Eupen, (BE) se concentre résolument sur le design physique plutôt que conceptuel. Les choses qu'il peut faire avec le bois font appel à l'imagination : qu'il s'agisse d'une souche d'arbre ou d'un morceau de cuir, l'essentiel est l'authenticité à chaque étape de son processus de conception. La méthode de travail de Hamacher aboutit toujours à une pièce unique et personnelle. Une pièce de design avec une signification plus profonde, avec une âme.

Mise à prix 7000 EUR

Lot 20 - Jonathan Anderson (1965) & Edwin Low (1969) aka ANDERSON & LOW (Collab. since 1990) - UK - Forest defender - Ptographie à pigment d'archives - L 148 x H 115 cm - 2010 - Edition 2/5 - Edition numéro 1 : Collection du Metropolitan Museum of Art, New York, USA. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Jonathan Anderson et Edwin Low collaborent au sein de l'équipe "Anderson & Low" depuis 1990. Leur travail comprend des portraits, des nus, des études architecturales, des images abstraites, des reportages, des paysages et des images très disciplinées réalisées en studio. Ils travaillent actuellement à une nouvelle étude en couleur sur les concepts d'identité, de culture et de costume, qui explore une forme d'art hybride impliquant la photographie, le graphisme et la calligraphie. Anderson et Low sont surtout connus pour leurs portraits élégants d'athlètes, de cadets militaires et d'artistes de cirque. Pour leur projet le plus récent, Manga Dreams, ils ont travaillé avec des adolescents et de jeunes adultes sur une série de portraits inspirés par les figures stylisées et extravagantes des mangas et des animes japonais. Ensemble, les artistes et les modèles ont développé des identités fictives basées sur des personnages archétypaux - guerrier, princesse, gangster, punk de rue - et les ont représentés au moyen de costumes, de coiffures et de maquillages élaborés, ainsi que par la manipulation d'images numériques. Les photographies finales, comme ce portrait d'un jeune guerrier accroupi dans un paysage plat et caricatural, sont d'exubérants hybrides interculturels de fantaisie et de réalité. En septembre 2015, Anderson & Low ont reçu le titre de membre honoraire de la Royal Photographic Society. Musées et collections Metropolitan Museum of Art, New York, New York, États-Unis Musée des beaux-arts, Houston, Texas, États-Unis Cleveland Museum Of Art, Cleveland, Ohio, États-Unis High Museum of Art, Atlanta, Géorgie, États-Unis The Baltimore Art Museum, Baltimore, Maryland, États-Unis Musée d'art d'Akron, Akron, Ohio, États-Unis Blanton Museum of Art, Université du Texas, Austin, Texas, États-Unis Colorado Springs Fine Art Center, Colorado Springs, Colorado, États-Unis Palm Springs Art Museum, Palm Springs, Californie, États-Unis Worcester Museum, Worcester, Massachusetts, États-Unis Masschusetts Institute of Technology, Cambridge, Massachusetts, États-Unis Hood Museum of Art, Dartmouth College, Hanover, New Hampshire, États-Unis The Frances Young Tang Teaching Museum and Art Gallery, Saratoga Springs, New York, États-Unis Middlebury College Museum of Art, Middlebury, Vermont, États-Unis South East Photography Museum, Daytona Beach, Floride, États-Unis Centre olympique des États-Unis, Colorado Springs, Colorado, États-Unis Victoria & Albert Museum, Londres, Royaume-Uni National Portrait Gallery, Londres, Royaume-Uni Science Museum, Londres, Royaume-Uni Sainsbury Centre for Visual Arts, Norwich, Royaume-Uni Wilson Centre for Photography (Centre Wilson pour la photographie) Collection Elton John Maison Européenne de la Photographie, Paris, France Brandts Museet Fotokunst, Odense, Danemark Collection d'art Statoil National Gallery of Australia, Canberra, Australie National Portrait Gallery, Canberra, Australie

Mise à prix 22000 EUR

Lot 21 - Velasco VITALI (1960) - ITALY - Dallol - Fer et tôle - L 135 x L 53 x H26 cm - 2010 - Pièce unique. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Velasco Vitali (1960, Italie) travaille et vit à Bellano. Il commence son activité d'artiste autodidacte à la fin des années 1970, en travaillant le graphisme, la peinture et le dessin. En 1983, il remporte le prix San Fedele et, l'année suivante, il est invité par Giovanni Testori à participer à l'exposition Artistes et écrivains à la Rotonda della Besana, à Milan. En 1986, il réalise sa première exposition personnelle, sous la direction de Vittorio Sgarbi, à la Compagnia del Disegno, à Milan ; en 1999, il participe à la 13e Quadriennale à Rome. En 2004, Electa publie Velasco 20, une monographie sur ses vingt premières années de travail, avec une contribution de Giulio Giorello, et l'année suivante, ses œuvres entrent dans la collection MACRO. En 2011, il est invité au pavillon italien de la 54e Biennale de Venise, où il expose la sculpture Veidrodis, présente l'installation Branco à Bruxelles et publie Apriti cielo, un volume rassemblant des aquarelles sur le thème du sacré. Parmi ses expositions les plus récentes, citons FUGA, organisée par Mark Gisbourne et Giacinto di Pietrantonio, Galleria Mazzoli, Modène ; Veduta, organisée par Danilo Eccher, M77 Gallery, Milan ; Branco , Reggia di Venaria, Turin ; Sbarco, PART Museum, Rimini ; Goldwatch, Assab One Gallery, Milan ; Spazi Capaci, organisée par Alessandro De Lisi, Capaci Community, Palermo. Depuis 15 ans, Velasco a une prédilection pour les sculptures de chiens, qu'il moule et assemble avec une grande variété de matériaux. L'artiste s'abstient de toute description réaliste, n'avance ni interprétation ni jugement et ne suit aucun scénario ; il se limite à mettre en scène une création visuelle fascinante et aliénante, pour encourager la contemplation, en générant de nouveaux sens et de nouvelles significations. Les animaux de Vitali sont presque toujours grandeur nature, réalistes bien que créés dans une voie très libre. Leurs positions transmettent une certaine tension à travers des déformations volontaires et parfois des attitudes presque pathétiques ou stupéfaites. Chaque chien est différent, a une âme propre et porte un étrange sentiment de solitude plastique, quelle que soit sa posture. Cette solitude persiste même lorsque l'artiste réunit une meute complète dans un espace confiné. On ne voit jamais un chien courir ou dans une attitude agressive, ces êtres sont résignés, abasourdis, désorientés. Expositions - Collection - In situ Fondation Giovanni Falcone à Palerme, 2023 XIII edizione di Taobuk Festival Taormina, Sicilia, 2023 Circolo Bellano, 2021 Castel Ivano, Musée d'art moderne et contemporain de Trente et Rovereto, 2020 Galerie Assab One à Milan, 2020 Teatro Franco Parenti, Sala Testori, Milano, 2016 Piazza Duomo di Milano, 2014 Fonderia Artistica Battaglia, Milan, 2013 Fondazione Corrente, Milan, 2013 Galerie LKFF, Bruxelles, 2013 Fondazione Pomodoro, Milan, 2011 Palazzo Reale et piazza Duca D'Aosta, Milan, 2010 CRT Teatro dell'Arte, Milan 2006 Galerie Jackson Heigts, New York, 2009 Galerie el tigre celeste, Argentine Galerie M77, Milan, Italie, 2019 Prix Prix Premio Acacia : Velasco Vitali a reçu le prix Premio Acacia en 1982. Premio Caterina Percoto : en 1986, il reçoit le Premio Caterina Percoto. Premio Cairo Communication per l'Arte : Vitali a reçu le Premio Cairo Communication per l'Arte en 1999. Premio Marche 2000 : en 2000, il reçoit le Premio Marche 2000. Premio New York : Vitali a reçu le Premio New York en 2003. Premio Crivelli Europa : En 2011, il a reçu le Premio Crivelli Europa.

Mise à prix 20500 EUR

Lot 22 - Claudi CASANOVAS (1956) - SPAIN - Sans titre - Céramique - L 82 x L 25 x H15 cm - 2010 - Pièce unique - Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Biographie : Claudi Casanovas est un artiste espagnol connu pour ses contributions remarquables au monde de la céramique. Son approche innovante et ses sculptures captivantes ont laissé une marque indélébile sur la scène artistique. Les œuvres de Casanovas sont souvent composées d'un mélange de grès laminé et de porcelaine, ce qui donne lieu à des sculptures captivantes. Les surfaces évoquent des roches sédimentaires, créant une impression de profondeur et de texture géologiques. Il a été membre de la coopérative des potiers de Coure de 1978 à 1987 et a remporté en 1992 le premier prix du IIIe concours international de céramique à Mino, au Japon. En 2004, il a remporté un concours pour la création d'un monument contre le fascisme à Olot. Ce Mémorial als Vençuts a été installé en juin 2006. Ses œuvres ont été présentées dans de grandes expositions et collections de musées dans le monde entier, notamment au musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, au Victoria & Albert Museum à Londres et à la National Gallery of Australia.

Mise à prix 4500 EUR

Lot 23 - Claudi CASANOVAS (1956) - SPAIN - Sans titre - Céramique - L 40 x L 40 x H20 cm - 2010 - Pièce unique - Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Biographie : Claudi Casanovas est un artiste espagnol connu pour ses contributions remarquables au monde de la céramique. Son approche innovante et ses sculptures captivantes ont laissé une marque indélébile sur la scène artistique. Les œuvres de Casanovas sont souvent composées d'un mélange de grès laminé et de porcelaine, ce qui donne lieu à des sculptures captivantes. Les surfaces évoquent des roches sédimentaires, créant une impression de profondeur et de texture géologiques. Il a été membre de la coopérative des potiers de Coure de 1978 à 1987 et a remporté en 1992 le premier prix du IIIe concours international de céramique à Mino, au Japon. En 2004, il a remporté un concours pour la création d'un monument contre le fascisme à Olot. Ce Mémorial als Vençuts a été installé en juin 2006. Ses œuvres ont été présentées dans de grandes expositions et collections de musées dans le monde entier, notamment au musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, au Victoria & Albert Museum à Londres et à la National Gallery of Australia.

Mise à prix 6500 EUR

Lot 24 - Paulo CLIMACHAUSKA (1962) - BRASIL - Cathédrale - Encre et peinture acrylique sur toile - L 280 x H 200 cm - 2012 - Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Depuis le constructivisme brésilien, Climachauska a perfectionné les tactiques et techniques traditionnelles dans des œuvres contemporaines, créant un nouveau visage pour un vieux jeu. Resubtractions est une pièce fondamentale du travail de l'artiste, couvrant quatre séries d'œuvres qui traitent des systèmes numériques d'une manière subtile et voilée. Les peintures de soustraction devenues symboliques au cours de la carrière de l'artiste, dans lesquelles Climachauska reconstruit des bâtiments modernes comme s'il faisait un point de suture, prennent d'autres formes : ce sont des cubes, des bâtons, des lettres et des heures qui sont soustraits un par un, discrètement, non seulement par les mains de l'artiste, mais surtout par les jeux dans l'esprit du public. Qu'il s'agisse de bluffer, de construire des maquettes pour ériger des cathédrales ou de figer le temps, ses œuvres récentes font appel à l'imagination du public pour poursuivre le jeu. La créativité de l'artiste met à l'épreuve la fantaisie du public à chaque tour, sauvant l'enfant et questionnant l'adulte dans le spectateur. La série Cathedral, présentée dans Fluxo de Caixa, une exposition au titre ambigu à la galerie Artur Fidalgo, se compose de quatre grandes toiles d'une blancheur malveillante, avec des images d'entrepôts industriels stockant des marchandises. L'élément géométrique minimal est le cube, modulé pour créer, avec des lignes noires qui se rejoignent à angle droit, une image qui semble avoir été réalisée par un ordinateur. En s'approchant, on se rend compte que ces entrepôts, bien qu'ils adoptent l'illusion de la perspective et qu'ils aient une taille presque naturelle, sont en fait de petits nombres, écrits à la main. L'entrepôt industriel est le gestalt de cet ensemble de chiffres. Les chiffres ne sont pas exactement l'arrière-plan, mais l'infrastructure de la figure - comme la société dominée par les marchandises qui transforme le monde contemporain en une marchandise

Mise à prix 30000 EUR

Lot 25 - LES DEUX GARÇONS aka Michel VANDERHEIJDEN VAN TINTEREN (1965) and Roel MOONEN (1966) - NEDERLAND. Michel Vanderheijden van Tinteren (1965) and Roel Moonen (1966) met at the Maastricht Institute of Arts, where they both studied Plastic Design. The duo has - Le bonheur gelé d'une nuit - porcelaine, taxidermie, technique mixte, sous verre copola- 30 x 20 x H 40cm - Pièce unique - 2012 - Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur.

Mise à prix 3500 EUR

Lot 26 - Maya HAYUK (1969) - USA - Hash TAG - acrylique sur panneau de bois - L 122 x H 91 cm - 2014 - Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Maya Hayuk (1969, ukrainienne-américaine) née à Baltimore vit et travaille à Brooklyn. C'est une artiste qui possède une vaste expérience dans un large éventail d'art génératif et de pratiques sociales. Elle est surtout connue pour les motifs géométriques audacieux qu'elle utilise dans des peintures murales à grande échelle. Hayuk tisse des informations visuelles à partir de son environnement immédiat dans des abstractions picturales élaborées, créant ainsi un mélange attrayant de références à la culture populaire et aux pratiques picturales avancées. Ses grandes peintures murales improvisées témoignent de l'obsession de l'artiste pour la symétrie, l'"imperfection parfaite" et l'espace extérieur/intérieur. Ses œuvres s'inspirent de l'élargissement de la conscience et de la perception pour trouver des modèles et des interconnexions. En fin de compte, le traditionnel et le contemporain se fondent dans de nouvelles compositions harmoniques, dissonantes, optimistes et expérimentales. Maya Hayuk considère que ses pratiques de peinture en studio et de peinture murale sont à la fois inversement relationnelles et symbiotiques. Les abstractions vibrantes et picturales de Maya Hayuk font référence à des œufs de Pâques ukrainiens, des couvertures tissées mexicaines, des mandalas, des hologrammes et des taches de Rorschach. L'artiste a utilisé de l'acrylique, de l'encre, des paillettes, de la peinture en aérosol, des aquarelles, du ruban adhésif et des stylos à bille pour façonner les géométries kaléidoscopiques qui remplissent ses peintures murales publiques, ses toiles et ses œuvres sur papier. Hayuk adopte un style dense et stratifié, tour à tour harmonique et dissonant, référentiel et expérimental. Hayuk a organisé de nombreuses expositions, est membre du collectif Barnstormers et a souvent collaboré avec d'autres artistes et musiciens. Elle a créé des pochettes d'album, des vidéos, des décors de scène, des photographies et des affiches pour Rye Rye/M.I.A, The Akron Family, TV on the Radio, The Flaming Lips, Devendra Banhardt, Seun Kuti, Prefuse 73, Awesome Color, Oakley Hall, Home, Animal Collective, Dan Deacon, Bonnie Prince Billy et The Beastie Boys, entre autres. Hayuk a réalisé l'exposition THIS WALL COULD BE YOUR LIFE, de 2005 à 2011, sur les murs extérieurs du désormais légendaire et récemment démoli Monster Island/ Secret Project Robot à Williamsburg, Brooklyn. Le 11 septembre 2011, Maya a orchestré le Paint Pour du toit et des murs du bâtiment, tirant un rideau sur des années d'œuvres d'art public. Depuis 2013, Maya dirige le Center For Contemporary Art (C/A/C/A), fondé sur le principe de l'amour des espaces d'art indépendants et sur la nécessité d'un engagement communautaire. Expositions Musée ukrainien de New York (2017) Musée Mima, Bruxelles (2016) The Bowery Wall, NY (2014) The Hammer Museum, Los Angeles (2013) Musée d'art contemporain canadien, Toronto, Canada (2013) Bonnefanten Museum, Maastricht, Pays-Bas (2012) Socrates Sculpture Park, Queens, New York (2011) Musée E.A.V., Rio De Janiero, Brésil (2011) Musée de l'image et du son, Sao Paolo, Brésil (2010) Matucana Artspace, Santiago, Chili (2009) Galerie Alice (2009, 2019) Convention nationale démocrate, Denver, Colorado (2008) Art contemporain 2010, Institut ukrainien d'Amérique Musée International des Arts Modestes, Sète, France (2007) Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, CA (2005). Récompenses Bourse de la Fondation Pollock-Krasner : Maya Hayuk a reçu une bourse de la Fondation Pollock-Krasner, qui soutient le travail d'artistes individuels. Programmes d'artistes en résidence : Maya Hayuk a participé à divers programmes d'artistes en résidence dans le monde entier, qui sont souvent considérés comme des occasions prestigieuses pour les artistes de développer leur travail et de s'engager auprès de nouvelles communautés. Commandes d'art public : Hayuk a été chargé de créer des installations d'art public et des peintures murales à grande échelle dans des villes du monde entier. Bien qu'il ne s'agisse pas de récompenses traditionnelles, ces commandes témoignent de l'impact significatif et de la reconnaissance de Maya Hayuk dans le monde de l'art. Acclamation critique : le travail de Maya Hayuk a été acclamé par les critiques d'art et les amateurs d'art, ce qui constitue une forme de reconnaissance de ses contributions artistiques. Collection Musée du FRAC (FR) The Ukrainian Museum (États-Unis) Le Musée d'Art Iconoclaste du Millénaire (Bruxelles, Belgique) Ambassade des États-Unis d'Amérique (Sanaa, Yémen) Résidence de l'Ambassade des Etats-Unis d'Amérique (Costa Rica) MOCA Jacksonville (FL) The Dean Collection (US) et Wayne Coyne (Flaming Lips)

Mise à prix 16000 EUR

Lot 27 - Joana VASCONCELOS (1971) - Portugal - Macaron 2016 - Pièce Unique - Crochet de laine fait main, ornement, polyester sur toile, cadre doré en contreplaqué - H.82 x L.96 x L.24 cm - Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Joana Vasconcelos expose régulièrement depuis le milieu des années 1990. Son travail est devenu internationalement connu après sa participation à la 51e Biennale de Venise en 2005, avec l'œuvre A Noiva [La Mariée] (2001-05). Elle a été la première femme et la plus jeune artiste à exposer au château de Versailles en 2012. Parmi les faits marquants de sa carrière, citons une exposition personnelle au musée Guggenheim Bilbao, le projet Trafaria Praia, pour le pavillon du Portugal à la 55e Biennale de Venise, la participation à l'exposition collective The World Belongs to You au Palazzo Grassi/Fondation François Pinault, Venise (2011), et sa première rétrospective au Museu Coleção Berardo, Lisbonne (2010). Aujourd'hui, elle expose à Maat Lisbone, " Plug-in "Elle puise dans la culture traditionnelle portugaise pour composer une poésie visuelle où ses racines rencontrent la culture pop moderne. Elle joue visuellement avec les objets du quotidien, brouillant les frontières entre l'artisanat et l'industrie, la tradition et la modernité, la culture populaire et la culture savante. Expositions Musée d'art, d'architecture et de technologie, Lisbonne, Portugal, 2023 - 2024 Massachusetts College of Art and Design, Boston, 2020 Musée Guggenheim de Bilbao, 2018 Château de Versailles, 2012 Palazzo Grassi, 2011 Haunch of Venison, Londres, Royaume-Uni, 2010 Biennale de Venise, 2005 Collection Thyssen-Bornemisza Académie royale des arts Manchester Art Gallery Yorkshire Sculpture Park Kunsthal Rotterdam CCBB et Pinacothèque de São Paulo Istanbul Modern Garage Centre for Contemporary Culture à Moscou Le Centquatre et La Monnaie Paris Palais de Tokyo et Hermitage Collections Tia Ömer Koç CCB/Berardo et celles des fondations Rothschild Calouste Gulbenkian, François Pinault Louis Vuitton. Prix Prix de la jeune création au Centre national d'art et de culture Georges Pompidou -Paris, 2000. Prix EDP des nouveaux artistes, 2000. Prix de l'Association internationale des critiques d'art (AICA) pour l'exposition "Joana Vasconcelos" à la Fondation Serralves, Porto, Portugal, 2001. Prix de l'artiste de l'année décerné par le journal Expresso, 2010. Prix de l'artiste européen de l'année 2012 décerné par la société Les Etoiles, 2012. Prix Gazeta Revelação décerné par le journal Público, 2012. Prix de la personnalité culturelle de l'année décerné par le journal Expresso ; 2013. Prix des Amis de l'École des arts décoratifs (ESAD) de Caldas da Rainha, 2014. D. Prix Dinis de la municipalité d'Odivelas, 2014. Ses sculptures et installations jouent avec les couleurs et les textures, notamment par l'utilisation de la broderie. Ses photographies, vidéos et performances déconstruisent conceptuellement les routines quotidiennes, en particulier celles liées au statut des femmes.

Mise à prix 35000 EUR

Lot 28 - Kustaa SAKSI (1975) - FINLAND - Tissage Jacquard Zénith - Laine Mohair, Mérinos, Coton Biofur, Acryl, Eco-Coton- 170 x 190 cm - 2016 - pièce unique. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Kustaa Saksi construit des mondes de formes et d'environnements ludiques, paradoxaux et troublants, mais invitants, qui sortent de l'ordinaire. Combinant des qualités organiques avec des textures aux détails uniques, des palettes de couleurs riches et une utilisation expérimentale des matériaux, Saksi crée des espaces, des objets et des atmosphères contemporains. Sa série de tapisseries abstraites Hypnopompic se situe quelque part entre les états de rêve et d'éveil - surréaliste et sensationnel. La collection First Symptoms tire son inspiration et sa texture de l'examen scientifique et de l'expérience personnelle de la migraine. Son travail est souvent surréaliste et déplacé. Saksi est fasciné par les états illusoires et les délires visuels - généralement basés sur des motifs, kaléidoscopiques, des structures identiques scintillant parfois, se formant et se reformant dans tout le champ visuel - courants dans les auras de la migraine pour la plupart des personnes qui en souffrent. Souvent, les structures géométriques couvrent l'ensemble du champ visuel : damiers, tapis orientaux transparents, motifs tribaux, objets d'art sphériques ornementaux comme les radiolaires ou les bactéries, motifs répétés sur le papier peint, figures en forme de toile d'araignée ou cercles et carrés concentriques, formes architecturales ou flocons de neige décoratifs en papier découpé, mosaïques, spirales et tourbillons.Saksi combine des fibres naturelles telles que le mohair, l'alpaga, le coton et la laine avec du caoutchouc, du métal, de l'acrylique et des fils phosphorescents pour créer des textures complexes allant du numérique à l'analogique. La technique de tissage jacquard doit son nom à l'inventeur français Joseph Marie Jacquard (1752-1834), qui a conçu le métier à tisser jacquard. Le métier à tisser automatique de Jacquard a permis de tisser des tissus de soie complexes à motifs mécaniques. Cette technologie a révolutionné l'industrie textile dans le monde entier. Collection Victoria & Albert Museum (Royaume-Uni) Musée Cooper Hewitt (NY) Musée d'art de San Jose, TextielMuseum (CA) Musée du design d'Helsinki Museo Poldi Pezzoli (Milan) Kunsthall Stavanger et Helsinki EMMA Musée d'art moderne (FI) HAM Musée d'art d'Helsinki (FI) Royal Academy of Arts (Royaume-Uni) Fondation Saastamoinen (FI) Fondation Jenny et Antti Wihuri (FI) Université d'Helsinki/Station forestière de Hyytiälä (FI) Rabobank Art Collection (NL) Buitenplaats Doornburgh (NL) Récompenses Red Dot Design Award : Ce concours de design de renommée internationale récompense l'excellence en matière de conception de produits, de communication et de concepts de design. Kustaa Saksi a peut-être reçu ce prix pour sa contribution exceptionnelle à la conception graphique ou à d'autres catégories liées à la conception. Prix et concours A'Design : Le prix A'Design est l'une des récompenses les plus importantes et les plus prestigieuses au monde dans le domaine du design. Il reconnaît l'excellence dans diverses disciplines du design. Kustaa Saksi a peut-être reçu ce prix pour son travail exceptionnel dans des domaines tels que le design textile, l'illustration ou la communication visuelle. Prix internationaux du design (IDA) : L'IDA célèbre et promeut les visionnaires du design et les talents émergents du monde entier. Kustaa Saksi a peut-être été récompensé par cette organisation pour son approche innovante et créative du design. Prix du design européen : Ce concours annuel présente les meilleurs exemples de conception graphique, d'illustration et de conception numérique de toute l'Europe. Le travail de Kustaa Saksi a peut-être été récompensé par ce prix pour son excellence dans le domaine de la communication visuelle. Prix de la Société des illustrateurs : En tant qu'illustrateur accompli, Kustaa Saksi a peut-être été récompensé par la Society of Illustrators, une organisation qui se consacre à la promotion de l'art de l'illustration. Les prix décernés par cette institution soulignent souvent des réalisations exceptionnelles dans le domaine de l'illustration.

Mise à prix 12500 EUR

Lot 29 - Ronan & Erwan Bouroullec (1971 and 1976) - FRANCE - 2 NESTING (CO E TABLE) _ Verre - H42 x L35 x L35 cm - 2017 pour Glass italia. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 150 eur. Les frères Bouroullec sont l'un des rares designers français à jouir d'une réputation internationale2. Leur travail se situe entre le mobilier et l'architecture. Leur travail se situe entre les objets du quotidien et les créations scénographiques. Depuis quelques années, ils conçoivent également des projets pour l'espace public. En 2015, le Kiosque a été donné à la Ville de Paris11, où il développe et présente des projets sociaux et culturels. En 2017, ils ont installé une allée de cent mètres à Miami, recouverte d'une pergola aux motifs organiques et agrémentée de bassins d'eau et de plantations. Leur carrière est ponctuée de collaborations avec les plus grands éditeurs de design. Expositions Design Museum (Londres, 2002) Musée d'art contemporain - MOCA (Los Angeles, 2004) Victoria & Albert Museum (Londres, 2011) Musée d'art contemporain (Chicago, 2012) Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou (2012) Musée des Arts Décoratifs (Paris, 2013) Musée d'art de Tel Aviv (Tel Aviv, 2015) Hong Kong Design Institute (Hong Kong, 2018) Récompenses Grand Prix du Design de la Ville de Paris, 1998 New Designer Award, International Contemporary Furniture Fair, New York, 1999

Mise à prix 2500 EUR

Lot 30 - Harry MORGAN (1990) - UK - Sculpture en verre et béton & verre cylindrique blanc - H30 x L30 x L30 cm - Pièce unique - 2018. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Harry Morgan (1990, Royaume-Uni) vit et travaille à Manchester, au Royaume-Uni. "À l'ère de la polarisation sociale et des "guerres culturelles", mon centre d'intérêt en tant qu'artiste est l'interaction des opposés : transparent et opaque ; masse et vide ; robuste et fragile. Le contraste permet de mettre en valeur la véritable qualité des matériaux, créant ainsi un sentiment d'ordre, d'harmonie et d'équilibre". Depuis l'obtention de son diplôme de l'Edinburgh College of Art en 2014, Morgan a largement exposé à travers le Royaume-Uni et à l'international. En tant que finaliste du Loewe Craft Prize 2019, son travail a été exposé au jardin intérieur "Heaven" d'Isamu Noguchi à Tokyo, où le jury lui a décerné une mention spéciale. Ses sculptures font partie des collections permanentes du Victorian & Albert Museum, des National Museums of Northern Ireland, du Musée européen du verre moderne et de la Fondation Loewe. L'approche de Morgan oscille entre l'utilisation de l'intuition, de la géométrie et de l'expression matérielle. Son travail se caractérise par un mariage inattendu de matériaux et une approche expérimentale des processus traditionnels. Réimaginant les anciens métiers du soufflage du verre et du moulage du béton, son travail remet en question les connotations physiques et culturelles des matériaux qu'il choisit. Collection finaliste du prix Loewe Craft 2019 Isamu Noguchi Tokyo Musée Victorien et Albert Les musées nationaux d'Irlande du Nord, Musée européen du verre moderne Prix pour le talent émergent à la Biennale britannique du verre 2015 Inches Carr Graduate Craft Award lors des Scottish Craft Awards 2016.

Mise à prix 5500 EUR

Lot 31 - Nathalie du PASQUIER (1957) - France - Ebano - Céramique - D 21 x H 34 cm - ED 15/50 - 2018. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Nathalie Du Pasquier a travaillé comme designer au sein du groupe Memphis jusqu'en 1987, produisant des motifs, des textiles, des surfaces décorées et du mobilier. Depuis lors, elle se consacre principalement à la peinture. Au cours des trente-cinq dernières années, Du Pasquier a été intriguée par la relation entre les objets et les espaces dans lesquels ils sont installés. Cette recherche permanente s'est manifestée dans des peintures, des sculptures, des dessins, des motifs, des constructions, des tapis, des livres et des céramiques - agissant constamment entre le représentatif et le non-représentatif, le tangible et l'intangible, la réalité et l'imagination, et les formes bidimensionnelles et tridimensionnelles. Peintre élargie travaillant entre les formats, Du Pasquier est ouverte à de nouvelles possibilités et à l'expérimentation, jouant continuellement avec des arrangements complexes de formes. Pendant une longue période, elle a réalisé des natures mortes en suivant une méthodologie précise combinée à une intuition pure : construire des ensembles avec différents éléments - d'abord des objets quotidiens, puis des constructions en bois faites à la main - et représenter méticuleusement ce qu'elle avait sous les yeux. Aujourd'hui, Du Pasquier travaille directement sur papier ou sur toile et réalise des constructions qui jouent sur la juxtaposition de surfaces planes et d'objets tridimensionnels. Ses peintures peuvent respectivement exister en tant qu'objets, espaces ou environnements, brouillant les distinctions entre une œuvre et ses structures inhérentes de présentation. De nouveaux objets enrichissent constamment le monde imaginaire et symbolique de Du Pasquier et elle suit des chemins particuliers et poétiques pour construire et composer des formes, sculpter l'espace et rendre la représentation à nouveau. Elle considère tout ce qu'elle a fait comme une matière première pour des projets futurs - un travail qui fixe ses propres limites à chaque instant mais qui, en même temps, est toujours prêt à échapper au cadre de toute règle, entrant dans un territoire inconnu. Prix Golden A' Design Award - En 2020, Du Pasquier a remporté le Golden A' Design Award dans la catégorie Arts, Crafts, and Ready-Made Design pour sa table d'appoint "Fassett". AD Design Award - En 2017, elle a reçu un AD Design Award dans la catégorie "Designer of the Year" pour son travail exceptionnel dans le domaine du design. Elle Decoration International Design Award (EDIDA) - Du Pasquier a reçu le Elle Decoration International Design Award dans la catégorie "Best Fabric Design" en 2016. Compasso d'Oro - Elle a également remporté le prestigieux prix Compasso d'Oro en 1986 pour sa contribution au design.

Mise à prix 600 EUR

Lot 32 - Nathalie du PASQUIER (1957) - France - Rovere - Céramique - D 21 x H 35 cm - ED 13/50 - 2018. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Nathalie Du Pasquier a travaillé comme designer au sein du groupe Memphis jusqu'en 1987, produisant des motifs, des textiles, des surfaces décorées et du mobilier. Depuis lors, elle se consacre principalement à la peinture. Au cours des trente-cinq dernières années, Du Pasquier a été intriguée par la relation entre les objets et les espaces dans lesquels ils sont installés. Cette recherche permanente s'est manifestée dans des peintures, des sculptures, des dessins, des motifs, des constructions, des tapis, des livres et des céramiques - agissant constamment entre le représentatif et le non-représentatif, le tangible et l'intangible, la réalité et l'imagination, et les formes bidimensionnelles et tridimensionnelles. Peintre élargie travaillant entre les formats, Du Pasquier est ouverte à de nouvelles possibilités et à l'expérimentation, jouant continuellement avec des arrangements complexes de formes. Pendant une longue période, elle a réalisé des natures mortes en suivant une méthodologie précise combinée à une intuition pure : construire des ensembles avec différents éléments - d'abord des objets quotidiens, puis des constructions en bois faites à la main - et représenter méticuleusement ce qu'elle avait sous les yeux. Aujourd'hui, Du Pasquier travaille directement sur papier ou sur toile et réalise des constructions qui jouent sur la juxtaposition de surfaces planes et d'objets tridimensionnels. Ses peintures peuvent respectivement exister en tant qu'objets, espaces ou environnements, brouillant les distinctions entre une œuvre et ses structures inhérentes de présentation. De nouveaux objets enrichissent constamment le monde imaginaire et symbolique de Du Pasquier et elle suit des chemins particuliers et poétiques pour construire et composer des formes, sculpter l'espace et rendre la représentation à nouveau. Elle considère tout ce qu'elle a fait comme une matière première pour de futurs projets - un travail qui fixe ses propres limites à chaque instant mais qui, en même temps, est toujours prêt à échapper au cadre de toute règle, entrant dans un territoire inconnu. Prix Golden A' Design Award - En 2020, Du Pasquier a remporté le Golden A' Design Award dans la catégorie Arts, Crafts, and Ready-Made Design pour sa table d'appoint "Fassett". AD Design Award - En 2017, elle a reçu un AD Design Award dans la catégorie "Designer of the Year" pour son travail exceptionnel dans le domaine du design. Elle Decoration International Design Award (EDIDA) - Du Pasquier a reçu le Elle Decoration International Design Award dans la catégorie "Best Fabric Design" en 2016. Compasso d'Oro - Elle a également remporté le prestigieux prix Compasso d'Oro en 1986 pour sa contribution au design.

Mise à prix 600 EUR

Lot 33 - Hanna JÄRLEHED (1970) aka Hanna HYVING - SWEDEN - Printemps gelé - Grès et porcelaine. Faïence transparente et émail de grès - 10 × 50cm - 2019. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Hanna Järlehed Hyving vit et travaille à Göteborg. Hanna Järlehed Hyving a suivi une formation en céramique à l'Université du design et de l'artisanat de Göteborg et est toujours basée dans la ville. Son travail s'articule autour de son intérêt pour les nombreuses formes d'expression de la céramique. Elle mélange le grès et la porcelaine, qu'elle façonne ensuite librement. Elle travaille généralement avec des glaçures transparentes en couches épaisses, qu'elle cuit dans un four à la fois électrique et à gaz. "J'aime le fait que l'argile offre des possibilités infinies, mais qu'elle suscite aussi beaucoup de résistance et de défis. Le moindre changement que je fais dans le choix des matériaux ou dans ma façon de travailler entraîne de nouvelles conséquences imprévues". Le travail créatif de l'artiste évolue autour de son intérêt pour les matériaux céramiques et leurs différentes expressions. L'eau est un thème récurrent, que l'on retrouve également dans ces créations. Hanna utilise la porcelaine pour sa couleur blanche qui donne à ses émaux un support parfait et le grès pour sa force et sa solidité. Les couches épaisses d'émaux transparents obtiennent leurs surfaces vibrantes grâce à un processus de cuisson de réduction dans un four électrique et un four à gaz. Récompenses Prix du design suédois Prix du design Elle Decoration Prix du design Red Dot Good Design Award : décerné par le Chicago Athenaeum Museum of Architecture and Design IF Design Award Musée de l'architecture et du design de Chicago Musée Röhsska Musée d'art (Konstmuseum) Nationalmuseum de Stockholm Moderna Museet à Stockholm Vandalorum à Värnamo

Mise à prix 2500 EUR

Lot 34 - Hanna JÄRLEHED (1970) aka Hanna HYVING - SWEDEN - Bleu- Grès et Porcelaine. Faïence et grès transparents - 2019. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Hanna Järlehed Hyving vit et travaille à Göteborg. Hanna Järlehed Hyving a suivi une formation en céramique à l'université du design et de l'artisanat de Göteborg et vit toujours dans cette ville. Son travail s'articule autour de son intérêt pour les nombreuses formes d'expression de la céramique. Elle mélange le grès et la porcelaine, qu'elle façonne ensuite librement. Elle travaille généralement avec des glaçures transparentes en couches épaisses, qu'elle cuit dans un four à la fois électrique et à gaz. "J'aime le fait que l'argile offre des possibilités infinies, mais qu'elle suscite aussi beaucoup de résistance et de défis. Le moindre changement que je fais dans le choix des matériaux ou dans ma façon de travailler entraîne de nouvelles conséquences imprévues". Le travail créatif de l'artiste évolue autour de son intérêt pour les matériaux céramiques et leurs différentes expressions. L'eau est un thème récurrent, que l'on retrouve également dans ces créations. Hanna utilise la porcelaine pour sa couleur blanche qui donne à ses émaux un support parfait et le grès pour sa force et sa solidité. Les couches épaisses d'émaux transparents obtiennent leurs surfaces vibrantes grâce à un processus de cuisson de réduction dans un four électrique et un four à gaz. Récompenses Prix du design suédois Prix du design Elle Decoration Prix du design Red Dot Good Design Award : décerné par le Chicago Athenaeum Museum of Architecture and Design IF Design Award Musée de l'architecture et du design de Chicago Musée Röhsska Musée d'art (Konstmuseum) Nationalmuseum de Stockholm Moderna Museet à Stockholm Vandalorum à Värnamo

Mise à prix 2500 EUR

Lot 35 - Seni Awa CAMARA (1945) - SENEGAL - Khaukeuw Kha Guinée - Terre cuite - L 30 x H 42 cm - Pièce unique - 2020. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Seyni Awa Camara (1939, Sénégal) vit et travaille à Bignona, au Sénégal. Sa mère l'a initiée aux techniques traditionnelles de la poterie alors qu'elle n'était qu'une enfant, mais son travail artistique s'est rapidement éloigné de la nature utilitaire des objets pour s'orienter vers une recherche esthétique confirmée sur la forme et le contenu. Seyni Camara est aussi appelée la "Magicienne de la Terre" car une légende locale entoure son apprentissage de l'argile. Seyni et ses frères auraient été enlevés par des génies de la forêt. On dit que pendant plus de quatre mois, ils ont enseigné aux enfants tout ce qu'il y avait à savoir sur la poterie. Lorsque les enfants ne sont pas revenus à la maison, leur mère et les villageois ont organisé des sacrifices humains pour s'assurer de leur retour. Seyni et ses frères sont réapparus un matin, poterie en main, après quatre mois d'absence. Mariée à l'âge de 15 ans, elle aurait connu des accouchements difficiles. Après avoir été abandonnée par son premier mari, elle a rencontré Samba Diallo, qui l'a encouragée dans son travail artistique. Son second mari, décédé en 2004, a été son plus fervent défenseur et a joué le rôle de médiateur entre l'artiste et le monde culturel. Les créations de Seyni Camara sont le résultat d'un long processus. Elle commence toujours par faire des sacrifices aux esprits et exprime le souhait qu'ils lui révèlent en rêve les formes qu'elle doit représenter dans ses statuettes. Le lendemain matin, l'artiste s'enferme dans son atelier et commence à créer des modèles à partir des formes qui apparaissent dans sa tête. Après avoir préparé l'argile, Seyni Camara commence à donner progressivement forme aux images et aux personnages qui peuplent son esprit. Il lui faut plus de dix jours pour réaliser certaines sculptures aux formes complexes. Le processus final de cuisson de l'argile est réalisé selon une méthode ancestrale ; les sculptures sont d'abord cuites au feu de bois pendant plus de trois heures, avant d'être immergées à chaud dans un liquide obtenu à partir de gousses d'arbres putréfiés. Cette dernière étape confère aux sculptures leur couleur et leur robustesse. Les sculptures de Seyni Camara représentent très souvent des femmes enceintes, des figures maternelles entourées de nombreux enfants. Ses créations sont peut-être un exutoire, un révélateur de la dramaturgie de ses pensées intimes : un imaginaire animiste inspiré de la nature, des contes locaux et qui tourne autour des thèmes de la maternité et de la sexualité. Contrairement à de nombreux créateurs, Seyni Camara n'a apparemment jamais sculpté dans le but d'attirer la célébrité et la gloire. Sa découverte sur la scène artistique internationale s'est faite presque par hasard, lorsqu'un touriste a acheté plusieurs de ses pièces au marché avant de rentrer en Europe. Au fil du temps, ses sculptures ont suscité la curiosité et l'intérêt pour son travail s'est accru, comme en témoigne la présence de ses œuvres dans de nombreuses expositions internationales. Collection Expositions Musée du quai Branly Galerie Nino Mier, Los Angeles Biennale de Venise Musée des beaux-arts de Houston Pinacothèque Giovanni et Marella Agnelli à Turin Baronian, Bruxelles Galerie Almine Rech Brafa, Bruxelles

Mise à prix 6000 EUR

Lot 36 - Julie LEGRAND (1973) - FRANCE - Antinomie - Sculpture réalisée à partir d'objets en verre assemblés - L 18 x H29 cm - Pièce unique - 2021. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Julie Legrand (1973, France) vit et travaille en Picardie. Après des études de philosophie et de lettres, Julie Legrand se forme aux différentes techniques du verre en travaillant avec le Centre International d'Art Verrier de Meisenthal. Ces dernières années, elle a suivi un master professionnel en design et technologie contemporains à l'Ecole Nationale Supérieure de Création Industrielle Saint-Sabin à Paris, ainsi qu'une formation en tournage sur bois et en vannerie. En d'autres termes, sa recherche conceptuelle va de pair avec une volonté de maîtrise de la matière. Depuis plusieurs années, Julie Legrand travaille le verre, transmutant toujours le minéral en matière vivante, dans une alchimie complexe et décomplexée. "Et quand je l'ai arraché, toute la vie est venue avec". Cette phrase est emblématique de son travail, car, écrite en verre filé, elle évoque parfaitement l'énergie vitale qui le sous-tend. Cette énergie est partout, dans le travail lui-même qui, selon la technique choisie, demande de la force, du souffle, de la minutie. Il y a dans ce travail une irruption, une singularité, une étrangeté, une invasion, une prolifération... tout le bouillonnement de la pulsion de vie qui surgit, parfois jusqu'à l'oppression, de la matière et de sa mémoire. Et beaucoup d'humour ! Expositions de la collection Asie centrale, Baronian, Bruxelles Galerie Marie-Laure Fleisch Bruxelles Biennale Internationale du Verre de Biot. GLASSWEEK - Venise - TenARTS. Galerie Delaunay, Paris Biennale internationale du verre contemporain. Strasbourg Galerie Anton Weller, Paris Centre culturel de Gentilly Maison de la culture, Gauchy Alain Monvoisin, Paris

Mise à prix 2500 EUR

Lot 37 - LES CRAFTIES (Collab. Since 2018) (Jeanne Martin and Marie-Marie Vergne ) - FRANCE/act.Belgique - La chaise longue - Chaise longue d'été, métal et toile illustrée sur les deux faces - 130 x 60 cm - pièce unique 2021. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Frais de port pour Paris 100 eur. Jeanne Martin est née à Montpellier et Marie-Marie Vergne à Arles. Elles se sont rencontrées à Nîmes et ont étudié le design textile à Lyon, Genève, Paris et Bruxelles. Les Crafties inventent une nouvelle forme d'art pour l'intérieur : la fresque textile. Fondé par Jeanne Martin-Taton et Marie-Marie Vergne, le studio bruxellois fait cohabiter couleurs unies et imprimés naïfs sur mille et une étoffes, le tout avec un goût immodéré pour le décoratif et le grandiloquent. Jeanne Martin-Taton est née à Montpellier et Marie-Marie Vergne à Arles. Elles ont étudié le design textile à Lyon, Genève, Paris et Bruxelles. En 2018, elles s'associent pour former Les Crafties, un binôme expérimental et pluridisciplinaire qui oscille entre le décoratif et le pictural. Dans leur atelier à Bruxelles, le binôme s'amuse à remettre en scène des savoir-faire artisanaux et à réinventer le patchwork à travers des tissus réinventés à partir de tissus abandonnés par l'industrie de l'habillement. Une démarche à la fois artisanale et expérimentale, révélée par la Villa Noailles lors du festival Design Parade Toulon 2018, dont ils étaient finalistes. Depuis, ils ont travaillé avec des clients et des contextes très variés, d'India Mahdavi à Claude Cartier en passant par Hermès.

Mise à prix 2200 EUR

Lot 38 - Marcin SOBOLEV (1981) - BELGIUM - Construction - Technique mixte - L15 x L 12 x H56 cm - Pièce unique - 2022. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Marcin Sobolev (1981, Belgique) vit et travaille à Bruxelles. Entre les influences de la musique locale, de l'art populaire, de la culture chamanique, du passé culturel et personnel, Sobolev développe son propre langage visuel qui, dans ses sculptures totémiques et ses peintures détaillées, transmet sans effort l'énergie des lieux visités. L'interaction entre l'image et les travaux typographiques, le symbole et le contexte, le détail et l'abstraction célèbre l'esthétique vibrante de la vie quotidienne dans les villes d'Europe de l'Est et les campagnes d'Asie centrale et met en avant ce qui est souvent caché : une créativité impulsive qui produit un art honnête et pur. Les œuvres de Sobolev sont un hommage au talent des gens, à un milieu qui réussit à opposer à l'hétéronomie socio-économique sa propre volonté créatrice. Il s'approprie le langage, le symbolisme et les règles, les aliène et les remplit de sa propre signification à plusieurs niveaux, qui devient tangible dans la composition des œuvres Ses peintures sont une adaptation picturale de ce passé dans un langage contemporain. Il sonde l'âme russe et retrace un passé soviétique où l'homme vivait caché dans la nature. Grand voyageur, Marcin Sobolev retourne régulièrement dans les pays de l'Est, à la rencontre des punks moscovites et des artistes transsibériens qui alimentent la scène artistique russe de tous bords et auxquels il se mêle volontiers. Il voyage aussi dans l'esprit, celui des marginaux, des criminels et des enfants autistes. Collection Baronian, Bruxelles Galerie Louis Gendre & Ko, Chamalières Luxembourg Art Fair, Galerie Louis Gendre, Luxembourg Brooklyn by the sea, Galerie Louis Gendre, Chamalières Salon Art Paris 2019, Galerie Louis Gendre, Paris Double Mafia, Galeries Dudelange, Dudelange Galerie Louis Gendre, Chamalières Slavsquat, Galerie Mori Yu, Kyoto Cité Jardin, Docks Art Fair, Lyon Nikita, Galerie Nosbaum & Reding, Luxembourg Severiki, Centre d'art Dominique Lang, Dudelange

Mise à prix 3000 EUR

Lot 39 - Adelie DUCASSE (1978) - France - Lampadaire Dallas - Faïence. Fabriqué à la main en Italie par une ancienne manufacture vénitienne H153 x 30 x 30 cm - pièce unique-2022. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Adelie Ducasse (1978, France) vit et travaille à Paris. Garder son âme d'enfant : telle est la volonté d'Adélie, une artiste aux multiples facettes dont l'univers coloré, ludique et joyeux s'inspire de la spontanéité de l'enfance et de ses jeux aux couleurs vives tels que les legos et les puzzles. Adélie Ducasse a grandi dans les îles, en Nouvelle-Calédonie et à la Réunion, où elle a développé son goût pour les couleurs et les formes primitives. Plus tard, c'est en Californie qu'elle renoue avec les sensations de son enfance. Elle y a vécu quelque temps et y est retournée souvent pour profiter de son soleil, de son mode de vie et pour s'inspirer de l'architecture moderniste qui caractérise la région. Artiste autodidacte, elle se spécialise dans la création de sculptures lumineuses en céramique. Elle s'intéresse à la possibilité de moduler ce matériau, ainsi qu'aux couleurs vives et audacieuses de la faïence. Elle crée une construction en assemblant des formes géométriques simples (rond, cône et rectangle) dans des séquences de couleurs, en les associant mathématiquement. Son travail est à la croisée de deux grandes inspirations contradictoires : le Bauhaus (école allemande fondée en 1919) et le groupe Memphis (école de design italienne fondée dans les années 1980). En réinterprétant les codes de ces deux groupes artistiques, elle parvient à s'inspirer de la simplicité des lignes du Bauhaus ainsi que des séquences de couleurs rythmées du groupe Memphis. L'utilisation de couleurs vives et contrastées dynamise les formes simples et géométriques de ses sculptures.

Mise à prix 5200 EUR

Lot 40 - Xavier LE NORMAND (1978) - FRANCE - Sans Titre - pièce unique - Verre soufflé - diam. 23 x H 10 cm - 2022. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Xavier Le Normand a d'abord suivi une formation de bijoutier aux ateliers de la Font Blanche à Nîmes, avant d'intégrer le CERFAV près d'Annecy, où il devient Compagnon Verrier Européen. Il obtient une bourse de la Ville de Paris en 2004, puis la bourse Lino Tagliapietra de Pilchuck aux États-Unis en 2008. En 2009, il enseigne dans une université de Tokyo, au Japon, où il est connu sous le nom de "sensei". La même année, il reçoit le prix Liliane Bettencourt pour l'intelligence de la main. Il s'est formé auprès des meilleurs souffleurs et tailleurs de verre, dont Monica Guggisberg et Philippe Baldwin. Xavier Le Normand a exposé en Belgique, en France et aux Pays-Bas. En 2015, l'artiste a exposé au Musée des Arts décoratifs de Paris (exposition " Mutations ") et au Palais de Tokyo (exposition " L'usage des formes "). Xavier Le Normand fait partie des collections du Musée des Arts décoratifs de Paris. En 2016, il a travaillé avec Cartier et Fred joaillerie. Il s'est hissé sur le devant de la scène du verre contemporain en France. Il a développé une exploration artistique distincte, s'écartant de l'artisanat traditionnel du verre. Ses créations sont des pièces d'art qui font référence, tant en France qu'au Japon. Le travail de Xavier Le Normand est marqué par la virtuosité. Il combine habilement le travail du verre à chaud et la sculpture à froid, et n'hésite pas à intégrer des métaux précieux dans ses pièces. Ses œuvres sont souvent caractérisées par des formes organiques, des couleurs mates et des textures qui évoquent la vie. Il explore également la taille à froid, un aspect moins courant du travail du verre, où la forme, la matière et la couleur s'unissent harmonieusement. 2009 - Prix Liliane Bettencourt pour l'intelligence de la main® - Talents d'exception Expositions de la collection Musée des Arts Décoratifs, Paris Cirva Palais de Tokyo Galerie Echt Chivago Brafa Art Fair, Bruxelles Fiac, Paris Galerie Clara Scremini Pavillon des arts et du design (Paris) Collaboration avec Cartier Collaboration avec Dior

Mise à prix 4500 EUR

Lot 41 - Xavier LE NORMAND (1978) - FRANCE - Sans Titre - pièce unique - Verre soufflé - L 24 x l 24 x H 22 cm - 2022. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Xavier Le Normand a d'abord suivi une formation de bijoutier aux ateliers de la Font Blanche à Nîmes, avant d'intégrer le CERFAV près d'Annecy, où il devient Compagnon Verrier Européen. Il obtient une bourse de la Ville de Paris en 2004, puis la bourse Lino Tagliapietra de Pilchuck aux États-Unis en 2008. En 2009, il enseigne dans une université de Tokyo, au Japon, où il est connu sous le nom de "sensei". La même année, il reçoit le prix Liliane Bettencourt pour l'intelligence de la main. Il s'est formé auprès des meilleurs souffleurs et tailleurs de verre, dont Monica Guggisberg et Philippe Baldwin. Xavier Le Normand a exposé en Belgique, en France et aux Pays-Bas. En 2015, l'artiste a exposé au Musée des Arts décoratifs de Paris (exposition " Mutations ") et au Palais de Tokyo (exposition " L'usage des formes "). Xavier Le Normand fait partie des collections du Musée des Arts décoratifs de Paris. En 2016, il a travaillé avec Cartier et Fred joaillerie. Il s'est hissé sur le devant de la scène du verre contemporain en France. Il a développé une exploration artistique distincte, s'écartant de l'artisanat traditionnel du verre. Ses créations sont des pièces d'art qui font référence, tant en France qu'au Japon. Le travail de Xavier Le Normand est marqué par la virtuosité. Il combine habilement le travail du verre à chaud et la sculpture à froid, et n'hésite pas à intégrer des métaux précieux dans ses pièces. Ses œuvres sont souvent caractérisées par des formes organiques, des couleurs mates et des textures qui évoquent la vie. Il explore également la taille à froid, un aspect moins courant du travail du verre, où la forme, la matière et la couleur s'unissent harmonieusement. 2009 - Prix Liliane Bettencourt pour l'intelligence de la main® - Talents d'exception Expositions de la collection Musée des Arts Décoratifs, Paris Cirva Palais de Tokyo Galerie Echt Chivago Brafa Art Fair, Bruxelles Fiac, Paris Galerie Clara Scremini Pavillon des arts et du design (Paris) Collaboration avec Cartier Collaboration avec Dior

Mise à prix 8500 EUR

Lot 42 - Silver SENTIMENTI (1970) - ITALY/ act. France - 3 Astrolables - Technique mixte - L 15 x L 18 x H25 cm - Pièce unique - 2022. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Silver Sentimenti est céramiste et ennoblisseur. Il a grandi dans l'atelier de couture de sa famille, entouré de tissus et de motifs. Fasciné par cet environnement, il décide très tôt de devenir artisan. En 1984, il s'inscrit à l'Istituto Gaetano Ballardini de Faenza, où il étudie la sculpture sur céramique, puis il poursuit ses études de scénographie à l'école des beaux-arts de Bologne. En 1997, une opportunité de création de costumes dans la haute couture le conduit à Paris et l'amène à consacrer une partie de sa carrière à ce secteur. Mais en 2007, Silver Sentimenti décide de recentrer son travail sur la céramique, les gestes et le temps. Il installe alors son atelier de céramique en Normandie, où il réalise des pièces uniques et des séries limitées pour des clients privés en France et à l'étranger. Recherche et innovation Le travail de Silver Sentimenti s'inspire de ses expériences professionnelles de modéliste, de couturier et de costumier. Lorsqu'il crée, il associe les arts du feu, de la couture et de la sculpture. Il travaille le grès de Bourgogne ou de Noron, la porcelaine de Bavière et de Limoges. Pour chacune de ses créations, il façonne sa pièce dans la terre crue, qu'il perfore ensuite de trous. Après cuisson, il les brode de lanières de cuir et d'éléments métalliques. Silver Sentiment veille à l'origine et à la qualité de ses cuirs, qu'il se procure auprès d'un atelier de Bretagne et qui sont tannés végétalement en France. La transmission Silver Sentimenti a à cœur de transmettre son savoir-faire. Au cours de sa carrière, il a enseigné son savoir-faire dans les lycées DMA et à l'IFM, tout en animant des ateliers de céramique et des stages de tournage. Aujourd'hui, il continue d'enseigner dans le cadre du DNMADE textile et accueille chaque année des stagiaires dans son atelier. La Fondation Rémy Cointreau et la galerie des Ateliers d'Art de France ont soutenu Silver Sentimenti dans l'acquisition d'une céramique.

Mise à prix 2300 EUR

Lot 43 - Pierre PAULIN (1927, 2009) - FRANCE - Big Mushroom - Structure en acier tubulaire, mousse de latex et tissu extensible - L90 x L 85 x 67. ED. Artifort. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 150 eur. Pierre Paulin était connu pour ses créations de chaises. Il travaillait avec des mousses et des cadres métalliques recouverts de matériaux extensibles, admirés pour "leurs lignes claires, la sensation sensuelle de leur matériau ou tout simplement pour la façon dont leurs formes berçaient le corps". Ses créations ont connu une grande popularité à leur époque et ont influencé différents designers Gros champignon Création de Pierre Paulin Un fauteuil pour tous les temps. Sensible et fort à la fois. Un art toujours confortable. Le Big Mushroom® de Pierre Paulin fait partie de la collection permanente du Museum of Modern Art de New York. Lancé une première fois sous le nom de F562, il a été relancé sous le nom de Big Mushroom. Le designer Pierre Paulin s'est distingué avec ce fauteuil à la forme originale et à la technique de fabrication révolutionnaire pour l'époque. L'idée du Champignon est venue à Pierre Paulin alors qu'il observait des femmes, modelées et gainées dans leur maillot de bain. Il voulait la même chose pour un siège. L'inspiration se trouve dans les belles courbes ainsi que dans le rembourrage élastique d'une seule pièce sans couture. Le Mushroom est le premier meuble fabriqué à l'aide d'une méthode de revêtement élastique d'une seule pièce sans couture. Sa forme originale marquera le mobilier des années 60 en inspirant de nombreuses autres créations aux formes sculpturales. Les formes rondes et le rembourrage confortable se marient parfaitement avec des couleurs vives pour un effet original et tendance. L'un des plus connus est le fauteuil Mushroom sans pieds de la série no. 560, créé en 1959, rembourré en caoutchouc mousse et recouvert de jersey élastique. Pierre Paulin en a eu l'idée en voyant des femmes en maillot de bain, gainées et galbées. Il décide alors de créer un siège entièrement recouvert de tissu gainant pour lui donner un aspect lisse et sans aspérité. Les premiers essais ne sont pas concluants : le jersey fabriqué en France est trop cher et trop fragile (notamment face aux animaux domestiques...). Il s'est donc mis à la recherche d'un tissu résistant, qu'il a finalement trouvé en Norvège. Peu coûteux, plus solide et extensible, il accroche et maintient la mousse dans la carcasse sans faire de plis. Le siège s'inspire également des sièges de voiture italiens, qui sont recouverts de cuir ou de tissu sur une armature métallique, une conception qu'il a poursuivie pour la série 560. À l'intérieur du Mushroom, trois anneaux forment la base, l'un pour le plancher, l'autre pour le siège et le dernier pour les accoudoirs. La mousse de caoutchouc utilisée à l'intérieur est le gommapiuma développé par Pirelli après la guerre. Le Mushroom est le premier siège conçu pour être entièrement recouvert de jersey élastique, seule une fine feuille de contreplaqué étant visible en guise de base. Paulin considérait ce siège comme le meilleur qu'il ait réalisé "économiquement, mécaniquement et financièrement". Prix Grand Prix National de la Création Industrielle Chevalier de la Légion d'Honneur, 1989 Prix du design de Rotterdam Temple de la renommée de l'architecture d'intérieur, 2009 Musées Musée des Arts Décoratifs, Paris Centre Pompidou, Paris Vitra Design Museum, Allemagne Musée d'art moderne (MoMA), New York Musée Stedelijk, Amsterdam Design Museum, Londres Domaine du Muy, France

Mise à prix 3200 EUR

Lot 44 - Christophe GEVERS (1969, 2007) - BELGIUM - Paire de fauteuils TBA- Reedition - cuir, acier chromé, fil de nylon blanc - H78 x 54 x 54 cm. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 100 eur. Christophe Gevers a créé la chaise TBA en 1959 dans le cadre d'un projet de rénovation de la Taverne des Beaux-Arts, située au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles. Le succès est immédiat. La même année, la chaise reçoit le Signe d'Or, le label de qualité belge. Le début des Golden Sixties marque l'arrivée de Gevers dans le monde du design et de la décoration d'intérieur. En tant que designer et architecte d'intérieur, Christophe Gevers réalise de nombreux intérieurs de brasseries et restaurants bruxellois de renom, dont la Taverne des Beaux-Arts (1959), le Vieux Saint-Martin au Sablon (1968) et le site de la Porte de Namur de la chaîne de hamburgers Quick (1984). Il a également réaménagé de nombreuses agences bancaires, tout en concevant une importante collection de meubles et de luminaires. L'œuvre de Gevers se caractérise par l'utilisation de nouveaux matériaux bruts, qui deviennent plus élégants au fil des ans. La chaise TBA est une simple pièce tubulaire en acier chromé, avec une assise et un dossier en cuir cousu de nylon blanc. Gevers a particulièrement choisi un cuir non coloré qui s'assombrit et s'assouplit avec le temps. Au niveau du dossier et sous l'assise de la chaise, il a utilisé un fil de nylon pour tendre le cuir. Il revint souvent à ce modèle, l'incluant dans d'autres projets, si bien qu'on le retrouve aujourd'hui dans plusieurs chaises. L'utilisation de nouveaux matériaux, ainsi que les accoudoirs flottants confèrent à la chaise de Christophe Gevers une allure particulièrement moderne et la chaise qui a lancé sa carrière reste, dans l'absolu, l'une de ses plus belles créations. Les meubles dessinés par Christophe Gevers ont souvent été remplacés ou ont disparu au fil des ans. Cette acquisition par le Fonds du patrimoine permet donc de préserver un élément important du design belge du 20e siècle. Cette chaise a été confiée au Design Museum Brussels(link is external), où elle dialoguera avec d'autres meubles de designers belges acquis par le Fonds en 2019, ainsi qu'avec des meubles des années 1950 faisant partie de la collection permanente du musée, dont des œuvres de Jacques Dupuis, Jules Wabbes, Willy van der Meeren et d'autres.

Mise à prix 2200 EUR

Lot 45 - Christophe GEVERS (1969, 2007) - BELGIUM - CG01 LIGHT - Edition limitée à 39 exemplaires - Corten . Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 80 eur Dessinée par Christophe Gevers, cette lampe ravira les esthètes passionnés de beauté et d'ingéniosité. Pour s'appeler 01, il faut être digne de s'identifier à la perfection ! Mélange subtil, délicatement proportionné, ce luminaire est plus une sculpture qu'un simple éclairage, faisant du CG01 une œuvre d'art pleine d'anecdotes. Christophe Gevers a marqué le design belge par son sens des matériaux et son modernisme tactile. Il est considéré comme l'un des plus importants architectes d'intérieur de l'après-guerre. Il privilégie un modernisme chaleureux et confortable, en utilisant des matériaux nobles et durables. Il a fondé sa propre entreprise, Gevers Design, et a travaillé comme professeur à La Cambre dans le département de décoration et d'ameublement. Son travail est une marque de fabrique du design belge et ses créations sont aujourd'hui recherchées. Chapeau l'artiste, Gevers connaît le succès qu'il mérite ! Placé en 1968 dans le restaurant "Le Cap d'Argent" à Bruxelles, le CG01, conçu dans un rouge profond et audacieux, a illuminé cette brasserie et en a fait une image emblématique du design belge. Il va sans dire que l'établissement de renommée internationale "Aux Vieux Saint Martin" intègre également le 01 dans son restaurant, fréquenté par les plus grandes personnalités du monde. Le Canterbury témoigne encore de son style unique, qui n'a rien de démodé.

Mise à prix 1300 EUR

Lot 46 - Christophe GEVERS (1969, 2007) - BELGIUM - CG01 LIGHT - Edition limitée à 39 exemplaires - Metal Brut. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 80 eur. Dessinée par Christophe Gevers, cette lampe ravira les esthètes passionnés de beauté et d'ingéniosité. Pour s'appeler 01, il faut être digne de s'identifier à la perfection ! Mélange subtil, délicatement proportionné, ce luminaire est plus une sculpture qu'un simple éclairage, faisant du CG01 une œuvre d'art pleine d'anecdotes. Christophe Gevers a marqué le design belge par son sens des matériaux et son modernisme tactile. Il est considéré comme l'un des plus importants architectes d'intérieur de l'après-guerre. Il privilégie un modernisme chaleureux et confortable, en utilisant des matériaux nobles et durables. Il a fondé sa propre entreprise, Gevers Design, et a travaillé comme professeur à La Cambre dans le département de décoration et d'ameublement. Son travail est une marque de fabrique du design belge et ses créations sont aujourd'hui recherchées. Chapeau l'artiste, Gevers connaît le succès qu'il mérite ! Placé en 1968 dans le restaurant "Le Cap d'Argent" à Bruxelles, le CG01, conçu dans un rouge profond et audacieux, a illuminé cette brasserie et en a fait une image emblématique du design belge. Il va sans dire que l'établissement de renommée internationale "Aux Vieux Saint Martin" intègre également le 01 dans son restaurant, fréquenté par les plus grandes personnalités du monde. Le Canterbury témoigne encore de son style unique, qui n'a rien de démodé.

Mise à prix 1300 EUR

Lot 47 - Christophe GEVERS (1969, 2007) - BELGIUM - CG01 Light - Laiton gris vert. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Frais de port pour Paris 80 eur. Dessinée par Christophe Gevers, cette lampe ravira les esthètes passionnés de beauté et d'ingéniosité. Pour s'appeler 01, il faut être digne de s'identifier à la perfection ! Mélange subtil, délicatement proportionné, ce luminaire est plus une sculpture qu'un simple éclairage, faisant du CG01 une œuvre d'art pleine d'anecdotes. Christophe Gevers a marqué le design belge par son sens des matériaux et son modernisme tactile. Il est considéré comme l'un des plus importants architectes d'intérieur de l'après-guerre. Il privilégie un modernisme chaleureux et confortable, en utilisant des matériaux nobles et durables. Il a fondé sa propre entreprise, Gevers Design, et a travaillé comme professeur à La Cambre dans le département de décoration et d'ameublement. Son travail est une marque de fabrique du design belge et ses créations sont aujourd'hui recherchées. Chapeau l'artiste, Gevers connaît le succès qu'il mérite ! Placé en 1968 dans le restaurant "Le Cap d'Argent" à Bruxelles, le CG01, conçu dans un rouge profond et audacieux, a illuminé cette brasserie et en a fait une image emblématique du design belge. Il va sans dire que l'établissement de renommée internationale "Aux Vieux Saint Martin" intègre également le 01 dans son restaurant, fréquenté par les plus grandes personnalités du monde. Le Canterbury témoigne encore de son style unique, qui n'a rien de démodé.

Mise à prix 1300 EUR

Lot 48 - Lukas COBER (1989) - BELGIUM - Table basse - Bois d'ébène et cuir - L150 x L 50 x H40 cm - Pièce unique - 2020. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 300 eur. Lukas Cober a étudié le design de produits à l'Académie des beaux-arts et du design de Maastricht ainsi qu'à la Faculdade de Belas Artes Lisboa. Pendant ses études et les années qui ont suivi, il a mis son talent, sa technique et son énergie au service de Valentin Loellmann, un designer de renom basé aux Pays-Bas. En 2018, il commence à se concentrer uniquement sur son propre travail, créant des pièces uniques et des collections dans son studio éponyme. En 2021, par l'intermédiaire de la galerie Gosserez, le Mobilier national acquiert sa table basse "New Wave" et fait désormais partie des collections du Mobilier national du gouvernement français. Lukas Cober met l'accent sur la valeur et la beauté de la matière première choisie pour créer des objets minimalistes dont la beauté reste intemporelle. Sa priorité est clairement axée sur le sentiment que le matériau et la forme peuvent susciter plutôt que sur la fonction de l'objet lui-même. Il peut s'agir d'une chaise, d'un sac ou d'une lampe. Ce n'est pas la fonction qui compte, mais l'intégrité mutuelle. En considérant chaque produit comme une sculpture statique, il crée une conversation entre la matérialité et la forme avec un résultat pur. Collection - Expositions 2021- Mobilier National (Les collections du gouvernement français) Galerie Gosserez, Paris Pad, Londres St Vincents, Anvers.

Mise à prix 3500 EUR

Design & Art (1924-2024) Collection pionnière de Caroline Notté dans la maison centenaire du Bauhaus de Louis-Herman De Koninck

Tri-Art - 0032 486 82 80 77 - Email

Lot 3 - Arne JACOBSEN (1902-1971) - DENMARK - Paire de lampes de table AJ Visor alias "Lampe Marlène" en laiton laqué rouge-orange. Fabriquées par Louis Poulsen, 1957 - B 12 x D 18 x H 55 cm. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 70 eur

Lot 15 - EMPOLI GLASS FACTORY / VETRERIE DI EMPOLI - ITALY - 2 vases en verre vert. Diamax 15 × H.53 cm - ca 1950 - Située à Empoli (près de Florence) cette verrerie est bien connue pour son verre vert. Souvent confondu avec le verre de Murano. Livraison à Paris 70 eur

Lot 17 - Ettore SOTTSASS (1917-2007) - ITALY - Orecchini or, plexiglas et ébène _11,5 cm x diam 0,8cm - , 2001-2002 . En collaboration avec Cleto Munari. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Frais d'envoi à Paris 70 eur

Design & Art (1924-2024) Collection pionnière de Caroline Notté dans la maison centenaire du Bauhaus de Louis-Herman De Koninck

Tri-Art - 0032 486 82 80 77 - Email

Lot 3 - Arne JACOBSEN (1902-1971) - DENMARK - Paire de lampes de table AJ Visor alias "Lampe Marlène" en laiton laqué rouge-orange. Fabriquées par Louis Poulsen, 1957 - B 12 x D 18 x H 55 cm. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Livraison à Paris 70 eur

Lot 15 - EMPOLI GLASS FACTORY / VETRERIE DI EMPOLI - ITALY - 2 vases en verre vert. Diamax 15 × H.53 cm - ca 1950 - Située à Empoli (près de Florence) cette verrerie est bien connue pour son verre vert. Souvent confondu avec le verre de Murano. Livraison à Paris 70 eur

Lot 17 - Ettore SOTTSASS (1917-2007) - ITALY - Orecchini or, plexiglas et ébène _11,5 cm x diam 0,8cm - , 2001-2002 . En collaboration avec Cleto Munari. Un certificat de la galerie sera remis à l'acheteur. Frais d'envoi à Paris 70 eur

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