7th May - Private Collection I

Lot 1 - Bois ripuaire teinté, verre et bronze doré, applications de nacre et de velours. Il présente des défauts au dos et une restauration à l'un des pieds. Dimensions : 190 x 78,5 x 34 cm : 190 x 78,5 x 34 cm. Meuble en bois teinté de berge d'inspiration clairement orientale. La pièce est composée de deux corps, un inférieur avec des étagères divisées en deux rues, l'une surmontée d'une vitrine et l'autre ouverte. Dans la partie supérieure de la pièce, l'armoire est dotée d'une vitrine au périmètre arrondi. D'un point de vue esthétique, l'œuvre suit les modèles du meuble de Louis Majorelle connu sous le nom de "Vitrine Grand Dragon". Louis Majorelle (France, 1859 - 1926) ébéniste et designer membre de l'École de Nancy, dont il fut même vice-président, Louis Majorelle est le fils d'un créateur et fabricant de meubles installé dans la ville de Toul, d'où il s'installe à Nancy avec sa famille. C'est là que Majorelle fait ses premières armes artistiques, puis se rend à Paris en 1877, où il étudie pendant deux ans à l'École nationale supérieure des beaux-arts, où il reçoit l'enseignement de Jean-François Millet. Depuis lors, son travail se caractérise par l'utilisation d'éléments naturalistes dans ses formes et sa marqueterie. À partir des années quatre-vingt-dix, ses meubles s'inscriront pleinement dans le langage de l'Art nouveau, avec des formes entrelacées et une nette inspiration directe de la nature, avec des motifs tels que les légumes, les nénuphars, le chardon typique de Nancy ou la libellule, icône du modernisme français. Il présente des défauts dans le dos et une restauration dans l'un des pieds.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 2 - Vase ; France, vers 1900. Verre camée. Signé "D'Argental". Dimensions : 17 x 8 x 8 cm. Vase ornemental de style Art Nouveau, réalisé en verre camée avec la technique de la gravure à l'acide. L'entreprise de verre camée D'Argental trouve son origine dans un groupe d'ateliers de la fin du XVIe siècle, réunis sous le nom de Verrerie Royale de St. Louis sous le règne de Louis XV, au XVIIIe siècle. À la fin du XIXe siècle, elle s'est spécialisée dans la production de pièces en verre camée typiques de l'Art nouveau français, réalisées par la technique de la gravure à l'acide.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 3 - JOSÉ MIRABENT GATELL (Barcelone, 1831 - 1899). "Grappe de raisin", 1881. Huile sur panneau. Signée, datée et dédicacée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 36 x 29 cm ; 55 x 45 cm (cadre), José Mirabent a étudié à l'école de la Lonja à Barcelone, où il a été le disciple de Pablo Milá Fontanals, Claudio Lorenzale et Segismundo Ribó, dont il a reçu l'influence de l'esthétique nazaréenne. En 1855, il entre comme assistant à l'école susmentionnée et obtient en 1872 la catégorie de professeur de peinture décorative, de tissus et d'estampes. Dans sa première période, il peut être considéré comme un peintre romantique attaché à la ligne nazaréenne de ses maîtres, et il peint principalement des portraits et des natures mortes avec des fleurs et des fruits. Plus tard, il se spécialise dans la décoration d'intérieur, activité dans laquelle il faut souligner ses travaux pour le Gran Teatro del Liceo et l'université de Barcelone, le musée Balaguer de Vilanova i la Geltrú et les églises madrilènes du Buen Suceso, des Salesas Reales et du couvent des Madres Reparadoras. Avec ses peintures de fleurs et de fruits, il participe aux expositions nationales des beaux-arts de Madrid et obtient plusieurs prix : mention honorable dans celles de 1856 et 1858, troisième médaille dans celles de 1860 et 1867, et décoration en 1871. Il a également reçu une médaille d'or à l'exposition universelle de Barcelone en 1888. En tant que portraitiste, il a fait le portrait de Pablo Piferrer, Ramón Anglasells et Joaquín Rey Esteve, entre autres. En 1892, il participe au premier festival moderniste. Il est largement représenté au MNAC, ainsi qu'au musée du Prado, au musée d'art moderne et au musée romantique de Madrid, à l'Académie royale de Sant Jordi, à l'Ateneo et à la galerie des illustres Catalans de Barcelone, etc.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 4 - INOCENCIO MEDINA VERA (Archena, Murcia, 1876 - 1918). "Sur la terrasse du café". Encre et aquarelle sur papier. Présente des défauts Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 26 x 30 cm ; 54 x 60 cm (cadre). Peintre et illustrateur, Inocencio Medina commence sa carrière en 1897 en collaborant avec la revue "La vida literaria". Deux ans plus tard, il obtient une mention honorable à l'Exposition nationale des beaux-arts, où il obtient la troisième médaille en 1904 et la deuxième en 1906. Les années suivantes, il collabore avec "Blanco y Negro", "La Esfera" et "Mundo Gráfico". En 1912, il s'installe à Buenos Aires, où il fonde "La Semana Universal" et remporte un grand succès avec sa peinture. Il retourne finalement en Espagne en 1915. Il est représenté au musée du Prado, au musée provincial de Murcie, à l'hôtel de ville de Valladolid, au Club espagnol de Buenos Aires et à la collection de la presse espagnole, entre autres centres d'art et institutions. Présente des défauts

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 5 - AURELIO ARTETA Y ERRASTI (Bilbao, 1879 - Mexico, 1940). "Le baiser". Fusain sur papier. Signé et dédicacé en bas à gauche. Dimensions : 23 x 28 cm ; 44 x 49,5 cm (cadre). Aurelio Arteta a commencé ses études à l'École des arts et métiers de Bilbao, puis les a poursuivies à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando. En 1902, il obtient une bourse qui lui permet de se rendre à Paris, où il complète sa formation. Plus tard, il a également visité l'Italie. Fondateur de l'Association des artistes basques, il réalise d'importantes commandes telles que les fresques de la Banque de Bilbao à Madrid. En 1924, il est nommé premier directeur du tout nouveau musée d'art moderne de Bilbao et, six ans plus tard, il reçoit le prix national de peinture. Il reçoit également la première médaille de l'Exposition nationale des beaux-arts en 1932. Il est actuellement représenté dans les musées des beaux-arts de Bilbao et d'Alava, au musée de San Telmo à Saint-Sébastien et dans de nombreuses collections privées.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 6 - Plafonnier ; vingtième siècle. Albâtre et bronze doré. Électrifié. Dimensions : 62 x 40 x 40 cm. Plafonnier en albâtre et bronze doré. La structure en bronze a un dessin stylisé qui représente un ensemble de feuilles qui se superposent pour former la tige qui relie l'abat-jour au plafond. L'abat-jour rehaussé d'albâtre a un design simple, renforcé par les appliques qui le soutiennent. Électrifié

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 7 - École symboliste ; Espagne, vers 1890, "Paysage". Huile sur toile collée sur carton. Le cadre présente des défauts. Dimensions : 13 x 14 cm ; 31 x 33,5 cm (cadre). Cette œuvre s'inscrit dans le courant symboliste qui, à partir de la littérature, a défini un art entièrement métaphorique, cherchant à évoquer des significations cachées par le biais d'une rhétorique élaborée. Les symbolistes pensaient que l'art devait viser à capturer les vérités les plus absolues, qui ne pouvaient être saisies que par des méthodes indirectes et ambiguës, d'où la référence constante au symbole et à la métaphore. Le cadre est défectueux.

Estim. 100 - 150 EUR

Lot 8 - Plafonnier Jugendstil ; premier tiers du 20e siècle, Verre dépoli, émaillé et sculpté et laiton doré. En état de marche. Dimensions : 79 x 48 x 48 cm : 79 x 48 x 48 cm. Plafonnier Movenstil en verre émaillé, dépoli et taillé. La lampe est composée de trois lumières disposées symétriquement, les deux latérales étant de conception identique et situées à un niveau inférieur, par rapport à la lumière centrale qui a des dimensions plus importantes et une conception plus complexe en combinant l'abat-jour en verre avec des appliques tubulaires superposées en verre transparent et en verre vert. Ces trois lampes font partie d'une structure en laiton qui combine géométrie et motifs végétaux.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 9 - Applique ; France, vers 1900. Verre camée et montures en bronze. Signée Gallé. Dimensions : 6,5 x 23 x 28 cm. En fait, le verre camée est connu depuis l'Antiquité, bien qu'il ait été remis au goût du jour à la fin du XIXe siècle en France et en Angleterre. Gallé a présenté sa technique du camée à l'acide à l'Exposition de Paris de 1889, dans le but de faire connaître le verre moderniste au public. Il s'agissait d'une forme de décoration plus rapide et moins coûteuse que le camée gravé à la roue, ce qui permettait d'obtenir des pièces plus abordables, produites en série, mais faites à la main, car aucun gabarit n'était utilisé, mais le motif était dessiné à la main sur chaque pièce. La technique du camée consiste à souffler une bulle de deux ou plusieurs couches de verre de couleurs différentes, qui sont ensuite gravées ou enlevées par refonte à l'acide de la partie inférieure, laissant ainsi le motif en relief, dans la couleur de la couche de verre supérieure.

Estim. 1 000 - 1 500 EUR

Lot 10 - Lampe ; France, fin du XIXe siècle. Verre camée. Electrifiée et en état de marche. Signé Gallé sur l'abat-jour. Dimensions : 35 x 18 cm. Cette lampe de table perpétue l'esthétique Art nouveau et la technique d'Émile Gallé. Elle est réalisée en verre camée avec une décoration gravée à l'acide. Gallé a présenté sa technique du camée gravé à l'acide lors de l'Exposition de Paris de 1889, dans le but de faire connaître le verre Art nouveau au public. Il s'agissait d'une forme de décoration plus rapide et moins coûteuse que le camée gravé à la roue, ce qui permettait d'obtenir des pièces plus abordables, produites en série mais faites à la main, puisqu'aucun pochoir n'était utilisé mais que le motif était dessiné à la main sur chaque pièce. Gallé a imposé les caractéristiques d'un style qui a évolué vers des expressions libres et raffinées, appliquant une grande variété de thèmes et de techniques décoratives sur le verre opaque et coloré, qui continuent d'étonner aujourd'hui. Actuellement, on peut voir des pièces d'Emile Gallé au Musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, au Metropolitan Museum de New York, au Musée d'Orsay de Paris, au Musée Brohan de Berlin et au Victoria & Albert Museum de Londres, parmi beaucoup d'autres.

Estim. 500 - 700 EUR

Lot 11 - Buffet Art déco ; deuxième quart du vingtième siècle. Bois de chêne. Préserve les clés. Présente des défauts dans les trous de serrure. Dimensions : 97 x 248 x 49,5 cm. Buffet entièrement réalisé en bois de chêne. Il présente un design caractéristique de l'Art Déco, en plus de donner une valeur formelle aux différents types de veinures qui dialoguent avec les solutions esthétiques. Il s'agit d'un meuble aux proportions harmonieuses et à la structure géométrique, aux lignes épurées, mais qui évite la lourdeur ou la rotondité grâce à des solutions simples. Ainsi, la ressource consistant à surélever le corps principal de la base, en laissant ces zones séparées du corps, allège la structure. Elle présente des défauts dans les trous de serrure.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 12 - Plafonnier Art nouveau ; premier tiers du XXe siècle. Verre creusé et laiton. En état de marche. Dimensions : 121 x 41 x 21 cm. Lampe inspirée par les formes naturelles, telles que les courbes sinueuses des plantes et des fleurs. Son design est caractérisé par un sens du dynamisme et du mouvement, souvent donné par l'utilisation de lignes courbes, comme on peut le voir dans la structure d'où pendent les trois lampes. La pièce conserve une grande symétrie, particulièrement visible dans les abat-jours en verre des lampes latérales qui recréent la corolle d'une fleur, tandis que la lampe centrale a une forme ogivale. En fonctionnement.

Estim. 700 - 800 EUR

Lot 13 - Ensemble de deux vases et d'une parfumerie ; vingtième siècle. Verre soufflé Millefiore. Dimensions : 28 x 9 x 9 x 9 cm (plus grand) : 12 x 6 x 6 x 6 cm (plus petit). Ensemble composé de deux vases et d'un porte-parfum présentant une ornementation Millefiori, une technique de verrerie qui produit des motifs décoratifs distinctifs sur les objets en verre. Le terme millefiori est une combinaison des mots italiens "mille" (mille) et "fiori" (fleurs). La réputation de Murano en tant que centre verrier est née lorsque la République de Venise, craignant les incendies et la destruction des bâtiments en bois de la ville, a ordonné aux verriers de déplacer leurs fonderies à Murano en 1291. Le verre de Murano est toujours associé au verre vénitien. Les différentes maisons dans lesquelles Vivien Leigh a vécu ont donné libre cours à son talent décoratif, créant une ligne ornementale éclectique et variée basée sur la collection d'objets luxueux, sophistiqués et de grande qualité.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 14 - Ensemble de deux vases ; Murano, vingtième siècle. Verre filigrané. L'un d'eux porte des initiales gravées à la roue. CH Dimensions : 25,5 x 8,5 x 8,5 x 8,5 cm ; 22 x 8,5 x 8,5 x 8,5 x 8,5 cm. La grande valeur du verre de Murano s'explique par le processus artisanal et secret de ses fabricants. Fabriqué sur l'île italienne de Murano, ce verre possède des propriétés particulières et offre des couleurs et des formes qui ne ressemblent à aucun autre verre. L'histoire de la fabrication du verre de Murano remonte au 8e siècle. Au XIIe siècle, Venise était devenue extrêmement populaire pour son verre de qualité. Pour que l'activité verrière reste unique et rentable, une loi a été adoptée en 1271 stipulant qu'aucun verre étranger ne pouvait être importé pour la fabrication et qu'aucun travailleur étranger ne pouvait être embauché. Toutefois, au XIIIe siècle, tous les fours de verrerie ont été déplacés de Venise à Murano en vertu d'une loi, car les incendies qui s'y produisaient représentaient un grand risque pour les structures en bois de Venise. Ces deux lois combinées font que le verre de Murano est encore aujourd'hui unique, créé par des artistes et des artisans d'un petit groupe d'îles en Italie. Les secrets de la fabrication du verre ont été transmis de père en fils et de maître à apprenti.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 15 - École espagnole ; XXe siècle. "Fallera". Huile sur toile. Le cadre est endommagé. Dimensions : 38 x 30 cm ; 53 x 45 cm (cadre). Portrait féminin dans lequel l'auteur ne présente que le buste de la protagoniste. La femme montre son visage légèrement incliné, dans lequel on peut observer une coiffure élaborée qui fait allusion à celles que les falleras ont l'habitude de porter. Le coup de pinceau rapide et lâche permet à l'image de créer une image naturelle, semblable à un instantané. Traditionnellement, la peinture et la littérature espagnoles des XIXe et XXe siècles s'intéressent aux coutumes et aux types populaires. Sorolla lui-même a déclaré : "Je veux donner, toujours dans le vérisme de mon école, une représentation de l'Espagne ; je ne cherche pas de philosophies, mais le pittoresque de chaque région". Cette tendance s'est répandue dans toutes les provinces d'Espagne, l'Andalousie étant la plus célèbre dans la représentation de la vie populaire. Par conséquent, ce type d'œuvre était très courant et apprécié dans l'art espagnol du dix-neuvième siècle jusqu'au vingtième siècle. La création de modèles populaires dépeints à travers une vision idyllique où l'auteur est influencé par un héritage esthétique et romantique, s'est développée au cours de la seconde moitié du XIXe siècle et a donné lieu à une conception localiste du paysage, dans des œuvres qui reflètent l'amour de la terre elle-même et la beauté et le lyrisme du quotidien, de la proximité, de la familiarité. Il y a des dégâts dans le cadre.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 16 - Anonyme ; 20e siècle. "Anatomie féminine". Huile sur toile. Relié. Dimensions : 53 x 35 cm. Huile sur toile représentant un corps féminin. L'artiste pose la scène comme un exercice technique pour comprendre les dimensions et les proportions anatomiques de la femme. Cela se comprend par l'absence d'achèvement sur la toile. Il est à noter que les tonalités utilisées par l'auteur confèrent à la scène une charge émotionnelle qui va au-delà de la simple étude anatomique.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 17 - École espagnole ; XXe siècle. Sans titre, 1904. Huile sur panneau. Signée, datée et dédicacée Dimensions : 16,5 x 27 cm ; 31 x 40 cm (cadre). Dans cette œuvre, l'artiste présente une vue concrète d'un paysage. Complètement vide et sans aucun signe de présence humaine, l'auteur fixe son regard sur l'exubérance du paysage, donnant ainsi tout le protagonisme à la nature. Le choix d'un moment précis et la technique des coups de pinceau longs et lâches montrent la grande influence de l'impressionnisme sur l'esthétique de cette peinture.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 18 - École espagnole ; XXe siècle. Sans titre. Huile sur toile. Dimensions : 30 x 18 cm ; 45 x 32 cm (cadre). Traditionnellement, la peinture et la littérature espagnoles des XIXe et XXe siècles s'intéressent aux coutumes et aux types populaires. Sorolla lui-même commentait : "Je veux donner, toujours dans le vérisme de mon école, une représentation de l'Espagne ; je ne cherche pas de philosophies, mais le pittoresque de chaque région". Cette tendance s'est répandue dans toutes les provinces d'Espagne. Ce type d'œuvre était très courant et apprécié dans l'art espagnol du 19e siècle jusqu'au début du 20e siècle.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 19 - École anglaise ; vers 1900. "Oiseaux". Aquarelle sur papier. Présente des dommages au cadre. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 27 x 19 cm ; 42 x 32 cm (cadre). Aquarelle sur papier dont la composition et le format indiquent que l'œuvre a été conçue à l'origine comme un ornement à caractère architectural, puisqu'une zone est dépourvue de dessin, comme s'il s'agissait de la limite d'une travée. Tant le choix du sujet, avec des oiseaux et des éléments végétaux, que l'esthétique de l'œuvre montrent une influence évidente du mouvement Arts & Crafts et des créations de l'artiste William Morris (Walthamstow, 1834-Londres, 1896). Elle présente des dommages dans le cadre.

Estim. 200 - 250 EUR

Lot 20 - École symboliste ; vers 1890. "Buste de femme". Marbre sculpté. Signé. Dimensions : 15 x 15 x 10 cm. Buste féminin en marbre blanc représentant une jeune femme aux paupières closes et au visage légèrement incliné, dont les traits harmonieux sont mis en valeur par la coiffure ondulée. Les symbolistes considéraient que l'art devait viser à capturer les vérités les plus absolues, qui ne pouvaient être saisies que par des méthodes indirectes et ambiguës, d'où la référence constante au symbole et à la métaphore. Dans le cas de cette œuvre, le centre absolu de la représentation est son contenu poétique, capturé par une belle femme émergeant du marbre lui-même.

Estim. 250 - 350 EUR

Lot 21 - Ensemble de trois coupes, deux vases et une coupe ; Espagne, XXe siècle. Verre. Dimensions : 15,5 x 13 x 13 cm (la plus grande) ; 2,5 x 12 x 10 cm (la plus petite), Ensemble composé de trois coupes, deux vases et une coupe en vidrui. Chacune des pièces présente une typologie et une ornementation différentes, à l'exception de deux des coupes ou verres qui forment une paire. Dans tous les cas, l'esthétique est clairement d'inspiration Art déco.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 22 - D'après ANTOINE-LOUIS BARYE (France, 1795 - 1875). "Lion". Édition du 20e siècle. Bronze collé sur bois. Signé. Dimensions : 21 x 41 x 3 cm (bronze). Sculpteur clé du romantisme français, Barye a commencé sa formation auprès de son père, orfèvre, puis l'a prolongée avec les professeurs François Joseph Bosio et Antoine-Jean Gros, à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, où il est entré en 1818. Ses sculptures animalières, largement initiatrices du genre, sont particulièrement appréciées. Il possède sa propre fonderie, collabore avec Viollet-le-Duc sur un projet commandé par Napoléon III et est le professeur d'Auguste Rodin. Il présente ses œuvres au Salon de Paris et réalise des monuments comme le "Lion au serpent" du jardin des Tuileries (1833), commandé par le roi. Il est actuellement représenté aux musées du Louvre et d'Orsay à Paris, à la National Gallery de Londres, à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, à l'Albertina de Vienne, à l'Art Institute de Chicago et au Smithsonian de Washington D.C., entre autres musées du monde entier.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 23 - Table à rallonge Art Nouveau ; 20e siècle. Bois de chêne. Montre des signes d'usure et des défauts. Dimensions : 81 x 139 x 119,5 cm (fermé ; 82 x 266,5 x 119 cm). Table de salle à manger de style Art nouveau, entièrement réalisée en bois de chêne choisi pour la chaleur de son ton et la beauté de son veinage. Elle présente une structure aux lignes épurées, adoucies par de simples contours courbes, qui confèrent aux formes un certain aspect organique sans renoncer à la puissance expressive de la géométrie. La table a un plateau rectangulaire. Sous le plateau se trouvent deux ailes latérales qui permettent d'agrandir la surface. Les pieds sont clairement d'inspiration organique et stylisés, plus étroits vers la base, comme il était courant dans le design des meubles de l'époque. Le meuble présente des traces d'usure et des défauts.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 24 - Cabinet ; premier tiers du vingtième siècle. Bois de pin et ferrures en laiton doré. Elle possède un miroir et conserve la clé. Il présente de légers défauts et une certaine usure. Dimensions : 166 x 100,5 x 42,5 cm. Armoire en bois de pin avec des portes en verre et des côtés en verre transparent qui permettent d'observer l'intérieur sous différents angles. La structure est géométrique, à dominante rectangulaire, mais avec des profils arrondis qui adoucissent les arêtes, comme on peut le voir notamment dans le dessin des quatre pieds. La structure de l'armoire est surmontée d'un miroir qui ferme l'ensemble. Il est évident que les détails ornementaux de la pièce, réduits aux trous de serrure et aux sculptures de la zone supérieure, sont inspirés d'éléments de la nature, mais clairement raffinés dans leurs formes et appropriés à l'esthétique du style Art déco. L'intérieur est compartimenté en trois étagères. Légers défauts et usures.

Estim. 800 - 1 200 EUR

Lot 25 - École espagnole ; XXe siècle. Sans titre. Huile sur toile. Signée au dos "Juan Miguel Palacios". Dimensions : 161 x 100 cm. Comme dans le reste de l'Europe, le portrait est devenu au XXe siècle le genre protagoniste par excellence de la peinture espagnole, conséquence des nouvelles structures sociales qui se sont implantées dans le monde occidental tout au long de ce siècle, incarnant l'expression maximale de la transformation du goût et de la mentalité de la nouvelle clientèle, née entre la noblesse et la haute bourgeoisie fortunée, qui allait prendre les rênes de l'histoire à cette époque. Alors que les milieux officiels privilégient d'autres genres artistiques, comme la peinture d'histoire, et que la collection naissante encourage la profusion de peintures de costumes, le portrait monopolise la demande d'une peinture destinée à la sphère plus privée, reflet de la valeur de l'individu dans la nouvelle société. Ce genre incarne la présence permanente de l'image de ses protagonistes, à apprécier dans l'intimité d'un atelier, dans la chaleur quotidienne d'un cabinet de famille ou en présidant les grandes salles de la maison.

Estim. 400 - 600 EUR

Lot 26 - ANDREAS KOMPATSCHER (Bolzano, 1864-1939). Pierre dure. Signé. Dimensions : 7,5 x 25 x 22 cm. Andreas Kompatscher étudie d'abord à l'Académie des beaux-arts de Munich, puis à Vienne. Il a travaillé à Rome en 1887, puis a collaboré à la construction du Burgtheater de Vienne avant de s'installer à Bolzano en 1890, où il a été professeur et directeur du département de sculpture sur pierre à l'École nationale de commerce à partir de 1909.

Estim. 400 - 600 EUR

Lot 27 - ÉMILE GALLÉ (1846-1904) Céramique émaillée et vernissée. Présente des petits cheveux sur la base. Signé. Dimensions : 15 x 13 x 7 cm. Émile Gallé commence sa carrière en travaillant pour son père, propriétaire d'une fabrique de verre et de céramique, à la réalisation de motifs floraux et héraldiques. Très intéressé par la botanique, il l'étudie en profondeur durant sa jeunesse, en alternance avec des cours de dessin. Entre 1862 et 1864, à la demande de son père, il voyage en Italie, en Angleterre et en Allemagne, s'intéressant aux arts appliqués mais aussi à des sujets qu'il retrouvera plus tard dans ses œuvres, comme la musique, la philosophie et la nature. À son retour, il s'installe à Meisenthal, où se trouvent les fours à verre de sa famille, afin d'apprendre pleinement le métier de verrier. Il se rend également à Londres et à Paris pour voir les collections de leurs musées. En 1874, il reprend l'usine de son père et connaît rapidement un grand succès international, remportant des prix lors d'expositions internationales et vendant des œuvres à de grandes collections et à des musées. Aujourd'hui, les pièces d'Émile Gallé se trouvent, entre autres, au musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, au Metropolitan Museum de New York, au musée d'Orsay de Paris, au musée Brohan de Berlin et au Victoria & Albert Museum de Londres. Il présente de petits cheveux à la base.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 28 - Boîte tantrique ; Tibet ou Laos, vers 1900. Bronze bleui. Dimensions : 17 x 13,5 x 8 cm ; 6 x 9 x 14,5 cm. Boîte tantrique en bronze bleui. La pièce présente une zone travaillée en haut-relief où l'on peut voir deux personnages pratiquant l'acte sexuel. Cette zone est recouverte par le couvercle haut qui se termine par un personnage assis à côté d'un crâne.

Estim. 1 000 - 1 500 EUR

Lot 29 - Étagére ; Art Nouveau ; premier tiers du 20e siècle. Bois de chêne. Dimensions : 134 x 76 x 38 cm. Étagére de style Art Nouveau en bois de chêne. Cette bibliothèque repose sur quatre pieds hauts qui apportent de la légèreté au meuble et permettent d'accéder à l'étagère inférieure. Le design des formes ajourées et ouvertes, basé sur l'utilisation de lignes fluides, apporte dynamisme et expressivité à la pièce, qui se termine par une structure supérieure plus petite aux lignes plus simples.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 30 - Vase Art nouveau ; France, fin du XIXe siècle. Verre. Il présente des traces d'usure et des rayures. Dimensions : 22 x 25 cm (diamètre). Vase en verre dont le design s'inspire de la nature, combinant ainsi la fluidité et l'aléatoire des formes de manière à dégager une esthétique de style Art nouveau, non seulement au niveau du design mais aussi de la structure.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 31 - Vase ; France, fin du XIXe siècle. Verre camée sur base en métal argenté. Signé Gallé. Dimensions : 26,5 x 12,5 cm. Vase en verre camée monté sur une base ronde en métal argenté, visible dans le profil du pied de la pièce. Le vase est en verre camée gravé à l'acide, avec un motif végétal naturaliste et asymétrique, basé sur de grands motifs, typiques du langage de Gallé. Lorsqu'un artisan terminait une pièce, Gallé l'inspectait et la signait comme sienne. Cette pratique a perduré quelques années après la mort de Galle en 1904, date à laquelle sa femme a repris le flambeau de la signature. Pendant un certain temps, chaque vase signé par l'épouse de Galle est marqué d'une étoile, ce qui indique son statut posthume.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 32 - Paire de violettes ; France, début du XXe siècle, Verre peint. Ils présentent des défauts et des usures. Dimensions : 21 x 9 cm, 15 x 7 cm : 21 x 9 cm, 15 x 7 cm. Paire de violettes en verre peint. Les deux ont un design similaire, mais pas identique, avec une base ronde qui se rétrécit en un corps tubulaire qui se termine par une bouche plate. L'ornementation est composée d'éléments végétaux peints, mettant en valeur les fleurs de violettes disposées de manière aléatoire sur la surface de chacune des pièces. Elles présentent des défauts et des usures.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 33 - Vase ; France, vers 1900. Verre camée. Signé. Dimensions : 19,5 x 9 x 9 x 9 cm. En fait, le verre camée est connu depuis l'Antiquité, bien qu'il ait été remis au goût du jour à la fin du XIXe siècle en France et en Angleterre. Gallé a présenté sa technique du camée à l'acide à l'Exposition de Paris de 1889, dans le but de faire connaître le verre moderniste au public. Il s'agissait d'une forme de décoration plus rapide et moins coûteuse que le camée gravé à la roue, ce qui permettait d'obtenir des pièces plus abordables, produites en série, mais faites à la main, car aucun gabarit n'était utilisé, mais le motif était dessiné à la main sur chaque pièce. La technique du camée consiste à souffler une bulle de deux ou plusieurs couches de verre de couleurs différentes, qui sont ensuite gravées ou enlevées par refonte à l'acide de la partie inférieure, laissant ainsi le motif en relief, dans la couleur de la couche de verre supérieure.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 34 - Vase ; France, vers 1900. Verre camée. Signé Bendor. Dimensions : 10,5 x 10 x 10 cm. En réalité, le verre camée est connu depuis l'Antiquité, bien qu'il ait été remis au goût du jour à la fin du XIXe siècle en France et en Angleterre. Gallé a présenté sa technique du camée à l'acide à l'Exposition de Paris de 1889, dans le but de faire connaître le verre moderniste au public. Il s'agissait d'une forme de décoration plus rapide et moins coûteuse que le camée gravé à la roue, ce qui permettait d'obtenir des pièces plus abordables, produites en série, mais faites à la main, car aucun gabarit n'était utilisé, mais le motif était dessiné à la main sur chaque pièce. La technique du camée consiste à souffler une bulle de deux ou plusieurs couches de verre de couleurs différentes, qui sont ensuite gravées ou enlevées par refonte à l'acide de la partie inférieure, laissant ainsi le motif en relief, dans la couleur de la couche de verre supérieure.

Estim. 150 - 250 EUR

Lot 35 - Ensemble de trois onguents ; Murano, vingtième siècle. Verre plié et millefiori. L'un d'entre eux porte une signature. Dimensions : 9 x 6 x 6 x 6 cm (plus grand) ; 8 x 6,5 x 6,5 cm (plus petit). Ensemble composé de trois vases, dont deux sont ornés de Millefiori, une technique de verrerie qui produit des motifs décoratifs distinctifs sur les objets en verre. Le terme millefiori est une combinaison des mots italiens "mille" (mille) et "fiori" (fleurs). La réputation de Murano en tant que centre verrier est née lorsque la République de Venise, craignant les incendies et la destruction des bâtiments en bois de la ville, a ordonné aux verriers de déplacer leurs fonderies à Murano en 1291. Le verre de Murano est toujours associé au verre vénitien. Les différentes maisons dans lesquelles Vivien Leigh a vécu ont donné libre cours à son talent décoratif, créant une ligne ornementale éclectique et variée basée sur la collection d'objets luxueux, sophistiqués et de grande qualité.

Estim. 100 - 150 EUR

Lot 36 - Ensemble de trois vases ; Murano, seconde moitié du XXe siècle. Verre. Ils présentent des défauts. Dimensions : 15 x 7,5 cm (plus grand), 20 x 10,5 x 10,5 cm. Ensemble de trois vases en verre soufflé de Murano à décor de murrine. Les pièces suivent le style de Fratelli Toso, l'un des principaux verriers à l'origine de la renaissance de l'art du verre sur l'île de Murano, qui a participé activement à un important processus de renouveau. Dans les premières décennies d'activité, la production était principalement basée sur l'imitation de l'art verrier du passé, mais à partir du début du XXe siècle, la production de verre soufflé et de verre classique s'est accompagnée de la redécouverte de la murrina, destinée à devenir la marque authentique de l'usine de Fratelli Toso. Ils présentent des défauts.

Estim. 100 - 150 EUR

Lot 37 - Plafonnier ; France, première moitié du XXe siècle. Verre émaillé. Dimensions : 40 x 56 x 56 cm. Plafonnier avec structure en métal doré qui soutient l'abat-jour en verre. Celui-ci présente un design concave de profil rond avec une finition verte expressive avec des ornements colorés qui représentent une veine marbrée. Il offre un éclairage doux et diffus qui apporte une grande valeur esthétique à tout espace intérieur.

Estim. 100 - 150 EUR

Lot 38 - Peut-être GEORGES LAPORTE (1845-1926). "Caricature d'une vieille femme, vers 1900. Faïence. Dimensions : 21 x 10 x 11 cm. Sculpture en terre cuite représentant un personnage caricatural. Le buste féminin nous montre un visage vieilli aux traits agressifs volontairement déformés à partir d'un nez proéminent et d'une mâchoire saillante. Le sourire impudent exhibe une bouche édentée grotesque et de nombreuses rides sillonnent les joues et le front qui se plisse sous les sourcils arqués.

Estim. 100 - 150 EUR

Lot 39 - PEDRO MERCEDES (Cuenca, 1921-2008). Cruches, vers 1980. Faïence, grattée et partiellement monochrome. L'une des pièces est manquante à la base. Signé. Dimensions : 13,5 x 9,5 x 9,5 cm ; 13 x 17 x 17 x 17 cm : 13,5 x 9,5 x 9,5 cm ; 13 x 17 x 17 x 17 cm. Potier exceptionnel, Pedro Mercedes a travaillé la céramique d'une manière exceptionnelle, transformant l'argile, l'ouvrant entre ses mains, toujours avec le tour de potier à portée de main, à la recherche de l'expression maximale de ses œuvres. Sa vaste production expérimente le monde des formes et des volumes, remodelant des concepts tels que le taureau ibérique ancestral, les chevaux, les cerfs, les dieux et même les héros, que Mercedes a lui-même définis dans ce monde magique dans lequel le potier s'immerge. Des personnalités artistiques ont approché la poterie où Mercedes a modelé ses œuvres brillantes, et c'est de là que sont nées des pièces destinées à toutes les parties de la scène nationale et internationale. Picasso lui-même, un artiste que Pedro Mercedes admirait, a reçu certaines pièces en commentant : "Le même lutin m'a touché" : Le même lutin m'a touché, ainsi que le potier de Cuenca". En fait, en 2018, une exposition très remarquée a eu lieu à Navarrete, dans la Rioja, dans laquelle des pièces de Mercedes et de Picasso coexistaient avec d'autres pièces de grands artistes comme Dalí, Miró, Palencia, Sarachaga, Sanguino ou Faus, entre autres potiers, étaient exposées. L'une des pièces est manquante à la base.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 40 - PEDRO MERCEDES (Cuenca, 1921-2008). "Tête de chèvre", 1960. Faïence et monochrome. Présente une restauration sur l'une des cornes. Signé. Dimensions : 27 x 15,5 x 15 cm. Potier hors pair, Pedro Mercedes a travaillé la céramique de manière exceptionnelle, transformant l'argile, l'ouvrant entre ses mains, toujours avec la maçonnerie à portée de main, à la recherche de l'expression maximale de ses œuvres. Sa vaste production expérimente le monde des formes et des volumes, remodelant des concepts tels que le taureau ibérique ancestral, les chevaux, les cerfs, les dieux et même les héros, que Mercedes a lui-même définis dans ce monde magique dans lequel le potier s'immerge. Des personnalités artistiques ont approché la poterie où Mercedes a modelé ses œuvres brillantes, et c'est de là que sont nées des pièces destinées à toutes les parties de la scène nationale et internationale. Picasso lui-même, un artiste que Pedro Mercedes admirait, a reçu certaines pièces en commentant : "Le même lutin m'a touché" : Le même lutin m'a touché, ainsi que le potier de Cuenca". En fait, en 2018, une exposition très remarquée a eu lieu à Navarrete, dans la Rioja, dans laquelle des pièces de Mercedes et de Picasso coexistaient avec d'autres pièces de grands artistes comme Dalí, Miró, Palencia, Sarachaga, Sanguino ou Faus, entre autres potiers, étaient exposées. L'une des cornes a été restaurée.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 41 - PEDRO MERCEDES (Cuenca, 1921-2008). "Vase", vers 1980. Faïence cuite rayée et partiellement monochrome. Présente une ligne de fracture au niveau de la lèvre. Dimensions : 38 x 11 x 11 cm. Potier hors pair, Pedro Mercedes a travaillé la céramique de manière exceptionnelle, transformant l'argile, l'ouvrant entre ses mains, toujours avec la maçonnerie à portée de main, à la recherche de l'expression maximale de ses œuvres. Sa vaste production expérimente le monde des formes et des volumes, remodelant des concepts tels que le taureau ibérique ancestral, les chevaux, les cerfs, les dieux et même les héros, que Mercedes a lui-même définis dans ce monde magique dans lequel le potier s'immerge. Des personnalités artistiques ont approché la poterie où Mercedes a modelé ses œuvres brillantes, et c'est de là que sont nées des pièces destinées à toutes les parties de la scène nationale et internationale. Picasso lui-même, un artiste que Pedro Mercedes admirait, a reçu certaines pièces en commentant : "Le même lutin m'a touché" : Le même lutin m'a touché, ainsi que le potier de Cuenca". En fait, en 2018, une exposition très remarquée a eu lieu à Navarrete, dans la Rioja, dans laquelle des pièces de Mercedes et de Picasso coexistaient avec d'autres pièces de grands artistes comme Dalí, Miró, Palencia, Sarachaga, Sanguino ou Faus, entre autres potiers, étaient exposées. Elle présente une ligne de fracture dans la zone des lèvres.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 42 - MIGUEL HERNÁN SANZ (Cuenca, seconde moitié du XXe siècle). et autres, Faïence, grattée et partiellement monochrome. Elles présentent de légers défauts. Signé. Dimensions : 20,5 x 16 x 13 cm (plus grand) ; 9 x 5 x 5 x 5 cm (plus petit). Ensemble de quatre récipients polychromes inspirés des céramiques de personnages noirs de l'Antiquité classique, caractérisés par un décor de silhouettes en noir sur fond rouge sur plusieurs d'entre eux. Ils présentent des défauts mineurs.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 43 - EMMANUEL FRÉMIET (France, 1824-1910). "Héron chassant une grenouille". Bronze doré sur socle de marbre. Présente signature et inscription. Dimensions : 8,5 x 16,5 x 4,5 cm : 8,5 x 16,5 x 4,5 cm. Emmanuel Frémiet était un sculpteur français. Il était le neveu et le disciple du sculpteur François Rude. Il est également lié à l'école réaliste. En 1853, Frémiet, "le plus grand sculpteur animalier de son temps", expose au Salon de Paris des sculptures en bronze de Napoléon III. Entre 1855 et 1859, il réalise une série de statuettes militaires pour l'empereur. Il exécute sa statue équestre de Napoléon Ier en 1868 et celle de Louis d'Orléans en 1869, au château de Pierrefonds, et en 1874 la première statue équestre de Jeanne d'Arc, érigée sur la place des Pyramides à Paris, qui sera remplacée par une autre version complète en 1889. C'est également à cette époque qu'il exécute le Pain et les chiots, également acquis par le musée du Luxembourg et aujourd'hui conservé au musée d'Orsay.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 44 - Attribué à FRIEDRICH GOLDSCHEIDER (Pilsen, Bohème, 1845 - Vienne, Autriche, 1897). Plâtre. Signé et numéroté. Dimensions : 17,5 x 7,5 x 5 cm. En 1885, le sculpteur Friedrich Goldscheider quitte sa ville natale de Plze ? pour s'installer à Vienne, où il fonde sa propre manufacture de pièces en terre cuite. Il devient rapidement l'un des artistes les plus influents dans les domaines de la céramique et du bronze, avec des magasins en Autriche, à Paris, à Leipzig, à Berlin et à Florence. Pendant plus d'un demi-siècle, l'entreprise Goldscheider, considérée comme la meilleure fabrique de terre cuite moderniste, a créé des chefs-d'œuvre de l'historicisme, de l'Art nouveau et de l'Art déco. Le fondateur a su attirer dans son usine aussi bien des artistes reconnus que de jeunes innovateurs, de sorte que de grands céramistes de l'époque, tels que W. Bosse, B. Geiger, J. Lorenzl, I. Meisinger et M. Powolny, entre autres, y ont travaillé. Après la mort de Goldscheider, l'usine fut reprise par sa veuve Regina, qui continua à produire les modèles de son mari, ainsi que de nouveaux modèles créés par des artistes ayant travaillé pour l'entreprise, comme D. Chiparus pendant la période Art déco. Jusqu'à sa fermeture avec la montée du national-socialisme, plus de quatre mille modèles différents ont été fabriqués dans l'usine, tant par Goldscheider lui-même que par d'autres auteurs. Dès le début, l'usine a remporté une multitude de récompenses, de premiers prix et de médailles d'or lors d'innombrables foires mondiales, expositions et salons. Aujourd'hui, ses pièces sont très recherchées par les collectionneurs du monde entier. Elles peuvent actuellement être admirées dans divers musées du monde entier, tels que le Fine Arts Museum of San Francisco, le Metropolitan Museum of Art de New York ou le Minneapolis Institute of Arts. En 2007, les œuvres de Goldscheider ont été exposées au musée de Vienne et, l'année suivante, au LBI de New York.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 45 - Modèle de vase en forme de libellule ; CHRISTOFLE, première décennie du vingtième siècle. Métal argenté. Numéro de série 4841. Marques de présence sur la base. Dimensions : 18 x 7 x 4,5 cm. Christofle a été fondé en 1830, lorsque le joaillier Charles Christofle a repris la direction d'un atelier de bijouterie appartenant à la famille de sa femme. Les lignes de produits Christofle comprennent des cadres en argent, des vases et des verres en cristal, de la vaisselle en porcelaine et des bijoux en argent. La fabrication des pièces Christofle fait appel à des techniques de fabrication traditionnelles, notamment le travail au marteau, l'estampage du fil, la ciselure et la gravure pour la finition, ainsi que les patines, les émaux, le cloisonné et le laquage pour les couleurs, la forge de la coutellerie.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 46 - D'après PIERRE JEAN DAVID (Angers, 1788-Paris, 1856) ; XXe siècle. "Joséphine Bonaparte". Plâtre. Présente inscription et signature. Mesure 17,5 cm (diamètre). Relief en plâtre polychrome représentant le buste de profil de Joséphine Bonaparte. L'œuvre suit les modèles de Pierre-Jean David, sculpteur français, médailleur et maçon actif. Il adopte le nom de David d'Angers, suite à son entrée dans l'atelier du peintre Jacques-Louis David en 1809, pour exprimer son héritage et se distinguer du maître peintre.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 47 - JULIUS MÜLLER SALEM (1865- 1946) pour THEODOR FAHRNER (1859 -1919). Argent 900, nacre et pierres dures. Marques au dos. Dimensions : 7 x 4,5 cm. Theodor Fahrner était un graveur sur acier et un créateur de bijoux de Pforzheim, en Allemagne. Il était connu pour ses pièces Art nouveau et Jugendstil, produites à des prix abordables. Après sa mort, son entreprise est devenue l'une des plus connues de l'Art déco. Il a reçu une formation artistique à la Kunstgewerbeschule de Pforzheim. Theodor Fahrner, son père, possédait une fabrique de bagues et, à sa mort en 1883, le jeune Theodor Fahrner a repris les rênes. En 1895, il en est l'unique propriétaire. Sa percée est enfin couronnée par la présentation des bijoux conçus par Max J. Gradl à l'Exposition universelle de Paris en 1900, où il reçoit une médaille d'argent.

Estim. 100 - 150 EUR

Lot 48 - Heron ; Royal Copenhagen, 1923. Porcelaine émaillée et vernissée. Marques sur la base. Dimensions : 27,5 x 14 x 9 cm : 27,5 x 14 x 9 cm. Sculpture en porcelaine émaillée représentant un héron stylisé. Royal Copenhagen, officiellement Royal Porcelain Factory (Den Kongelige Porcelænsfabrik) a été fondé dans la capitale danoise en mai 1775 sous la protection de la reine Juliane Marie.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 49 - D'après PIERRE JULES MÊNE (Paris, 1810 - 1879). "Le coq". Bronze doré. Signé. Dimensions : 14,5 x 10,5 x 6,5 cm. Disciple de René Compaire, Mêne travaille essentiellement le bronze, se spécialisant dans les thèmes de chasse et les groupes équestres. Il est d'ailleurs actuellement le sculpteur animalier le plus connu après Barye. Il débute au Salon de Paris en 1832 et y expose jusqu'à sa mort, obtenant une médaille de troisième classe en 1855, de deuxième classe en 1878, de première classe en 1852 et en 1861. En 1861, il est nommé chevalier de la Légion d'honneur. Il est représenté dans les musées des beaux-arts de La Rochelle, Agen, Béziers, Dijon et Rouen, au palais de Fontainebleau et aux musées du Louvre, Carnavalet et des Arts décoratifs de Paris, au Courtauld Institute de Londres, à l'Art Institute de Chicago, au Museum of Fine Arts de Boston et au Walters Museum de Maryland, parmi beaucoup d'autres.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 50 - École espagnole, XXe siècle. "Chien". Terre cuite et émaillée à l'étain. Signé "Vallmitjana". Dimensions : 21,5 x 20,5 x 14 cm : 21,5 x 20,5 x 14 cm. Sculpture de forme ronde et massive en argile cuite et émaillée d'étain dans laquelle est représentée la figure d'un chien. Le corps et le visage sont travaillés en prenant soin de la bonne anatomie, donnant une idée des proportions classiques, selon une vision réaliste de l'anatomie propre à l'animal.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 51 - École française ; 20e siècle. "Chien". Terre cuite patinée. Il présente de légères pertes. Signé R. Bonet. Dimensions : 16,5 x 13,5 x 13 cm. Sculpture de forme ronde en terre cuite patinée représentant la figure d'un chien pékinois. Le corps et le visage sont travaillés en prenant soin d'une anatomie juste, donnant une idée de proportion classique, selon une vision réaliste de l'anatomie de l'animal.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 52 - GEORGES VAN DER STRAETEN (Belgique, 1856-1941). "Buste d'un jeune homme". Bronze patiné sur socle en marbre. Présente la signature et le sceau. Dimensions : 19,5 x 10 x 8 cm. Georges Van der Straeten a d'abord travaillé comme avocat ; à partir de 1882, il a été l'élève des sculpteurs Jef Lambeaux et Gustave Kasteleyn (1848-1900). En 1883, il quitte Gand et s'installe à Paris, où il expose dans les salons de la Société des Artistes Français de 1885 à 1912. Il compte parmi ses amis les peintres belges Jan van Beers et Rik Wouters. Il reçoit plusieurs récompenses, dont une médaille d'argent à l'Exposition universelle de Paris en 1900 ; en 1903, il est fait chevalier de la Légion d'honneur. Artiste de la Belle Époque, il se situe à la charnière entre le néoclassicisme et l'Art nouveau. Ses œuvres témoignent de sa grande maîtrise technique et de la qualité de son travail ; ses matériaux de prédilection sont le bronze, la chryséléphantine et la terre cuite. Il réalise de nombreuses sculptures et bustes de jeunes Parisiennes fantaisistes, gracieuses et séduisantes, dans le "style attachant des sculpteurs du XVIIIe siècle".

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 53 - D'après HANS MÜLLER (Autriche, 1873-1937). "Femme endormie". Résine. Signé au dos. Dimensions : 12,5 x 12,5 x 7,5 cm : 12,5 x 12,5 x 7,5 cm. Hans Müller a étudié à l'Académie de Vienne, où il a été l'élève d'Edmund Hellmmer. Il est surtout connu pour ses bustes de personnalités viennoises célèbres, comme celui de Beethoven et du poète Robert Burns, ainsi que de Napoléon Bonaparte. Il a également réalisé de nombreuses scènes de la vie quotidienne et des types populaires. Son œuvre est conservée au Musée national d'art de Bucarest, en Hongrie.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 54 - ERNST BECK (Autriche, 1879-1941) "Perroquet". Albâtre sculpté et yeux en verre. Présente des défauts et des restaurations. Signé. Dimensions : 27,5 x 26 x 12,5 cm. Sculpture ronde en albâtre sculpté et yeux de verre représentant la figure d'un perroquet. Le corps et le visage sont travaillés en prenant soin de la bonne anatomie, donnant une idée des proportions classiques, selon une vision réaliste de l'anatomie de l'animal. Il présente des défauts et des restaurations.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 55 - D'après FRÉDERIC AUGUSTE BARTHOLDI (Colmar, 1834-Paris, 1904). "Lion de Belfort". Bronze patiné. Signé et portant le cachet de la fonderie. Dimensions : 8 x 3,5 x 12 cm. Frédéric Auguste Bartholdi était un sculpteur et peintre français. En 1853, Bartholdi a présenté un groupe sculptural sur le thème du Bon Samaritain au Salon de Paris de 1853. La statue a ensuite été recréée en bronze. Deux ans après ses débuts au Salon, sa ville natale de Colmar lui commande une sculpture en bronze de Jean Rapp, général napoléonien. En 1855 et 1856, Bartholdi parcourt le Yémen et l'Égypte avec des compagnons de route tels que Jean-Léon Gérôme et d'autres peintres "orientalistes". En 1869, Bartholdi retourne en Égypte pour proposer la construction d'un nouveau phare à l'entrée du canal de Suez qui vient d'être achevé. Le phare, qui devait s'intituler L'Égypte apporte la lumière à l'Asie et prendre la forme d'une immense figure drapée tenant une torche, n'a pas été commandé. Le khédive et Lesseps ont tous deux rejeté la proposition de statue de Bartholdi en invoquant son coût élevé.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 56 - D'après PIERRE LAUREL (France, fin XIXe - début XXe siècle). "Chèvre". Bronze bleui. Formé et avec cachet de fondation. Dimensions : 13,5 x 17 x 7 cm. Au cours du dix-neuvième siècle, la sculpture animalière atteindra enfin un statut à part entière, dans le contexte de la sculpture romantique. Cherchant à rompre avec l'idéal sculptural classique, de nombreux artistes ont vu dans le thème animalier un nouveau moyen d'expression, lié à la nature émotionnelle et irrationnelle, dans un sens purement romantique. Sculpteur français de l'époque Art déco, Pierre Laurel est surtout reconnu pour ses figures de danseuses, jeunes filles nues aux mouvements élégants, dans des compositions dynamiques et géométriques, typiques de l'époque. Il a surtout travaillé la sculpture de moyen et petit format, en bronze et dans d'autres matériaux. Aujourd'hui, il est principalement représenté dans des collections privées.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 57 - CARL KAUBA (Vienne, 1865-1922). "Dragon et femme nue". Bronze doré sur socle en marbre. Le marbre présente de légers défauts. Signé. Dimensions : 7,5 x 17 x 8 cm : 7,5 x 17 x 8 cm. Carl Kauba a étudié à l'Académie des beaux-arts de Vienne avec le professeur Laufenberg. Plus tard, il étudiera dans les académies avec Carl Waschmann et Stefan Schwartz et se rendra à Paris en 1886 pour approfondir ses études. La fascination de Kauba pour l'Occident est alimentée par les récits de l'écrivain allemand Carl May, dont les récits d'aventures occidentales sont connus dans toute l'Europe. On a suggéré que Kauba avait voyagé dans l'Ouest américain alors qu'il avait une vingtaine d'années et qu'il était peut-être rentré en Autriche avec de volumineuses notes, des croquis et plusieurs modèles de sculptures occidentales. La finition polychrome, les détails complexes et les formes réalistes font des sculptures de Kauba d'excellents exemples de bronzes viennois du début du siècle. La plupart ont été coulées pour le marché américain entre 1895 et 1912 et ont fait l'objet d'une large publicité et ont été vendues par Latendorfer à New York dans les années 1950.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 58 - AURELIO TENO TENO (Mina del Soldado, 1927 - Cordoue, 2013). Animaux (x4). Coquillages, pierres dures, quartz et montures en métal argenté. Ils ont des défauts. Ils ont une base en onyx. Avec des étiquettes sur la base. Dimensions : 21 x 19 x 5 cm (plus grand) ; 12 x 6 x 9 x 9 cm (plus petit). Aurelio Teno Teno était un sculpteur et peintre espagnol connu pour ses interprétations de Don Quichotte, représenté comme le premier cosmonaute de l'histoire. Entre 1936 et 1943, il a vécu à Cordoue où il a reçu sa formation artistique. D'abord comme apprenti dans l'atelier du sculpteur Amadeo Ruiz Olmos, puis dans un atelier d'orfèvrerie, et à partir de 1939 à l'École des arts et métiers de Cordoue, où il étudie la peinture et le dessin. En 1950, il s'installe à Madrid pour travailler comme orfèvre, puis à Paris où il vit pendant dix ans. Il y poursuit ses études en arts plastiques, influencé par Giacometti et l'expressionnisme. Il organise plusieurs expositions de peinture dans les galeries Salón del Art Libre, Palais des Beaux Arts et autres. Parallèlement, il se consacre à la création de bijoux-sculptures. En 1965, il retourne à Madrid, tout en installant son atelier au Molino del Cubo (Ávila), où il étudie de nouveaux procédés plastiques. Pendant cette période, il expose à l'Ateneo de Madrid. À partir de cette année-là, il entame une série d'expositions internationales à Copenhague, Paris, New York, Rabat et Saint-Louis (Missouri), obtenant une grande reconnaissance artistique et consolidant son prestige international en tant que sculpteur monumental en remportant le concours pour la réalisation de la sculpture de Don Quichotte qui sera érigée devant le Kennedy Center de Washington, en concurrence avec Salvador Dalí et José de Creeft. Il a finalement installé son atelier, ainsi qu'un musée consacré à son œuvre, dans l'ancien monastère de Pedrique (près de Villaharta), dans la municipalité de Pozoblanco.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 59 - JULES EDMON MASSON (France, 1871 - 1932). "Panthère". Bronze patiné et socle en pierre. Signé sur la base. Dimensions : 10 x 18,5 x 5,5 cm : 10 x 18,5 x 5,5 cm. Au cours du XIXe siècle, la sculpture animalière atteindra enfin un statut à part entière, dans le contexte de la sculpture romantique. Cherchant à se démarquer de l'idéal sculptural classique, de nombreux artistes ont vu dans le thème animalier un nouveau moyen d'expression, lié à la nature émotionnelle et irrationnelle, dans un sens purement romantique. Sculpteur français de la fin du XIXe siècle, spécialisé dans la représentation d'animaux, Jules Edmond Masson s'est principalement consacré à la sculpture de petit format, représentant aussi bien des animaux domestiques, principalement des chiens de chasse, que des animaux sauvages (cerfs, chèvres, lièvres, loups...). Il réalise également quelques portraits de Napoléon, en buste ou équestre, démontrant sa maîtrise de la représentation des chevaux. Il a participé au Salon de Paris, et est actuellement représenté dans des collections privées.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 60 - KLAUS MOHR pour GEBRUDER HEUBACH, vers 1916-1920. Porcelaine émaillée et vernissée. Signé et portant des cachets sur la base. Dimensions : 36 x 12,5 x 18,5 cm. Johann Heinrich Leder reçut en 1822 un privilège princier de Schwarzburg et fonda une manufacture de porcelaine. Dès 1840, l'usine est reprise par les frères Heubach. La participation aux expositions universelles de Paris (1900) et de Saint-Louis (1904) fut un grand honneur pour l'entreprise. Sous l'influence importante du sculpteur Wilhelm Krieger, la production se concentre sur les pièces figuratives. Otto Friedrich zu Ysenburg und Büdingen reprend l'entreprise en 1938. Peu avant la création de la RDA, la propriété est expropriée en 1948 et transformée en usine de porcelaine décorative Lichte (VEB).

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 61 - Vase ; Manufacture allemande ; vers 1900. Porcelaine émaillée et vernissée. Numéroté et situé sur la base. Dimensions : 17,5 x 15,5 x 13,5 cm. 17,5 x 15,5 x 13,5 cm. Vase en porcelaine émaillée d'esthétique Art déco dont le design est basé sur la figuration. La pièce est dominée par la présence de trois jeunes filles nues, thématiquement inspirées des trois grâces. Les jeunes filles, qui présentent une finition blanche polie, reposent sur le corps du vase qui reproduit des pétales de fleurs colorés.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 62 - Boîte à bijoux ; JENNINGS BROTHERS MANUFACTURING, vers 1900. Cuivre repoussé. Légers défauts à la base. Il y a un tampon sur la base. Dimensions : 13 x 17,5 x 16,5 cm. En 1891, la Jennings Brothers Manufacturing Company a ouvert son usine à Bridgeport, dans le Connecticut. Elle a poursuivi ses activités jusqu'au début des années 1900. En l'absence de production de masse, leurs méthodes étaient rigoureuses et méticuleusement détaillées. Ils s'appuyaient sur l'expertise d'artistes, de sculpteurs et de forgerons. Aujourd'hui encore, les œuvres d'art en métal des frères Jennings sont très prisées. La base présente de légers défauts.

Estim. 100 - 150 EUR

Lot 63 - D'après ANTONIN AIGON (France, 1837-1885) "Le rat et l'huître". Bronze doré et socle en marbre. Signé. Dimensions : 9 x 8 x 11 cm. Au cours des dix-neuvième et vingtième siècles, la sculpture animalière atteindra finalement un statut à part entière, dans le contexte de la sculpture romantique. Cherchant à rompre avec l'idéal sculptural classique, de nombreux artistes ont vu dans le thème animalier un nouveau mode d'expression, lié à la nature émotionnelle et irrationnelle, dans un sens purement romantique.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 64 - Paire d'animaux ; Espagne et France, XXe siècle. Bronze et cuivre, bases en bois et en marbre. Ils présentent des défauts. L'un d'eux est signé. Dimensions : 21,5 x 9,5 x 18 cm ; 20 x 18,5 x 12 cm. Au cours des dix-neuvième et vingtième siècles, la sculpture animalière atteindra enfin un statut à part entière, dans le contexte de la sculpture romantique. Cherchant à se démarquer de l'idéal sculptural classique, de nombreux artistes ont vu dans le thème animalier un nouveau moyen d'expression, lié à la nature émotionnelle et irrationnelle, dans un sens purement romantique. Ils présentent des fautes.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 65 - École française ; fin du XIXe siècle. "Nu féminin". Huile sur toile. Sans châssis. Elle a un cadre du XIXe siècle avec des défauts et des dommages causés par les xylophages. Présente une signature illisible dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 38 x 59 cm ; 55 x 78 cm (cadre). Nu féminin tournant le dos au spectateur. Les dessins académiques ont marqué un tournant dans la trajectoire des grands peintres. L'étude minutieuse de l'anatomie, des traits et de la posture de la personne représentée est devenue un élément clé pour comprendre les préceptes de base de la discipline picturale. De fait, des institutions telles que l'Académie des beaux-arts de San Fernando ont intégré dans leur programme d'enseignement la copie du modèle vivant à l'huile. Le dessin en question est un exemple de cette pratique. Les études sont souvent utilisées pour comprendre les problèmes liés à la représentation des sujets et pour planifier les éléments à utiliser dans les œuvres finies, tels que la lumière, la couleur, la forme, la perspective et la composition. Les études peuvent avoir plus d'impact qu'un travail plus élaboré en raison des nouvelles connaissances que l'artiste acquiert au fur et à mesure qu'il explore le sujet. Ces détails permettent de révéler les processus de pensée et les techniques de nombreux artistes. Les études remontent même au début de la Renaissance italienne, où les historiens de l'art ont conservé certaines des études de Michel-Ange. Le cadre de l'œuvre date du 19e siècle et présente des défauts et des dommages causés par les xylophages.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 66 - École espagnole ; vers 1900. "Patio avec oranges" et "Zaguán". Gouache sur papier collé sur carton. Dimensions : 49 x 31 cm ; 58,5 x 41,5 cm (cadre). Pièce intervenue sur les deux côtés. Sur l'une d'elles, on peut apprécier la branche d'un oranger qui se découpe sur un ciel bleu d'une grande intensité avec lequel contraste la chaleur du ton des oranges. L'autre scène a également pour base une tonalité bleue, plus froide dans ce cas. L'œuvre met en valeur le couloir d'une maison où l'on ne voit aucune figure humaine.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 67 - JEAN PIERRE HÉRON (Bordeaux,1861-1909) "Paysage". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 32,5 x 40,5 cm ; 40 x 47 cm (cadre). Jean-Pierre Héron a été l'élève du peintre paysagiste Hippolyte Pradelles. Il fait partie du groupe éphémère de Port-Berteau (1862-1863) avec Camille Corot ou Gustave Courbet, cet amour de la nature, ainsi que ses expérimentations picturales toujours plus novatrices, se sont transmis de Pradelles à son élève. Héron va plus loin dans la recherche plastique et esthétique, et s'approche de la ligne impressionniste pour saisir le mouvement de la nature et capter la lumière ambiante. A partir de 1889, il expose des paysages bucoliques au Salon de la Société des Artistes Français, où il développe un trait empâté, rendant les évolutions atmosphériques sur la verdure presque tactiles et tangibles.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 68 - École espagnole ; deuxième tiers du XXe siècle. "Nature morte". Huile sur toile. Dimensions : 44 x 53 cm ; 53 x 62 cm (cadre). La nature morte ou still life occupe le bas de la hiérarchie des genres dans l'histoire de l'art, mais elle est de plus en plus prisée par les acheteurs. Outre le sujet autonome de la nature morte, elle aborde d'autres types de thèmes picturaux en utilisant des éléments et des images marquants, généralement symboliques, qui s'inspirent d'une multitude d'éléments de la nature pour reproduire, semble-t-il, une tranche de vie.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 69 - RICARDO OPISSO I SALA (Tarragone, 1880 - Barcelone, 1966). "Scène de zoo". Crayon et aquarelle sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 23 x 28 cm ; 41 x 45,5 cm (cadre). Opisso était peintre, dessinateur et caricaturiste. Dans sa jeunesse, il a participé au milieu moderniste de Barcelone et, en 1894, il a commencé à travailler en tant qu'apprenti avec Antoni Gaudí dans les travaux de la Sagrada Familia. Deux ans plus tard, soutenu par l'architecte, il devient membre du Círculo Artístico de Sant Lluc, avec lequel il exposera plus tard à la Sala Parés. Il est lié au groupe Els Quatre Gats, avec Ramon Casas, Manuel Hugué, Isidre Nonell et Pablo Picasso, entre autres. À la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle, il se rend à Paris, où se trouvent déjà Picasso et Hugué. Tout au long de sa carrière, Opisso a travaillé comme illustrateur dans des publications telles que "Cu-cut !" et "L'Esquella de la Torratxa", signant des dessins orientés vers la satire politique, dans un style proche de l'Art nouveau. En 1907, il participe à l'exposition des beaux-arts de Barcelone et reçoit une médaille de troisième classe. En raison de la dictature de Miguel Primo de Rivera, Opisso abandonne la satire politique et ses dessins se rapprochent du thème costumbrista, se spécialisant dans les scènes populaires. Ses œuvres de cette période se caractérisent par la présentation de foules hétéroclites dans des scènes populaires de Barcelone. Après avoir exposé plusieurs fois de suite à la Sala Parés, il réalise sa première exposition individuelle en 1935, aux galeries Syra de Barcelone. Pendant la période d'après-guerre, il continue d'exposer dans différentes galeries de Barcelone et remporte un grand succès auprès de la critique et du public. En 1953, il reçoit la reconnaissance de sa ville natale lors de la IVe Foire d'art de Tarragone. La plupart de ses œuvres sont conservées au musée Opisso de Barcelone, mais elles sont également présentes au musée national d'art de Catalogne et au musée d'art moderne et contemporain de Strasbourg. En ce qui concerne les expositions, il convient de souligner celle qui s'est tenue au musée Thyssen-Bornemisza en 2004, sous le titre "Peinture catalane, du naturalisme au noucentisme", dans laquelle son œuvre "Carnaval" a été exposée.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 70 - MANUEL RAMOS ARTAL (Madrid, 1855 - 1900). "Paysage", 1890. Huile sur panneau. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 20 x 35 cm ; 30 x 45 cm (cadre). Peintre madrilène spécialisé dans le paysage, Ramos Artal a fait ses études à l'École spéciale de peinture, sculpture et gravure de San Fernando, à Madrid, où il a été le disciple de Carlos de Haes. Plus tard, il approfondit ses études en effectuant des voyages en Italie, en France, au Portugal, en Hollande et en Belgique. À partir de 1876, il envoie assidûment ses œuvres à des concours et à des expositions de toutes sortes, ce qui lui vaut une troisième médaille au concours national des beaux-arts de 1884 et un certificat de troisième médaille à l'édition de 1887. Auparavant, il avait été distingué en 1880 par la médaille de l'exposition régionale de Pontevedra et par la médaille de mérite de l'exposition organisée à Madrid par l'association des écrivains et des artistes la même année. Il a également participé aux expositions organisées au salon Herráiz et par les journaux "El Globo" et "El Porvenir". Manuel Ramos Artal est actuellement représenté au musée du Prado, à l'université et au musée de Saragosse, à la délégation du gouvernement de Logroño et au musée de La Rioja, entre autres.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 71 - École française ; début du XXe siècle. "Paysage avec église". Huile sur toile. Peint des deux côtés. Dimensions : 33 x 41 cm. Dans cette œuvre, l'artiste présente deux vues spécifiques. Dans les deux cas, complètement vides et sans aucun signe de présence humaine, l'auteur fixe son regard sur l'exubérance du paysage, en donnant toute l'importance à la nature. La lumière obtenue par l'artiste indique qu'il s'agit d'un moment précis de la journée. Le choix d'un moment précis et la technique des coups de pinceau longs et lâches montrent la grande influence de l'impressionnisme sur l'esthétique de ce tableau.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 72 - MANUEL RAMOS ARTAL (Madrid, 1855 - 1900). "Paysage", 1892. Huile sur panneau. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 29 x 16 cm ; 40 x 27 cm (cadre). Peintre madrilène spécialisé dans le paysage, Ramos Artal a fait ses études à l'École spéciale de peinture, sculpture et gravure de San Fernando, à Madrid, où il a été le disciple de Carlos de Haes. Plus tard, il approfondit ses études en effectuant des voyages en Italie, en France, au Portugal, en Hollande et en Belgique. À partir de 1876, il envoie assidûment ses œuvres à des concours et à des expositions de toutes sortes, ce qui lui vaut une troisième médaille au concours national des beaux-arts de 1884 et un certificat de troisième médaille à l'édition de 1887. Auparavant, il avait été distingué en 1880 par la médaille de l'exposition régionale de Pontevedra et par la médaille de mérite de l'exposition organisée à Madrid par l'association des écrivains et des artistes la même année. Il a également participé aux expositions organisées au salon Herráiz et par les journaux "El Globo" et "El Porvenir". Manuel Ramos Artal est actuellement représenté au musée du Prado, à l'université et au musée de Saragosse, à la délégation du gouvernement de Logroño et au musée de La Rioja, entre autres.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 73 - École espagnole ; 1839. "Portrait de femme". Huile sur toile. Cadre d'époque. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 39 x 29 cm ; 54 x 43 cm (cadre). Comme dans le reste de l'Europe, le portrait devient au XIXe siècle le genre protagoniste par excellence de la peinture française, conséquence des nouvelles structures sociales qui s'implantent dans le monde occidental tout au long de ce siècle, incarnant l'expression maximale de la transformation du goût et de la mentalité de la nouvelle clientèle, née entre la noblesse et la haute bourgeoisie fortunée, qui prendra les rênes de l'histoire à cette époque. Alors que les milieux officiels privilégient d'autres genres artistiques, comme la peinture d'histoire, et que la collection naissante encourage la profusion de peintures de costumes, le portrait monopolise la demande d'une peinture destinée à la sphère plus privée, reflet de la valeur de l'individu dans la nouvelle société. Ce genre incarne la présence permanente de l'image de ses protagonistes, à apprécier dans l'intimité d'un atelier, dans la chaleur quotidienne d'un cabinet de famille ou en présidant les pièces principales de la maison.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 74 - École espagnole ; fin du XIXe siècle. "Paysage". Huile sur carton. Présente des défauts. Dimensions : 30 x 46 cm ; 48 x 67 cm (cadre). Dans cette œuvre, l'artiste présente une vue concrète. Complètement vide et sans aucun signe de présence humaine, l'auteur fixe son regard sur l'exubérance du paysage, en donnant toute l'importance à la nature. La lumière obtenue par l'artiste indique qu'il s'agit d'un moment précis de la journée. Le choix d'un moment précis et la technique des coups de pinceau rapides et vibrants montrent la grande influence de l'impressionnisme sur l'esthétique de ce tableau. Présente des défauts.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 75 - École espagnole ; XIXe siècle. "Nature morte". Huile sur toile. Préserve le cadre d'époque. Signée M. Rodriguez dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 35 x 50 cm ; 55 x 75 cm (cadre). La nature morte qui nous occupe plonge ses racines dans la nature morte baroque. Nous nous trouvons devant une composition bigarrée centrée sur un espace clairement délimité, dans laquelle ressort le goût illusionniste du peintre, qui superpose certains éléments à d'autres, créant ainsi le typique trompe-l'œil baroque. La scène baigne dans une atmosphère dorée typique de la nature morte baroque.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 76 - JOSE FRANCO CORDERO (Jerez de la Frontera, 1851 - Madrid, 1892). "Paysage". Huile sur panneau. Signé Dimensions : 41 x 30 cm ; 55 x 44 cm (cadre). José Franco Cordero était un peintre paysagiste espagnol. Il signait F. Cordero, ce qui a donné lieu à une certaine confusion sur le marché de l'art. Élève de José Jiménez Aranda à l'École des beaux-arts de Séville et à l'École supérieure de peinture de San Fernando de Madrid avec Carlos de Haes, il s'oriente vers le paysage réaliste et le costumbrisme. Il participe aux expositions nationales de 1878 (Paysage), 1881 (L'après-midi) et 1892 (où il obtient une troisième médaille pour son Paysage). Son œuvre est conservée au musée du Prado et trois toiles au musée d'histoire de Madrid.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 77 - École française ou belge ; vers 1900. "Singe". Bronze bleui. Signé et portant le cachet de la fonderie. Dimensions : 22,5 x 12,5 x 14 cm. Au cours des dix-neuvième et vingtième siècles, la sculpture animalière atteindra enfin un statut à part entière, dans le contexte de la sculpture romantique. Cherchant à rompre avec l'idéal sculptural classique, de nombreux artistes ont vu dans le thème animalier un nouveau moyen d'expression, lié à la nature émotionnelle et irrationnelle, dans un sens purement romantique.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 78 - LAMPIERO LANFRANCHI (France, XIXe-XXe siècle). "Chimpanzé", vers 1900. Bronze bleui et socle en marbre. Signé et portant les cachets de la fonderie. Dimensions : 12 x 9,5 x 7,5 cm. Au cours des dix-neuvième et vingtième siècles, la sculpture animalière atteindra enfin un statut à part entière, dans le contexte de la sculpture romantique. Cherchant à se démarquer de l'idéal sculptural classique, de nombreux artistes ont vu dans le thème animalier un nouveau moyen d'expression, lié à la nature émotionnelle et irrationnelle, dans un sens purement romantique.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 79 - Suivant les modèles d'ANTONIN AIGON (France, 1837- 1885). "Les deux rats et l'ouf". Bronze doré et socle en marbre. Signé. Dimensions : 10 x 14,5 x 9,5 cm. Au cours des XIXe et XXe siècles, la sculpture à thème animalier atteindra finalement un statut propre, dans le contexte de la sculpture romantique. Cherchant à se détacher de l'idéal sculptural classique, de nombreux artistes ont vu dans le thème animalier un nouveau moyen d'expression, lié à la nature émotionnelle et irrationnelle, dans un sens purement romantique.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 80 - LOUIS THÉOPHILE HINGRE (France, 1832-1911). "Le souris et la mouche". Bronze doré et piédestal en marbre. Signé. Dimensions : 8,5 x 8,5 x 6,5 cm. Au cours des XIXe et XXe siècles, la sculpture à thème animalier atteindra finalement un statut propre, dans le contexte de la sculpture romantique. Cherchant à se détacher de l'idéal sculptural classique, de nombreux artistes ont vu dans le thème animalier un nouveau moyen d'expression, lié à la nature émotionnelle et irrationnelle, dans un sens purement romantique.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 81 - Paysans sur un âne ; NALDA, Valence, XXe siècle. Porcelaine émaillée. Présente des défauts. Il y a des marques sur la base. Dimensions : 21,5 x 11,5 x 18 cm. Ensemble sculptural en porcelaine représentant un paysan et une jeune fille tous deux montés sur un âne. Traditionnellement, la sculpture et la littérature espagnoles du XIXe siècle s'intéressent aux coutumes et aux types populaires. Sorrolla lui-même commentait : "Je veux donner, toujours dans le vérisme de mon école, une représentation de l'Espagne ; sans chercher des philosophies, mais le pittoresque de chaque région". Cette tendance s'est répandue dans toutes les provinces d'Espagne, l'Andalousie étant la plus célèbre dans la représentation de la vie populaire. Présente des défauts.

Estim. 100 - 150 EUR

Lot 82 - Okimono ; Japon, période Meiji, 1868-1912. Bronze bleui. Il présente des défauts. Il a un sceau. Dimensions : 16 x 12,5 x 10 cm. Le terme japonais okimono signifie "objet à exposer", "objet d'art" ou "objet décoratif". Ce type d'objets est traditionnellement placé dans le tokonoma, un endroit bien en vue dans la maison, généralement sous la forme d'une niche, ou dans l'autel bouddhiste domestique. L'okimono est exclusivement décoratif et, pendant la période Meiji, de nombreux okimono ont été fabriqués pour être exportés vers l'Occident. Présente des défauts.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 83 - ANGEL DE LA FUENTE (Madrid, vers 1882-Madrid, 1930) "Portrait d'un lézard, 1914. Huile sur toile collée sur carton. Préserve le cadre d'époque. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 39,5 x 28 cm ; 50,5 x 42,5 cm (cadre). Portrait du torero Rafael Molina Sánchez (Cordoue, 1841 -), dit Lagartijo, reconnu pour être l'un des cinq toreros qui ont défini l'exercice de la tairomaquia des XIXe et XXe siècles, étant dénommé l'un des cinq califes de la tauromachie. Dans cette œuvre, on peut apprécier son visage dépassant de l'arène, regardant intensément le spectateur.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 84 - JOSE PUEYO MATANZA (Madrid, XIXe siècle - 1935). "Nu masculin". Encre sur papier. Il y a des défauts dans la surface picturale et dans le cadre. Signé et dédicacé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 22 x 17 cm ; 31 x 26 cm (cadre). José Pueyo a été formé artistiquement à l'Académie des beaux-arts de San Fernando à Madrid. Il est connu pour ses œuvres à thème costumbrista et pour son travail d'enseignant, puisqu'en 1913, il a commencé à travailler comme professeur de dessin artistique et d'éléments d'histoire de l'art à l'École des arts et métiers de Baeza. Elle présente des défauts dans la surface picturale et dans le cadre.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 85 - PETRY SALCEDO (1907-1995) "Raisins". Huile sur carton. Dimensions : 26 x 22 cm ; 42 x 50 cm (cadre). L'œuvre met en scène deux grappes de raisin situées au centre de la composition, dont le fond blanc brisé indéterminé donne toute son importance à la présence du fruit. L'œuvre suit esthétiquement les modèles esthétiques de la peinture de natures mortes dans une perspective esthétique contemporaine.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 86 - École espagnole ; fin du XIXe siècle. "Paysages". Peintures à l'huile sur panneaux. Signée en bas à droite. Dimensions : 17 x 31 cm ; 30 x 45 cm (cadre) ; 9 x 20 cm ; 22 x 39 cm (cadre). Paire de paysages peints sur carton. Bien que les deux œuvres aient en commun la technique, le support et une composition similaire, chacune des peintures a un thème différent, bien que dominé par un paysage de style localiste. Dans l'une des scènes, la plus grande, on peut apprécier un paysage inspiré du sud de l'Espagne, défini par les petits personnages qui l'habitent et l'architecture. Dans l'autre cas, le tableau présente une scène orientaliste.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 87 - SALLY PHILIPSEN ( Copenhague, 1879-1936). "paysage". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 37 x 45,5 cm ; 53,5 x 61 cm (cadre). Peintre d'origine danoise, diplômée de l'école de la Société technique avec Holger Grønvold, elle entre en janvier 1896 à l'Académie royale danoise des beaux-arts, où elle étudie avec Frants Henningsen et Otto Bache. Elle reçoit la bourse de l'Académie en 1904, le Kaufmanns Legat en 1906, le Nathans Legat en 1932 et le Benny Claudi-Pedersens Legat en 1936. Elle a fait partie du conseil d'administration de l'Association danoise des peintres. Sally Philipsen a commencé comme portraitiste et dans ses premiers portraits, elle s'inspire de Rembrandt, tant dans la composition que dans la coloration. La visite de Philipsen à Paris en 1910 l'a initiée à l'impressionnisme, qui a marqué son art. De retour chez lui, il trouve ses sujets dans les faubourgs de Copenhague, où son sens de la représentation de la lumière et de l'atmosphère s'affirme. Philipsen était également un collectionneur d'art et a rassemblé de l'art danois contemporain, notamment des œuvres de Fridolin Johansen, Albert Gottschalk et Theodor Philipsen, ainsi que des œuvres françaises, des sculptures africaines et des antiquités chinoises.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 88 - École espagnole ; XXe siècle. "Champ de blé". Huile sur panneau. Signée F. Llorens dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 26 x 21,5 cm ; 43 x 38 cm (cadre). Dans cette œuvre, l'artiste présente une vue concrète. Complètement vide et sans aucun signe de présence humaine, l'auteur fixe son regard sur l'exubérance du paysage, donnant ainsi toute l'importance à la nature. La lumière obtenue par l'artiste indique qu'il s'agit d'un moment précis de la journée. Le choix d'un moment précis et la technique des coups de pinceau courts et vibrants montrent la grande influence de l'impressionnisme sur l'esthétique de ce tableau.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 89 - École anglaise ; début du 20e siècle. "Course de chevaux". Gouache et encre sur soie. Présente des défauts. Dimensions : 20 x 44 cm ; 35,5 x 61,5 cm (cadre). Le tableau de chasse combine la contemplation du paysage avec la narration, le portrait et la peinture animalière, reflétant de manière très précise le goût esthétique et la pensée de la bourgeoisie. Le commanditaire voit sa propre réalité représentée en peinture, son mode de vie, ses valeurs justifiées par l'art. Présente des défauts.

Estim. 50 - 100 EUR

Lot 90 - JULIAN GRAU SANTOS (Canfranc, Huesca, 1937). "Vieille femme de Belmonte", 1959. Encre sur papier. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 19 x 14 cm ; 38 x 31 cm (cadre). Fils d'Emilio Grau Sala et d'Ángeles Santos Torroella, il est formé à Barcelone. En 1949, il fait plusieurs voyages à Paris, où il a l'occasion de contempler de première main les œuvres de Sisley, de Van Gogh et de divers impressionnistes et postimpressionnistes. Il organise sa première exposition personnelle à la Sala Libros de Saragosse en 1957. Depuis lors, il a organisé des expositions personnelles dans les galeries Syra, Rovira et Vayreda à Barcelone ; Alas, Abril, El Cisne, Collage et Biosca à Madrid ; Justin Lester à Los Angeles, Art Roman à Tokyo, etc. Depuis 1966, il expose régulièrement à titre individuel à la Sala Parés de Barcelone et, en 1968, il a participé au Salon des artistes français au Grand Palais de Madrid. Son œuvre, liée à l'expressionnisme et très axée sur la couleur, se caractérise par une technique très élaborée et une connaissance approfondie du dessin. Il a également réalisé de nombreux dessins qui ont été publiés dans divers journaux et magazines. Parmi les prix qu'il a reçus, citons le prix de La Rambla (Barcelone, 1961), la médaille Ramón Rogent (Salón de Mayo, Barcelone, 1962), la médaille de l'exposition des beaux-arts (Madrid, 1961), le troisième prix Sant Jordi et le prix Van Gogh (Barcelone, 1963), la médaille de la ville de Barcelone (1965), le prix de la biennale de peinture de Huesca (1976), la médaille de la Condesa de Barcelona (Madrid, 1983) et la médaille d'honneur du concours BMW (Madrid, 1987). Ces dernières années, il a participé aux foires ARCO à Madrid et ARTEXPO à Valence, Barcelone, Bâle, New York, Chicago, Miami et Hong Kong. En 1993, la fondation Mapfre Vida de Madrid lui a consacré une exposition rétrospective.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 91 - ENRIQUE SÁNCHEZ LEAL (Espagne, 1941). "Avenida de Reyes Retiro Madrid", 1986. Huile sur tablex. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 27 x 35 cm ; 47 x 55 cm (cadre). Enrique Sánchez Leal est un peintre autodidacte, sa carrière professionnelle ayant été orientée vers le professorat de commerce, diplômé en économie à Madrid. Cependant, depuis les années 70, Sánchez Leal combine la peinture avec son travail d'économiste. C'est après une longue carrière de peintre qu'il a décidé, en 1993, de se consacrer entièrement à l'art. Tout au long de sa carrière professionnelle, il a exposé ses œuvres dans différentes villes d'Espagne telles que Madrid, Barcelone, Malaga, ainsi qu'en Angleterre et en Italie.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 92 - Attribué à ANDRÉ PIERRE LUPIAC (1873-1946). "Léda et le cygne". Encre et aquarelle sur papier. Présente des défauts. Dimensions : 47 x 59 cm ; 75 x 84 cm (cadre). Dans cette scène au thème idyllique, on retrouve les échos stylistiques du symbolisme, associés à d'autres tendances de l'époque telles que l'expressionnisme et le post-impressionnisme. D'un point de vue esthétique, elle rappelle la peinture d'André-Pierre Lupiac, peintre d'origine française formé à l'École des beaux-arts de Toulouse. En 1891, il expose à l'Union artistique toulousaine et obtient deux ans plus tard le deuxième grand prix de peinture. Il quitte sa ville natale pour Paris, où il poursuit sa formation dans les ateliers de Jean-Paul Laurens et de Benjamin Constant. En 1900, il expose au Salon de Paris, mais sa carrière est interrompue par la Grande Guerre et, à son retour, il quitte Paris. Présente des défauts.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 93 - ANTONIO SANTONJA CANTÓ ( Alicante, 1870-1940). "Samuel", 1920. Aquarelle sur papier. Signée et datée en bas à droite. Dimensions : 36 x 29 cm ; 52 x 45 cm (cadre). Antonio Santoja est un peintre originaire d'Alicante, qui s'est formé dans sa ville puis, grâce à une bourse d'études à Madrid, sous la direction d'Emilio Sala. Il a participé à l'exposition des beaux-arts d'Alicante en 1894, où il a exposé ses œuvres pour la première fois. Il est connu pour sa carrière d'illustrateur, qui lui a valu de nombreux prix et la publication de ses œuvres dans les principaux journaux de l'époque, tels que Blanco y Negro, Mundo Nuevo et ABC, entre autres.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 94 - École espagnole ; XXe siècle. "L'enterrement du Christ". Gravure sur bois. Présente une signature illisible. Dimensions : 24 x 30 cm ; 41 x 45 cm (cadre). Cette gravure sur bois est une représentation soignée de l'enterrement du Christ, qui suit la composition traditionnelle de la peinture, avec les personnages regroupés au premier plan, autour du corps du Christ. Il s'agit d'une structure complexe, avec le corps du Christ dans la partie centrale, déposé dans le tombeau par Nicodème et Joseph d'Arimathie. Derrière eux, nous voyons la Madeleine et la Vierge souffrante.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 95 - ENRIQUE RECIO (c. 1855-post. 1910) "Fleurs", 1887. Aquarelle sur papier. Signée, datée et localisée. Dimensions : 63 x 35 cm ; 76,5 x 47,5 cm (cadre). Peintre madrilène formé par Francisco Jover et Manuel Ojeda. Il a exposé pour la première fois en 1881 à l'Exposition nationale.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 96 - École espagnole ; seconde moitié du XIXe siècle. "Buste de femme". Huile sur toile. Elle présente des défauts et des repeints. Dimensions : 32 x 44 cm : 32 x 44 cm : 45 x 57 cm (cadre). Portrait féminin représentant le buste d'une femme âgée. La femme tourne son visage de profil, évitant ainsi le regard du spectateur. Le fond neutre et l'utilisation de tons chauds dominés par des couleurs terreuses et ocres nous rapprochent de la peinture baroque.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 97 - JOSEP CORES MAS (Lleida, 1935). "Pêcheur". Graphite sur papier. Dimensions : 26 x 17 cm ; 45 x 35 cm (cadre). Josep Cores développe une œuvre saisissante et douce, avec des personnages au repos, des pêcheurs et des scènes de coutumes qui, réalisées avec beaucoup d'aisance, donnent à son langage une personnalité propre. Il travaille principalement à l'huile, mais aussi parfois à l'aquarelle. Il a exposé à Barcelone, Gérone, Sabadell, Logroño et Majorque, ainsi qu'au musée d'art moderne de Caracas et au musée d'art contemporain de Zurich.

Estim. 50 - 100 EUR

Lot 98 - École espagnole ; vers 1900. "Danse". Encre et aquarelle sur papier. Peint sur les deux faces. Signé sur l'un des visages en bas à gauche. Dimensions : 54 x 40 cm ; 73 x 59 cm (cadre). La peinture de mœurs est un genre dans lequel les types et les attitudes populaires, les comportements, les valeurs et les habitudes communs à un groupe concret de la population, d'une région ou d'une classe sont décrits à travers la description, satirique, nostalgique ou narrative, des ambiances, des coutumes, des vêtements, des fêtes et des divertissements, des traditions, des métiers et des types représentatifs d'une société. L'idée du costumbrismo est née d'une tentative de compréhension de la réalité, ou plus précisément de la réalité comprise d'une manière particulière, d'un point de vue spécifique.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 99 - LORENZO GOÑI (Jaén, 1911 - Lausanne, Suisse, 1992). "Sala de fiestas". Encre sur papier. Dimensions : 23 x 16,5 cm ; 41 x 33 cm (cadre). Considéré comme l'un des meilleurs illustrateurs espagnols du XXe siècle, Lorenzo Goñi a été formé à Barcelone et, au début de la guerre civile, il a commencé à travailler comme affichiste pour le Sindicat de Dibuixants Professionals de UGT. En 1953, il étudie la gravure à l'Escuela Nacional de Artes Gráficas, où il a pour professeur José de Castro Gil. En 1962, il obtient une bourse de la Fondation March et, depuis lors, sa carrière se poursuit sans relâche ; il peint et publie des dessins dans des journaux, organise des expositions de ses œuvres et obtient des prix et d'excellentes critiques. Il est actuellement représenté au MNCA Reina Sofía, au Museo Nacional de Grabado Contemporáneo, au Museo de Arte Contemporáneo de Toledo, au Museo Provincial de Cuenca, au Museo de Alejandría, au Museo del Dibujo Castillo de Larrés, au Museo del Grabado de Marbella, au Sztuki de Wroclaw (Pologne) et à l'ABC de Dibujo e Ilustración de Madrid.

Estim. 100 - 200 EUR

Lot 100 - École espagnole ; fin du XIXe siècle. "Nu féminin". Fusain sur papier. Dimensions : 26 x 21 cm ; 45 x 40 cm (cadre). Les dessins académiques ont marqué un tournant dans la trajectoire des grands peintres. L'étude minutieuse de l'anatomie, des traits et de la posture des personnages représentés est devenue un élément clé pour comprendre les préceptes de base de la discipline picturale. De fait, des institutions telles que l'Académie des beaux-arts de San Fernando ont intégré dans leur programme d'enseignement la copie du modèle vivant à l'huile. Le tableau en question est un exemple de cette pratique. Les études sont souvent utilisées pour comprendre les problèmes liés à la représentation des sujets et pour planifier les éléments à utiliser dans les œuvres finies, tels que la lumière, la couleur, la forme, la perspective et la composition. Les études peuvent avoir plus d'impact qu'un travail plus élaboré en raison des nouvelles connaissances que l'artiste acquiert au fur et à mesure qu'il explore le sujet. Ces détails permettent de révéler les processus de pensée et les techniques de nombreux artistes. Les études remontent même au début de la Renaissance italienne, où les historiens de l'art ont conservé certaines des études de Michel-Ange.

Estim. 50 - 80 EUR

7 mai - Collection privée I

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Lot 95 - ENRIQUE RECIO (c. 1855-post. 1910) "Fleurs", 1887. Aquarelle sur papier. Signée, datée et localisée. Dimensions : 63 x 35 cm ; 76,5 x 47,5 cm (cadre). Peintre madrilène formé par Francisco Jover et Manuel Ojeda. Il a exposé pour la première fois en 1881 à l'Exposition nationale.