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vendredi 17 mai à : 13:00 (CEST)

Vente aux enchères 324 | Maîtres anciens & art du 19e siècle

Karl & Faber - +(49)89.22.18.68 - Email

Amiraplatz 3 80333 Munich, Allemagne
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125 résultats

Lot 5 - Barthel Beham - Barthel Beham (1502 Nuremberg - Bologne 1540) - Portrait d'une femme de 32 ans ("Dorothea Jörg"). Huile sur bois de tilleul, parqueté. 1524. 52,8 x 35,8 cm. Inscrit en haut "DA.MAN.1.5.2.4.CALT. / DA.BAS.ICH.32. IAR.ALT". Encadré. Trous 75. Sur cette toile, le peintre présente, sur un fond verdâtre peu différencié picturalement, le buste d'une femme d'âge moyen vers la gauche. Elle porte un béret en guise de couvre-chef et, par-dessus sa robe brune, une goller fermée par une broche - un col d'épaule en damas avec un motif de grenade qui recouvre la chemise. Le portrait porte l'inscription "DA. MAN. 15.2.4. CALT. DA. BAS. MOI. 32. IAR. VIEIL". En 1524, lorsque le tableau a été peint selon l'inscription, la personne représentée avait 32 ans. Une inscription ultérieure désignait la femme comme Dorothea Jörg, mais cette désignation n'est plus vérifiable sur le tableau. Elle a posé sa main droite baguée sur son avant-bras gauche, ce qui donne au portrait non seulement un aspect fermé du point de vue de la composition, mais lui confère également une certaine gravité et sévérité, qui se reflète également sur le visage de la femme. Son incarnation est chaude, avec des joues légèrement rosées et un regard plutôt introverti qui passe devant le spectateur et se dirige vers un vis-à-vis imaginaire, que Kurt Löcher a pu identifier grâce à l'inscription correspondante dans un portrait masculin de Barthel Beham conservé à la Gemäldegalerie de Prague (Prague, Nationalgalerie, inv. n° O 720). Le peintre a attaché une grande importance à la netteté du profil, derrière lequel s'efface la partie légèrement ombrée de son visage. Ce portrait d'une grande simplicité témoigne d'un bon sens de l'observation, plein de vie, dans une tonalité de couleurs finement harmonisée dans l'ensemble, mais sans grande valeur coloristique propre. Les points forts du tableau résident avant tout dans le dessin, dans la manière dont le visage et les mains, observés avec précision, se détachent du fond. Connu depuis près de cent ans par la recherche en histoire de l'art, Ludwig Baldass avait pour la première fois en 1930 attribué ce portrait à un groupe de portraits d'hommes qu'il avait attribué à Leonhard Beck d'Augsbourg, même si Baldass faisait remarquer que l'expression du portrait était "un peu plus crue" que celle des autres portraits. La localisation à Augsbourg est toutefois contredite par l'apparence à la mode de la femme, car le béret et la gommette pointent vers Nuremberg, où le bonnet a été remplacé à cette époque par le béret à la mode. La forme du béret variait, mais le type des rabats se rejoignant au-dessus du sommet de la tête et reliés par un bouton et une boucle restait toujours le même. Il était répandu vers 1525, comme en témoigne par exemple le regard sur le portrait de Veronika Formschneider de Dürer datant de 1525 (Londres, British Museum, Inv. n° 5218.50), et le goller se retrouve également à Nuremberg sur différents portraits de l'époque. Max J. Friedländer et Ernst Buchner, dans des expertises indépendantes l'une de l'autre mais qui ne sont plus disponibles aujourd'hui, ont reconnu dans ce portrait une œuvre précoce de Barthel Beham, encore réalisée à Nuremberg. Beham est surtout connu pour avoir fait partie, avec son frère Sebald et Jörg Pencz, des "trois peintres impies" de Nuremberg qui, avant l'introduction de la Réforme, avaient rejoint l'aile radicale de la Réforme, ce qui leur valut d'être bannis de leur ville natale en 1525 pour hérésie. Barthel Beham revint peu de temps après, mais ne resta que peu de temps pour entrer au service du duc Guillaume IV à Munich en tant que peintre de la cour en 1527. En tant que peintre, il appartient à l'école de Dürer au sens large, mais il n'existe aucune peinture assurée de ses années à Nuremberg. Kurt Löcher, l'auteur du catalogue raisonné des peintures de Beham, n'a certes inclus notre portrait que parmi les attributions douteuses, mais il est si proche des portraits confirmés de Beham, comme le Portrait d'un jeune homme (ex-Brême, Kunsthalle, n° d'inv. 169-1851), que l'on peut considérer que son auteur est fondé. Certaines incertitudes, comme le caractère quelque peu formel de l'installation, peuvent être admises pour un débutant, ce que Beham, né en 1502, était encore en 1524. Dr Peter Prange Nous remercions le Dr Birgit Jooss, responsable du projet "Kunsthandlung Julius Böhler", Zentralinstitut für Kunstgeschichte, Munich, pour les informations concernant la provenance. Littérature : Ludwig Baldass : Studien zur Augsburger Porträtmalerei des 16. Jahrhunderts. Partie II : Portraits de Leonhard Beck, dans : Pantheon 6, 1930, p. 396, n° 8 ; Kurt Löcher : Nürnberger Bildnisse nach 1520, in : Kunstgeschichtliche Studien für Kurt Bauch zum 70. Geburtstag von seinen Schülern, Munich 1967, p. 122 ; Ders : Ein Bildnis der Anna Dürer in der Sammlung Thyssen-Bornemisza, in : Wallraf-Richartz-Jahrbuch 39, 1977, p. 88, ill. 5 ; Peter Strieder : Tafelmalerei in Nürnberg 1350-1550, Königstein im Taunus 1993, p. 281, n° 165, ill. (attribué à Barthel Beham) ; Kurt Löcher : Barthel Beham, dans : Saur. Allgemeines Künstlerlexikon,

Estim. 30 000 - 40 000 EUR

Lot 6 - Dirck Hals - Dirck Hals (1591 - Haarlem - 1656) - Société distinguée en plein air. Huile sur bois, parqueté. (2ème moitié des années 1620). 57,8 x 85,2 cm. Diverses numérotations au verso. Encadré. Dirck Hals, frère cadet du plus célèbre Frans Hals (1580-1666), est surtout connu pour ses représentations de joyeuses fêtes de jardin ("Buiten-partijs") et de pièces de société aux allusions amoureuses. Un groupe d'invités élégants s'est réuni autour d'une table dressée en plein air. Tandis qu'à droite, le vin est mis au frais dans un baquet d'eau, des couples se sont déjà formés - on se fait les yeux doux. Pendant ce temps, personne ne prête attention aux plats. Les pâtés sont posés sur le plateau sans être touchés, à gauche, les verres de vin pleins ont été posés sur un mur, hors de portée. Alors que le repas se repose, les conversations informelles semblent battre leur plein. La terrasse s'ouvre en arrière-plan sur un parc baroque avec un pavillon qui invite à la flânerie - de préférence accrochée. Le thème se rattache à la tradition des jardins d'amour du XVIe siècle, dans lesquels de jeunes couples d'amoureux s'amusaient dans un environnement charmant. Le présent tableau faisait partie de l'importante collection de tableaux de Richard Semmel (1875 Zobten, Silésie - 1950 New York), fabricant de textiles juif vivant à Berlin, fondé de pouvoir depuis 1902 et propriétaire unique de la fabrique de linge Arthur Samulon & Co depuis 1919. Il avait constitué à la fin des années 1920 une collection qui n'avait rien à envier aux grands collectionneurs de la République de Weimar. Elle comprenait des œuvres de Jan van Scorel, Dirck Hals, Bernardo Strozzi, mais aussi de Paul Gauguin, Pierre Auguste Renoir, Camille Pissarro et de Vincent van Gogh. Le Dr Paul Wescher, historien de l'art et directeur du musée, a rédigé en 1930 une appréciation des tableaux de la collection Semmel dans : Pantheon, Monatsschrift für Freunde und Sammler der Kunst, vol. 5, janvier-juin 1930, p.275-278. En avril 1933, après l'arrivée au pouvoir du parti national-socialiste, Richard Semmel émigra à Amsterdam et, en 1940, avant l'invasion des Pays-Bas par les Allemands, il se réfugia à New York via le Chili et Cuba, où il mourut en 1950. Un accord au sens de la Convention de Washington sera conclu avec les héritiers après Richard Semmel en avril 2024. Littérature : Britta Nehlsen-Marten, Dirck Hals 1591-1656. Œuvre et évolution d'un peintre de genre de Haarlem, Weimar 2003, cat. n° 39, ill. 120. Provenance : Jacob Hecht, Berlin, vente aux enchères VI, 17 et 18.3.1925, lot 215a ; Richard Semmel (1875-1950), Berlin, Amsterdam, New York ; Frederik Muller & Cie, Amsterdam, vente aux enchères, 21.11.1933, lot 19, avec ill. (selon Weltkunst, Jg. VII, Nr. 52/53, du 24.12.1933, p. 4, vendu pour 1450 fl ; Kunsthandel Pieter de Boer, Amsterdam ; Collection privée, Würzburg ; par succession, en possession de la famille, Basse-Franconie (depuis 1945) ; Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : impôt différentiel (VAT : Margin Scheme)

Estim. 10 000 - 15 000 EUR

Lot 8 - Dirck Hals - Dirck Hals (1591 - Haarlem - 1656) - Intérieur avec joueurs de tricktrack et couple buvant du vin. Huile sur bois. (années 1620/30). 28,8 x 43,3 cm. Encadré. L'intérieur montre quatre personnes, réunies autour d'une table, qui agissent deux par deux. Deux des cavaliers sont plongés dans une partie de trick-track, une sorte de backgammon, tandis qu'à gauche, une dame s'amuse avec son voisin de table qui vient de suspendre une partie et lui tend un verre de vin. Le motif des deux hommes penchés sur la table de jeu se retrouve dans d'autres tableaux de Dirck Hals (cf. Dirck Hals (avec Dirck van Delen), Fête dans une salle Renaissance, 1628, Frans Hals Museum, Haarlem, n° d'inv. 75-318). Britta Nehlsen-Marten a souligné le caractère trapu des figures, inhabituel pour Hals, et a situé l'œuvre dans l'entourage de l'artiste. Le tableau est enregistré au RKD, La Haye, sous le numéro d'illustration 0000193790 (comme Dirck Hals). La littérature : Herwig Guratzsch (éd.), édité par Dietulf Sander, Museum der Bildenden Künste Leipzig. Catalogue des peintures, Stuttgart 1995, p. 233, cat. n° 553 ; Britta Nehlsen-Marten, Dirck Hals 1591-1656. Œuvre et évolution d'un peintre de genre de Haarlem, Weimar 2003, cat. n° 138 (comme "plutôt l'entourage de D. Hals"). Provenance : Anciennement Thiem'sche Stiftung 1886, Museum Leipzig, avec au verso le n° cat. manuscrit 553 (le tableau a été cédé à P. de Boer en 1933 en échange d'un paysage de montagne de Valckenborch (inv. n° 1240)) ; Marchand d'art Pieter de Boer, Amsterdam ; Collection privée, Basse-Franconie, acquise dans le commerce d'art ci-dessus en 1943 (avec copie de l'ordre de transport du transporteur hollandais du 28.4.1943) ; Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : imposition différentielle (VAT : Margin Scheme)

Estim. 5 000 - 8 000 EUR

Lot 9 - Gaspar Peeter Verbruggen D. J. - Gaspar Peeter Verbruggen D. J. (1664 - Anvers - 1730) - Grande nature morte aux fleurs dans un vase en bronze. Huile sur toile, doublée. 1693. 82 x 62 cm. Signé et daté en bas à droite "Gaspary Verbruggen ft 1693". Encadré. Sur un fond brun, debout sur une balustrade en pierre, un vase en bronze poli avec un arrangement floral luxuriant composé de roses, de tulipes flammées, d'anémones, de boules de neige, de zinnias et de liserons bleus d'apparat. Verbruggen était l'un des peintres flamands de natures mortes florales les plus remarquables de la fin du 17e siècle. Formé par son père, il devint maître de la guilde anversoise de Saint Lucas dès l'âge de 13 ans et fut finalement nommé doyen en 1691/92. Il comptait parmi ses élèves Jacob Melchior van Heck et Peter Frans Casteels. Son style de vie, tout comme ses bouquets de fleurs, était marqué par l'opulence, ce qui l'obligea à faire vendre aux enchères quelques tableaux lui appartenant en 1703 et à s'installer à La Haye pour échapper à ses créanciers. Ce n'est qu'en 1723 qu'il retourne à Anvers. Ses compositions, toujours décoratives, se caractérisent par une richesse de détails naturalistes et une force de couleur éclatante. Le tableau est répertorié dans le RKD sous le numéro 1001088036 comme œuvre de l'artiste. Provenance : Van Ham, Cologne, vente aux enchères, 19.11.2010, lot 519 (à la suite de Gaspar Pieter Verbruggen le Jeune) ; Tajan, Paris, vente aux enchères, 30.3.2011, lot 52 ; Ketterer, Munich, vente aux enchères, 21.11.2014, lot 132 ; Collection privée, Allemagne. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 19 - Abraham Teniers - Abraham Teniers (1629 - Anvers - 1670) - Joueur de dés et de quilles devant une auberge. Huile sur toile, doublée. (Vers 1650). 50,1 x 68,5 cm. Inscrit en bas à droite sur la pierre "D TENIERS F". Encadré. Littérature sur le tableau comparatif : Margret Klinge dans : Catalogue de l'exposition : David Teniers de Jonge. Schilderijen (Peintures). Tekeningen (dessins). Antwerpen, Koninklijk Museum voor schone Kunsten, 11 mai - 1er septembre 1991, n° 30, p. 106 et suivantes. La représentation suit en grande partie une célèbre composition de David Tenier II datant des années 1640, qui se trouve aujourd'hui dans une collection privée londonienne (voir littérature de comparaison). En mars 2024, Margret Klinge a identifié le présent tableau, après examen de l'original, comme une œuvre caractéristique d'Abraham Teniers, le frère cadet de David Teniers. Abraham avait probablement suivi sa formation auprès de David et avait été admis vers 1645/46 comme maître à la guilde anversoise de Saint-Luc, au sein de laquelle David exerçait la fonction de doyen. Sur le plan thématique et stylistique, Abraham s'est inspiré de l'œuvre de son aîné de plus de 20 ans, mais il est dans l'ensemble plus décoratif et moins fin dans les détails que ce dernier. Avec une confirmation écrite du Dr Margret Klinge datée d'avril 2024. Provenance : Collection John Webb, Esq. (1799-1880), Philipps, Londres, vente aux enchères, 31.5.1821, lot 184, inscrit au dos de l'étiquette ; George James Cholmondeley, Esq. (1752-1830), acquis dans la vente ci-dessus ; George Squibb, Londres, vente aux enchères, 23.4.1831, lot 66 ; Mr Townley, acquis lors de la vente ci-dessus ; Collection Lord Ormathwaite (probablement 2nd Baron Ormathwaite, 1827-1920), mai 1893, selon l'étiquette manuscrite sur le châssis ; Collection Mary Heilmann-Stuck (1896-1961) et Consul général Albert Heilmann (1886-1949), Villa Stuck, Munich, étiquette de collection au verso de la toile ; en juin 1944, par l'intermédiaire des Bayerische Staatsgemäldesammlungen, transféré de la Villa Stuck au Bergungsdepot Höglwörth (n° 36 de la liste comme "Teniers, Wirtshausszene") ; Restituée en 1948 au consul Albert Heilmann, Äußere Prinzregentenstr. 4, Munich ; dans la succession à Otto Heilmann (1919-1971), Munich ; ensuite propriété privée, sud de l'Allemagne. Taxation : imposition différentielle (VAT : Margin Scheme)

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 21 - Venezianisch - Vénitien - Madonna avec enfant. Huile sur toile, partiellement doublée sur les bords. (fin 17e - 1er quart 18e s.). 123,3 x 94,6 cm. Encadré. Le peintre de cette gracieuse scène nocturne n'a pas pu être identifié jusqu'à présent, mais il est probable qu'il appartenait aux tenebrosi vénitiens de l'époque de transition entre le baroque tardif et le baroque flamboyant, en raison des tons sombres, du style élégant des figures et du sfumato doux. Une proximité avec Francesco Pittoni, l'oncle du plus célèbre Giambattista Pittoni, est perceptible (voir son retable de la "Marche du temple de Marie" dans l'église San Lorenzo à Vicence), mais celui-ci n'atteint que rarement la qualité de la présente œuvre. Le tableau était autrefois la propriété de Mary Heilmann-Stuck, la fille de Franz von Stuck, et de son mari, Albert Heilmann. En juin 1944, elle a été transférée avec d'autres œuvres et tableaux de Franz von Stuck de la Villa Stuck au Bergungsdepot Höglwörth, puis rendue à la famille Heilmann-Stuck en 1948. Nous remercions le Dr. Roberto Contini, Berlin, pour ses aimables conseils lors du catalogage de l'œuvre. Provenance : Collection Mary Heilmann-Stuck (1896-1961) et Consul général Albert Heilmann (1886-1949), Villa Stuck, Munich, étiquette de la collection au verso de la toile ; en juin 1944, transféré de la Villa Stuck au Bergungsdepot Höglwörth par l'intermédiaire des Bayerische Staatsgemäldesammlungen (n° 69 de la liste comme "Italien Früh") ; Central Collecting Point, Munich, où il a été enregistré le 24.4.1946 (comme "old - Italian" 18th cent.) sous le n° "25637" ; restitué le 17.11.1948 au consul Albert Heilmann, Äußere Prinzregentenstr. 4, Munich ; dans la succession à Otto Heilmann (1919-1971), Munich ; ensuite propriété privée, sud de l'Allemagne. Taxation : imposition différentielle (VAT : Margin Scheme)

Estim. 10 000 - 15 000 EUR

Lot 22 - Venezianisch (Pietro Liberi ?) - Vénitien (Pietro Liberi ?) - Trois musiciens avec instruments à cordes. Huile sur toile, doublée, d'après Paolo Veronese. (XVIIe siècle). 40,1 x 66,6 cm. Encadré. D'après une fresque de Paolo Caliari, dit "il Veronese", dans la Stanza dell'amore coniugale, Villa Barbaro, à Maser (Trévise). Exposé en 1958/59 à la Staatsgalerie de Stuttgart, le tercet de cordes était encore attribué à Véronèse, avant que Rodolfo Pallucchini ne propose un peintre vénitien du 17e siècle, à savoir Pietro Liberi (1605-1687). Liberi a appris auprès d'Alessandro Varotari ("il Padovanino"), également originaire de Padoue, et était donc un descendant de la grande tradition picturale vénitienne du Cinquecento. Littérature : Ugo Ruggeri, Pietro e Marco Liberi. Pittori nella Venezia del Seicento, Rimini 1996, p. 123, cat. n° P 25, avec ill. p. 124 (comme Pietro Liberi). Exposition : Meisterwerke aus baden-württembergischem Privatbesitz, Staatsgalerie Stuttgart, 1958/59 (exposé comme Paolo Veronese). Provenance : Collection Conte de Sommariva, 1839 ; Collection de la princesse Mathilde ; Collection Baron Vita, ces propriétaires et les précédents sont listés au verso sur une ancienne étiquette adhésive ; Sotheby's, vente aux enchères, probablement dans les années 1960, avec diverses étiquettes adhésives au verso, lot 192 ; Richard H. Zinser (1884-1984), New York ; depuis, propriété familiale, États-Unis. Taxation : Impôt sur la différence plus 7% (VAT : Margin Scheme (non EU))

Estim. 3 000 - 5 000 EUR

Lot 24 - Anton Graff - Anton Graff (1736 Wintherthur - Dresde 1813) - Autoportrait devant le chevalet, derrière Christoph August Tiedge. Huile sur toile, doublée. (Vers 1803). 66,7 x 48,3 cm. Dans un cadre rococo d'origine. Il n'y a guère d'autre artiste du XVIIIe siècle qui se soit autant observé dans des autoportraits que Anton Graff, peintre de la cour de Saxe à Dresde et originaire de Suisse. Ekhart Berckenhagen, l'auteur du catalogue de l'œuvre de Graff, ne cite pas moins de 80 autoportraits, dont le célèbre portrait de Leipzig, qui montre le peintre travaillant à son chevalet dans une pose décontractée, et le non moins célèbre portrait de Dresde à 58 ans, où Graff, assis sur une chaise, pinceau et palette à gauche, se détourne de la toile et se tourne vers le spectateur. Graff a souvent répété cette dernière, surtout sous forme de portrait de hanche, et c'est ainsi qu'elle a été diffusée en 1797 par une gravure du graveur de Stuttgart Johann Gotthard Müller. Notre tableau remonte également à l'autoportrait réalisé à Dresde en 1794/95, sur lequel le peintre se montre en entier. Ici aussi, le peintre s'est détourné de la toile pour se tourner vers le spectateur, le bras droit posé de manière décontractée sur le dossier de la chaise, son regard vif crée une relation immédiate entre le portraituré et le spectateur. Graff a été loué par ses contemporains pour cette immédiateté de la rencontre. Ils reconnaissaient la grandeur de son art du portrait dans le fait que Graff avait peint l'homme tout entier - non seulement son apparence physique, mais aussi son âme. Le regard de Graff pénétrait "jusqu'au fond de l'âme", comme l'a formulé avec justesse le théoricien de l'art et ami de Graff, Johann Georg Sulzer. C'est la fine psychologisation qui se dégage également du visage de l'artiste, entre représentation conforme à son statut et réflexion : le visage éclairé de manière claire, Graff dévoile son visage, dont les lèvres et les sourcils fermement serrés signalent la vigilance et la tension. Sa pose nonchalante, à laquelle appartiennent, comme souvent chez Graff, les mains "éloquentes" qui sont "actives" dans le tableau, contraste avec cette attitude : Le bras posé sur le dossier de la chaise est le plus proche du spectateur, il est presque palpable. Par rapport à l'autoportrait de Dresde, Graff a ici élargi la disposition de son portrait - alors qu'à Dresde il est assis devant une toile vide, il travaille ici à un portrait ovale d'une dame bien connue des contemporains de l'époque : il s'agit d'un portrait d'Elisa von der Recke (1754-1833), dame de salon et poétesse occasionnelle, qui devint célèbre lorsqu'elle démasqua en 1787 les charlataneries d'Alessandro Cagliostro, qui avait escroqué la moitié de l'Europe. En 1795, elle s'était fait peindre pour la première fois par Graff, et son portrait sur notre tableau remonte à un dessin que Graff avait probablement réalisé en 1798 à l'occasion d'une visite de la Recke à Dresde (aujourd'hui Düsseldorf, musée Goethe, fondation Kippenberg, cf. Berckenhagen 1132). Derrière son portrait, un homme d'âge moyen est appuyé contre une commode et lit un livre. Il s'agit du poète Christoph August Tiedge (1752-1841), un compagnon de route de son âme et connu pour les mises en musique de certains de ses poèmes par Ludwig van Beethoven. Von der Recke vivait avec Tiedge, qui l'avait également accompagnée lors de son voyage en Italie de 1804 à 1806, depuis 1803 "en communauté permanente avec le poète" (Berckenhagen). Graff avait déjà peint et dessiné les deux avant 1800, mais pas ensemble. Graff a probablement peint ce tableau pour l'un des deux, mais il semble également possible qu'il ait été réalisé avant leur départ pour l'Italie, dans l'esprit d'un tableau d'amitié romantique, que le peintre aurait ensuite attribué aux deux voyageurs. Dr. Peter Prange Avec une expertise du professeur Dr. Helmut Börsch-Supan, Berlin, datée du 13.9.2023. Littérature : Die Kunst für Alle, XXXIXe année, Munich 1923-24, p. 345 (sans illustration) ; Eberhard Lutze, dans : Fränkischer Kurier (Nürnberg), n° 336 du 3.12.1936, avec ill ; Ekhart Berckenhagen, Anton Graff. Leben und Werk, Berlin 1967, p. 158, cat. n° 512. Exposition : Dresdner Malerei 1750-1850, Galerie Paul Rusch, Dresde 1924. Provenance : Galerie Paul Rusch, Dresde, 1924 ; Propriété privée, Franconie (1936) ; Propriété privée, sud de l'Allemagne. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 40 000 - 50 000 EUR

Lot 32 - Franz Nadorp - Franz Nadorp (1794 Anholt en Westphalie - Rome 1876) - Paysage romain de Campagne avec la villa de Raphaël. Huile sur toile. (Vers 1850). 91,7 x 121 cm. Sur une ancienne étiquette collée sur le châssis, il est indiqué "Paysage historique de Nadorp à Rome. - Villa de Raphaël près de Rome". Tampon difficilement lisible au verso. Encadré. En 1850, le peintre Franz Nadorp, qui vivait à Rome, présenta à l'exposition de l'Académie de Berlin notre tableau, qui montre en premier lieu un paysage romain avec une vue sur la Campagna. La vue, en partie obstruée par d'imposants pins, s'étend à droite de Saint-Pierre sur la plaine du Tibre, où paît un troupeau de moutons, jusqu'à une colline plantée de pins parasols. Devant les pins se trouve un bâtiment discret et simple, qui est pourtant l'un des monuments de Rome les plus souvent reproduits dans la première moitié du XIXe siècle - il s'agit en effet de la légendaire Casina di Raffaello, prétendument la maison de campagne du "Divin" sur le Pincio, dans laquelle il se reposait, selon la légende, de son travail dans les bras de sa maîtresse Fornarina. Dans la prétendue maison de jardin de Raphaël se trouvaient des fresques représentant des allégories amoureuses, réalisées par des élèves de Raphaël d'après des dessins du maître - elles ont donné lieu à la conclusion erronée que le bâtiment était la propre villa de Raphaël. Nadorp, qui était arrivé à Rome en 1828 et y était actif au sein de l'association allemande des artistes en tant qu'organisateur de festivités les plus diverses, avait rejoint le cercle des nazaréens autour de Friedrich Overbeck et Peter von Cornelius, qui avaient choisi la peinture de Raphaël comme modèle de piété religieuse et de grâce. Un véritable enthousiasme pour Raphaël s'est emparé de Rome dans les années qui ont suivi 1810, et Nadorp, qui avait visité et dessiné la maison du jardin dès son arrivée, s'en est fait l'écho. Son tableau est également l'expression de cette admiration pour Raphaël. Au premier plan, sur les marches du parc, Raphaël embrasse sa bien-aimée, mais s'arrête et regarde derrière lui, où un artiste - portant un carnet à dessin sous le bras - pointe vers la droite, vers les cyprès. Là, un paysan a conduit son bétail à l'abreuvoir, mais à leur ombre, plongé dans la mélancolie, est assis, tout en noir, Michelangelo Buonarotti. "Villa de Raphaël près de Rome - au premier plan, à gauche, Raphaël et la Fornarina, à droite, Michel-Ange sous les cyprès", peut-on lire sur l'étiquette adhésive d'époque conservée sur le châssis. Pour ses portraits de Raphaël, de la Fornarina et de Michel-Ange, Nadorp s'est inspiré de portraits historiques - comme l'autoportrait de Raphaël à l'école d'Athènes, son portrait de la Fornarina dans la collection Barberini à Rome et, pour Michel-Ange, le portrait de Jacopo del Contes aux Offices, tandis que derrière le jeune artiste au carnet de dessins se cache probablement Nadorp lui-même. Ainsi, son tableau n'est pas seulement un témoignage impressionnant du culte de Raphaël au XIXe siècle, mais aussi une réflexion personnelle sur son propre parcours artistique : tel Hercule à la croisée des chemins, il se tient entre les deux artistes, avance vers Raphaël tout en renvoyant à son aîné Michel-Ange. Le discours théorique sur l'art au début du XIXe siècle oscillait entre ces deux "superpères" de l'art, mais si l'on considère le parcours de Nadorp, qui s'était déjà distingué comme copiste après Raphaël à l'Académie des beaux-arts de Prague et qui, plus tard à Rome, s'était lié d'amitié avec des nazaréens qui rendaient hommage à Raphaël, son tableau est une profession de foi en faveur de Raphaël. En 1850, lorsque Nadorp exposa son tableau, cette profession de foi n'était plus qu'une réminiscence romantique rattrapée par la réalité - en 1849, les troupes françaises avaient bombardé Rome et détruit la Casina di Raffaello. Nadorp a toutefois pu accéder à une version plus grande de son tableau, réalisée dès 1843, qui se trouvait en possession du roi de Prusse (aujourd'hui à Potsdam, château de Sanssouci, Orangerie). Dr. Peter Prange Littérature : Ulrike Eichler, "La villa de Raphaël près de Rome. Gedanken zu einem Gemälde von Franz Nadorp", in : Weltkunst, Munich 1979, cahier 12, p. 1566 et suivantes, avec ill. Exposition : Akademie-Ausstellung, Berlin, 1850, n° 1248. Provenance : Léopoldine von Thun-Hohenstein, probablement acquise directement auprès de l'artiste à Rome ; Collection des comtes de Thun-Hohenstein, château de Kwassitz, Moravie, jusqu'à la deuxième guerre mondiale ; Neumeister, Munich, vente aux enchères, 28.6.1979, lot 1496 ; Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : impôt différentiel (VAT : Margin Scheme)

Estim. 10 000 - 15 000 EUR

Lot 33 - Bernhard Fries - Bernhard Fries (1820 Heidelberg - Munich 1879) - Paysage de haute montagne près de Civitella. Huile sur toile. (années 1860). 97,9 x 130,7 cm. Au verso, sur le châssis, la mention "Civitella", au dos également une inscription de collection ( ?), n° "G1737". Signé en bas à gauche. Encadré. Comme son frère aîné Ernst (1801-1833), Bernhard Fries a voyagé à plusieurs reprises en Italie. Dès son plus jeune âge, il fut en contact avec l'art de Carl Rottmann. En 1860, après la faillite de la maison de banque de son père, Fries s'installe à Munich pour subvenir aux besoins de sa famille avec le produit de ses peintures. C'est là qu'il réalisa, dans les années qui suivirent et jusqu'en 1866, son œuvre picturale majeure : un cycle de quarante paysages italiens, que Fries créa en s'inspirant des tableaux italiens de Rottmann dans les arcades du Hofgarten pour un pavillon conçu par son ami Gottfried Neureuther. La construction n'a jamais vu le jour, mais les tableaux devaient être placés en deux rangées superposées dans une salle éclairée par une ouverture dans le plafond. Fries avait ensuite l'intention de vendre le cycle complet au roi Louis II, mais ce plan échoua également, raison pour laquelle Fries fut contraint par sa détresse de vendre les tableaux séparément. C'est ainsi qu'elles sont aujourd'hui dispersées aux quatre vents et qu'il n'est parfois plus possible d'en retrouver la trace. Cette vue des environs montagneux de Civitella semble également avoir fait partie du cycle en question. Provenance : Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 4 500 - 5 500 EUR

Lot 34 - August Wilhelm Schirmer - August Wilhelm Schirmer (1802 Berlin - Nyon 1866) - Le port de Pozzuoli. Huile sur toile, doublée. 1840. 44,8 x 87,8 cm. Ligaturé, monogrammé et daté en bas à gauche. Encadré. Vue sur le port de Pozzuoli, un village de pêcheurs situé à l'ouest de Naples. Baigné d'une lumière chaude par le soleil levant, le Rione Terra se dresse sur du tuf, un ensemble fortifié traversé de ruelles étroites dont les fondations remontent au IIe siècle avant J.-C.. Sur la droite, on distingue la Chiesa dell'Assunta a Mare, autour de laquelle naviguent de nombreux bateaux de pêche. Il semble que le tableau proposé soit une deuxième version d'une composition de Schirmer peinte en 1838, qui était autrefois accrochée dans la salle de conférence de Frédéric Guillaume IV au château de Charlottenburg. Celle-ci a été déplacée dans les Neue Kammern pendant la Seconde Guerre mondiale, puis emportée par l'Armée rouge peu avant la fin de la guerre, en août 1945, et est depuis considérée comme disparue. Littérature : Cf. Margarete Kühn, Die Bauwerke und Kunstdenkmäler von Berlin, Schloß Charlottenburg, 2 vol., Berlin 1970, vol. I, p. 73, vol. II, ill. 356 (comme "port italien au soleil couchant") ; Cf. Gert Bartoschek, Berliner Biedermeier. Malerei und Grafik aus den Sammlungen der Staatlichen Schlösser und Gärten, Potsdam-Sanssouci 1973, p. 66, cat. n° 10/20 ; Cf. Eva Sprecher-Uebersax (éd.) et Ilse Baer, August Wilhelm Ferdinand Schirmer (1802-1866). Ein Berliner Landschaftsmaler aus dem Umkreis Karl Friedrich Schinkel, Stiftung Preußische Schlösser und Gärten Berlin-Brandenburg, Berlin 1996, p. 133, cat. n° 4.9, ill. p. 132. Taxation : taxe différentielle (VAT : Margin Scheme)

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 35 - Johann Anton Castell - Johann Anton Castell (1810 - Dresde - 1867) - Vue de Dresde, clair de lune. Huile sur toile. 1846. 52 x 74,5 cm. Signé ("JAC "ligaturé) et daté en bas à droite. Encadré. La vie et l'œuvre du peintre Johann Anton Castell sont étroitement liées à Dresde. Il y étudia à partir de 1827, d'abord dans la classe de paysage, puis dans l'"école d'art" de l'académie. A partir de 1829, il fréquenta l'atelier de Johan Christian Clausen Dahl et suivit l'ambiance romantique du Norvégien établi à Dresde. Castell entreprit de longs voyages d'étude en Bohème, à Vienne et au Tyrol, mais il trouva surtout ses motifs dans les environs de la métropole artistique baroque et dans les monts Elbsandstein. La vue de Dresde proposée est un exemple éclatant de l'art pictural de Castell, car au lieu de montrer Dresde en plein jour, il la montre sous un firmament nocturne. Le regard se porte de la rive gauche de l'Elbe, par-delà un embarcadère, vers la silhouette de la ville, que la pleine lune basse, reflétée dans l'eau, baigne dans une lumière argentée et fraîche. Depuis que Bernardo Bellotto avait peint Dresde depuis la rive droite opposée, des hauteurs de la Neustadt jusqu'à la rive de Pieschen, la vue dite "vue de Canaletto" était considérée comme un leitmotiv pour les védutistes du 19e siècle. En déplaçant le lieu, Castell place la coupole de la Frauenkirche au centre du tableau, simplement surplombée par les mâts des bateaux qui s'élèvent dans le ciel bleu nuit. Littérature : Friedrich von Boetticher, Malerwerke des neunzehnten Jahrhunderts, 4 vol., troisième réimpression non modifiée, Hofheim am Taunus, H. Schmidt & C. Günther, 1979 (d'abord Fr. v. Boetticher's Verlag, Dresde 1891-1901) ici vol. 1, p. 173, cat. n° 5 ("Vue de Dresde, clair de lune"). Exposition : Verzeichniß der (...) öffentlich ausgestellt Werke der bildenden Kunst, Königlich Sächsische Akademie der Künste, Dresde 1846, cat. n° 198 ("Paysage au clair de lune, vue sur Dresde"). Provenance : Collection privée, France, probablement depuis le 19e siècle ; Grisebach, Berlin, vente aux enchères, 30.5.2018, lot 111 ; Collection privée, Allemagne. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 30 000 - 40 000 EUR

Lot 38 - Johan Christian Clausen Dahl - Johan Christian Clausen Dahl (1788 Bergen - Dresde 1857) - Cavalier devant un ciel du soir. Huile sur bois. 1824. 17,8 x 20,6 cm. Signé et daté en bas à droite. Encadré. Lorsque Dahl arriva à Dresde en 1818, ses études à l'huile libres et naturalistes firent sensation. En Italie, où il séjourna en 1820/21 pour un voyage de dix mois à l'invitation du prince héritier danois Christian Frederick, il parvint à une manière de peindre encore plus immédiate. Dans cette petite composition clairement construite, il montre, dans l'esprit du romantisme, un seul personnage, un cavalier à cheval, entouré d'une nature paisible et contemplative. Alors qu'il traverse un col, le ciel du soir, sans doute peint en plein air par Dahl sur le support, se teinte déjà de jaune rosé. La littérature : Marie Lødrup Bang, Johan Christian Dahl. 1788-1857. Life and Works, Oslo 1987, vol. 2, p. 157, cat. n° 449. Exposition : Un siècle de peinture romantique de Martin v. Rohden (1778-1868) à Louis Kolitz (1845-1914), Städtische Kunstsammlungen, Kassel 1952, cat. n° 27 ; Classicisme et romantisme en Allemagne. Gemälde aus der Sammlung Georg Schäfer, Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg 1966, p. 68, cat. n° 28, planche couleur 28 ; Carl Gustav Carus et la peinture de paysage contemporaine de Dresde. Gemälde aus der Sammlung Georg Schäfer, Altes Rathaus, Schweinfurt 1970, p. 38, cat. n° 21, avec ill. Provenance : Benoni Friedländer, Berlin ; Dr. Wilharn, Kassel, 1952, inscrite au dos du cadre ; Neumeister & Gräf, Munich, vente aux enchères, 5.11.1955 ; Collection Georg Schäfer, Schweinfurt (n° inv. 1946), étiquette au verso ; Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : impôt différentiel (VAT : Margin Scheme)

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 39 - Carl Julius von Leypold - Carl Julius von Leypold (1806 Dresde - Niederlößnitz 1874) - Brouillard au-dessus d'un cimetière russe. Huile sur carton. (Vers 1830). 26,2 x 42,1 cm. Encadré. Un voile de brume bleu-gris recouvre les tombes dans les creux du terrain du cimetière. Les croix funéraires - dont l'une est renversée comme un arbre pourri - sont baignées d'une lumière diffuse par le soleil, dont les rayons sont avalés par la cloche de brume. Selon Werner Sumowski, ce paysage évocateur ne peut être que l'œuvre d'un peintre de la génération romantique suivante, dans l'entourage de Caspar David Friedrich, car il présuppose une connaissance du style de ce dernier dans les années 1820. Sumowski reconnaît ici la même main que pour Carl Julius von Leypold "Kirchhofseingang" (Entrée du cimetière) au Stadtmuseum im Fembo-Haus, Nuremberg (inv. n° Gm 2005) (cf. Werner Sumowski, Caspar David Friedrich und Carl Julius von Leypold, Panthéon XXIX, 1971, p. 501, avec illustration). Dans cette composition également, un "espace de brouillard", conçu comme inaccessible et s'étendant à l'infini, succède à un premier plan vu de près avec des éléments créant l'espace. Il est possible que Leypold ait peint ce motif pour un commanditaire russe. Il s'agirait par exemple du poète russe Vassily Andreïevitch Joukovski (1783-1852), qui était un important mécène de Caspar David Friedrich et qui entretenait par ailleurs des contacts avec d'autres peintres de Dresde. Exposition : Caspar David Friedrich und Umkreis, Galerie Hans, Hambourg 2006, cat. n° 32, avec ill. Provenance : Galerie Hans, Hambourg, avec le cachet du collectionneur de Mathias F. Hans au verso (cf. Lugt 5924) ; Grisebach, Berlin, vente aux enchères, 31.5.2017, lot 125 ; Collection privée, Allemagne. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 50 000 - 60 000 EUR

Lot 41 - Friedrich Preller D. Ä. - Friedrich Preller D. Ä. (1804 Eisenach - Weimar 1878) - Tombeau de dolmen sur l'île de Rügen. Huile sur toile. 1844. 58,5 x 75,5 cm. En bas à gauche, monogrammé en ligature (le "F" en miroir), daté et localisé "18 FP. 44 Weimar". Encadré. Lors de son premier voyage en Italie (1827-31), Friedrich Preller avait fait la connaissance de Joseph Anton Koch, dont l'idéal paysager héroïque l'influença de manière déterminante. En 1837, maladif et psychologiquement atteint, il se rendit sur l'île de Rügen sur recommandation de son médecin. Malgré des poussées de nostalgie italienne, qui s'estompaient tout aussi rapidement, Preller appréciait beaucoup le paysage du nord de l'Allemagne. Il écrivit à sa femme : "J'ai commencé ma randonnée à travers différentes parties de l'île avec l'Ossian (une épopée celtique) dans ma poche. Je passais des journées entières sur les rives du lac ou sur d'anciennes tombes de dinosaures. J'avais à nouveau trouvé un terrain sur lequel je pensais pouvoir créer quelque chose de nouveau et d'intéressant. Je ne connaissais pas de plaisir plus grand que celui de parcourir la lande en solitaire, par tous les temps, et c'est ainsi que le Sud s'éloignait de plus en plus de moi - c'est justement l'opposé qui commençait à me réchauffer". (J. Gensel, 1904, p. 54 et suivantes). Ce premier séjour marque un changement dans l'œuvre de Preller, qui s'éloigne des paysages de collines aux tons chauds près d'Olevano pour se rapprocher des paysages crépusculaires nordiques et âpres, avec des tombes en pierre mégalithiques et des chênes battus par le vent. En 1839, Preller se rendit une nouvelle fois à Rügen, accompagné de ses élèves Ferdinand Bellermann, Sixt Thon et Carl Hummel, puis un troisième et dernier séjour à la fin de l'été 1847. Provenance : Collection privée, Hesse. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 22 000 - 24 000 EUR

Lot 42 - Wilhelm von Kobell - Wilhelm von Kobell (1766 Mannheim - Munich 1853) - Paysage de Haute-Bavière avec des vaches et des bergères. Huile sur toile. 30,9 x 38,3 cm. Signé et daté de manière peu claire en bas à gauche. Au verso, tampon difficilement lisible "Zimmermann" ( ?). Encadré. Pas chez Wichmann. Comme Heinrich von Bürkel, Wilhelm von Kobell a réuni en Bavière les genres du genre et du paysage, il a fait de la vue sur les Alpes bavaroises un transparent pour l'observation de la population rurale et de ses activités. Tandis que Bürkel a pris pour motifs des forges dans les Alpes hivernales ou des rixes dans des auberges, Kobell a choisi comme sujet, entre autres, la vie paisible à la campagne, les activités des gens de la campagne dans les montagnes bavaroises. Sur une scène de premier plan en forme de plateau paissent quelques vaches et, derrière elles, un troupeau de moutons. A gauche se tient une vachère avec un râteau en costume traditionnel de Tegernsee, devant elle est assise, dos au spectateur, une jeune fille qui attache des fleurs. Il pourrait s'agir d'une mère et d'un enfant qui font une courte pause - mais sont-ils vraiment ensemble ? On ne le sait pas, dans leur apparence presque poupine, elles n'ont pas vraiment de contact, elles semblent étrangement séparées et isolées, comme "placées" dans le paysage à partir d'un autre contexte. En fait, Kobell a toujours réutilisé, varié et réarrangé dans ses tableaux et aquarelles des figures et groupes de figures trouvés une fois devant le décor des Alpes bavaroises - il a ainsi utilisé littéralement le groupe de vaches dans une aquarelle réalisée vers 1830, qui montre la vue sur le lac de Starnberg depuis les hauteurs (Schweinfurt, Museum Georg Schäfer, Inv.MGS 1100A, cf. Wichmann 1477), et l'enfant aux fleurs assis se retrouve dans deux autres œuvres de Kobell représentant des paysannes nouant des bouquets (Wichmann 1091 et 1494). Cette manière de trouver l'image témoigne d'un procédé rationalisé qui ne se limite pas au personnel des personnages - la présentation et la vue suivent également une stratégie picturale une fois inventée : la combinaison d'une vue rapprochée au premier plan et d'une vue éloignée sur la silhouette des Alpes bavaroises est caractéristique de Kobell. Au premier plan, le plateau s'avance en demi-cercle dans le monde montagneux, les prairies forment des "îles" individuelles attribuées au bétail et aux personnages ; à l'écart de celles-ci, derrière une vallée, se trouve la coulisse des montagnes échelonnées les unes derrière les autres, sur lesquelles le bleu du ciel se pose de plus en plus vers l'arrière. C'est ce calme hors du temps, cette vision d'un monde montagneux paisible et encore intact, qui rend les tableaux de Kobell si populaires auprès du public jusqu'à aujourd'hui. La mise en scène de la juxtaposition du "réalisme du détail" au premier plan et des apparitions atmosphériques à l'arrière-plan, de la proximité où les détails sont reconnaissables à l'éloignement où les montagnes et le ciel se confondent, est caractéristique de l'univers pictural de Kobells. C'est ce mélange particulier d'observation détaillée de la nature et d'animation atmosphérique, d'attention affectueuse portée à l'objet, qui a permis aux paysages de Kobells de rencontrer le goût de son public et de créer une image des montagnes bavaroises dont les effets se font encore sentir aujourd'hui. Dr. Peter Prange Provenance : Propriété privée depuis des décennies, Saxe. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 15 000 - 20 000 EUR

Lot 43 - Heinrich Bürkel - Heinrich Bürkel (1802 Pirmasens - Munich 1869) - Des haleurs tirent deux bateaux vers l'amont (sur l'Inn). Huile sur toile. (Probablement les années 1820). 52,8 x 72,2 cm. Signé par ligature en bas à gauche. Encadré. Pas chez Bühler/Krückl. "(...) Là, la rive de l'Inn avec ses vieilles tours de défense était la station des haleurs qui descendaient l'Inn et la Salzach pour, après une courte pause, se laisser porter vers Linz, Vienne et Budapest. Laufen sur la Salzach et Hall am Inn dans le Tyrol étaient des stations de départ. A l'origine, les bateaux transportaient du sel et faisaient descendre les chevaux dans le bateau annexe, destinés à remonter du blé et du maïs hongrois en guise de contre-charge. C'est peut-être dans l'étroitesse à l'est de Passau qu'il (Bürkel) a vu et peint pour la première fois le train de bateaux. C'était un spectacle bienvenu pour lui, l'ami des chevaux, de voir les corps fumants des Pinzgauer et de leurs successeurs élevés à Samerberg, au sud de Rosenheim, au prix d'un effort extrême. Mais ensuite, il a été attiré en amont de l'Inn, là où les haleurs et les chevaux étaient chez eux. C'est ainsi qu'il est arrivé à Beuern, à Rattenberg. Et c'est là qu'il a recueilli un matériel d'étude qui a sauvé de l'oubli une multitude de vies populaires et de coutumes qui ont disparu d'un seul coup avec l'installation des lignes de chemin de fer. (...). Le halage était l'un des thèmes principaux des années vingt, et les tableaux de halage ont certainement contribué très largement au succès étonnamment rapide du peintre" (Ludwig von Bürkel, Heinrich Bürkel. Ein Malerleben der Biedermeierzeit, Munich 1940, p. 25 et suivantes). Provenance : Sotheby's, Munich, vente aux enchères, 25.6.1996, lot 77 ; Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 12 000 - 15 000 EUR

Lot 44 - Heinrich Bürkel - Heinrich Bürkel (1802 Pirmasens - Munich 1869) - Osteria près de Rome. Huile sur toile, doublée. (Vers 1855). 32,4 x 46 cm. Signé par ligature en bas à droite. Encadré. Bühler/Krückl 539. Heinrich Bürkel a voyagé quatre fois en Italie, où il s'est consacré à l'étude du paysage et à la description de la vie rurale, comme beaucoup d'autres artistes allemands. Après son dernier séjour en Italie en 1853, il réalise à Munich, dans un ordre chronologique serré jusqu'en 1860, plusieurs tableaux qui se déroulent devant des osterias et des tavernes et qui offrent une vue sur la silhouette de Rome. Au centre de cette version se trouve l'animation devant un débit de vin, dont fait la publicité l'enseigne au-dessus de l'entrée ("Spaccio di vino a minuto"). Devant, trois cavaliers attendent une place libre, prêts à s'arrêter pour étancher leur soif avec un vin gouleyant. A l'ombre d'un toit de paille, plusieurs paysans sont assis en toute convivialité. Le padrone se précipite déjà pour resservir une carafe de vin rouge pleine de l'auberge, effrayant chiens et poules qui animent la scène de manière anecdotique. Au second plan, un berger et son troupeau de bovins se dirigent vers les portes de Rome en soulevant la poussière. Dans la brume, la coupole de Saint-Pierre apparaît au loin. Nous remercions Anna Rubin du Holocaust Claims Processing Office de New York pour ses recherches et ses informations sur la famille Borchardt-Cohen. Selon ces informations, Ludwig Borchardt est décédé en 1938 et sa seule héritière était son épouse Mimi. C'est elle qui a vendu l'œuvre d'art en 1941 chez Fischer Luzern au profit d'une de ses fondations caritatives. Elle-même n'a pas été favorisée par cette vente. Après une demande expresse, le Holocaust Claims Processing Office ne peut pas non plus constater une vente "sous la contrainte". Bibliographie : Hans-Peter Bühler et Albrecht Krückl, Heinrich Bürkel, avec catalogue raisonné des peintures, Munich 1989, p. 288, cat. n° 539, avec illustrations. Provenance : Sophie Cohen (1881-1933), Francfort ; Emilie (Mimi) Borchardt-Cohen (1877-1948) (épouse de Ludwig Borchardt), Vienne et Bâle, 1933 par héritage de sa sœur Sophie Cohen ; Fischer, Lucerne, vente aux enchères, 22.10.1941, lot 1171, déposé par ci-dessus. (Mimi Borchardt-Cohen a fait don du produit de la vente à la Fondation Borchardt-Cohen, Suisse) ; Neumeister, Munich, vente aux enchères, 18.3.1992, lot 492 ; Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 46 - Carl Spitzweg - Carl Spitzweg (1808 - Munich - 1885) - Jeune fille dans la forêt (Vallée forestière ombragée - Sennerin avec poids sur la tête). Huile sur bois, avec baguettes d'insertion au verso. (Vers 1860). 20,2 x 27,4 cm. En bas à gauche avec le monogramme "S en losange". Encadré. Roennefahrt 321 ; Wichmann 1434. Il s'agit d'une scène charmante et pleine de grâce, caractéristique de Spitzweg, dans laquelle ses deux thèmes de vie, l'homme et la forêt, se rejoignent. Comme souvent, Spitzweg montre ici l'homme dans la forêt, presque comme une cloche protectrice autour de la jeune fille qui se fraie un chemin pieds nus sur un sentier caillouteux passant devant un martyre. La forêt est sombre, seule une trouée blanche et bleue dans le ciel laisse entrer un peu de lumière, mais la jeune fille est la seule à briller de mille feux - elle vient de devant, de là où la jeune fille se dirige. Entourée d'une végétation luxuriante qui reflète la lumière, il est difficile d'imaginer une mise en scène plus impressionnante de son apparition - la jeune fille s'avance vers nous, le spectateur, tenant dans la flexion de son bras droit un panier à anses afin de pouvoir encore porter dans sa main une bouteille de vin ( ?), tandis qu'elle soutient de la gauche le panier à linge plein qu'elle porte sur sa tête. Elle revient nous apporter des plaisirs gustatifs, de la lumière et peut-être plus encore ? Spitzweg a représenté à plusieurs reprises ce motif de la jeune fille qui revient sur un chemin caillouteux, tantôt accompagnée d'une chèvre, tantôt seule, puis en rencontrant un chasseur qui laisse passer l'occasion de flirter - mais c'est toujours la jeune fille sûre d'elle, en paix avec elle-même, qui rayonne de joie de vivre et de beauté juvénile dans ses couleurs chatoyantes. C'est toujours dans cette harmonie de couleurs, chemisier blanc et corsage jaune d'or, tablier bleu et jupe rouge, que les femmes de Spitzweg "apparaissent" dans la forêt. Il n'est certainement pas exagéré de supposer que cette "apparition" de Mme Spitzweg représente l'idéal féminin - c'est toujours la belle jeune femme en dirndl qu'il met en scène. Contrairement à Menzel, il n'a jamais représenté de femmes âgées ; jusqu'à un âge avancé, il a placé la jeune femme dans ses tableaux - ne serait-ce que deux coups de pinceau bleu et rouge - comme pour échapper au temps qui passe. Spitzweg lui-même n'a jamais été marié, mais il avait courtisé une femme dans sa jeunesse, mais celle-ci est morte avant qu'un lien plus solide ne se crée. Spitzweg est resté un fier hagard vieillissant - un motif qu'il a toujours évoqué - et a transposé ses fantasmes en peinture. Spitzweg en parle d'une manière si vaporeuse et légère que le tableau se met à scintiller, la lumière saute de feuille en feuille et met le tableau en mouvement. Depuis son séjour à Paris, et plus particulièrement à Barbizon en 1851, Spitzweg a expérimenté à plusieurs reprises la manière dont la fraîcheur et l'intensité des couleurs, la tonalité et l'application des couleurs, le clair et le foncé semblent s'accorder d'eux-mêmes pour capturer la couleur, l'ambiance et l'atmosphère. Les peintres de Barbizon - comme Narcisse Díaz de la Peña - l'ont inspiré durablement et à plusieurs reprises pour de telles expériences, dans lesquelles Spitzweg a trouvé une peinture pure que l'on peut qualifier à juste titre de "pré-impressionniste". Dr. Peter Prange La littérature : Günther Roennefahrt, Carl Spitzweg. Beschreibendes Verzeichnis seiner Gemälde, Ölstudien und Aquarelle, Munich 1960, p. 167, cat. n° 321, avec illustrations ; Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Die Sennerin im Wald, Documentation, Starnberg-Munich, R.f.v.u.a.K. 1996, p. 12ff, Bay. Staatsbibliothek München, Inv. n° 656 SW 89 ; Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Verzeichnis der Werke, Stuttgart 2002, p. 520, cat. no. 1434, avec col. Illustrations (coupées en haut). Exposition : Nationalgalerie, Berlin, 23e exposition spéciale, nov./déc. 1886, n° 47, de la propriété de Heinrich Bürkel, Munich, avec le nouveau titre "Mädchen im Hohlweg" ; Hugo Helbing, Berlin, exposition Spitzweg, 20.2-31.3.1927, n° 34 (comme "Mädchen im Walde"), de propriété privée à Leipzig. Provenance : Ludwig von Bürkel (1841-1903), Munich ; Artur Louran, Berlin ; Elsas, Berlin, vente aux enchères, 12.12.1931, lot 47, provenant d'une collection privée berlinoise (Slg. Louran) et intitulé "Schadiges Waldtal" (dimensions erronées) ; Elsas, Berlin, vente aux enchères, 6.2.1932, lot 92, de la même collection privée berlinoise ; Neumeister, Munich, vente aux enchères, 24.3.2010, lot 347 ; Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : imposition différentielle (VAT : Margin Scheme)

Estim. 25 000 - 35 000 EUR

Lot 47 - Carl Spitzweg - Carl Spitzweg (1808 - Munich - 1885) - L'ermite tricotant. Huile sur bois. (Vers 1875-80). 15 x 32,2 cm. Monogrammé "S en losange" au verso. Encadré. Roennefahrt 1199 ; Wichmann 810. Suite à la sécularisation des biens ecclésiastiques dans l'Electorat de Bavière dans les années 1802/03, des centaines de monastères avaient été expropriés par des mesures d'étranglement, l'ordre des jésuites avait même été supprimé. La vie culturelle et intellectuelle ne s'était cependant pas totalement arrêtée, mais avait pu être préservée grâce au repli sur la sphère privée. Parallèlement, d'innombrables moines sans domicile fixe se sont retirés dans la solitude de la forêt. La plupart d'entre eux y ont mené une vie de renoncement qui a inspiré les artistes et les écrivains : Alors que Moritz von Schwind ou Ludwig Richter ont abordé le sujet dans une transfiguration romantique tardive, Spitzweg montre dans de nombreuses variantes les ermites, les cloîtrés et les moines, tels qu'ils ont toujours conservé une once de joie de vivre dans la simplicité de leur retraite choisie. Sur ce format horizontal étroit, qui peut être attribué à l'œuvre tardive de Spitzweg, nous rencontrons un moine vivant dans l'isolement, assis devant sa maigre habitation et manipulant un bas à tricoter pendant que le soleil de l'après-midi sèche son linge. Son seul compagnon est un corbeau qui rôde. De tels ermitages étaient très appréciés du public urbain, car ils lui montraient ce qu'il avait perdu sans s'en rendre compte dans sa vie quotidienne trépidante - la volonté d'oisiveté, voire de contemplation, qu'incarne le moine qui travaille avec frugalité. La littérature : Günther Roennefahrt, Carl Spitzweg. Beschreibendes Verzeichnis seiner Gemälde, Ölstudien und Aquarelle, Munich 1960, p. 269, cat. n° 1199, avec illustrations ; Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg und die französischen Zeichner, cat. d'exposition, Haus der Kunst, Munich 1985, p. 504, cat. no. 762, avec illustrations en couleurs. ill. p. 401 ; Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Verzeichnis der Werke, Stuttgart 2002, p. 310, cat. no. 642, avec illustrations en couleur. ill. Exposition : Münchner Malerei unter Ludwig I., Galerie Heinemann, Munich 1921, p. 53, cat. n° 408, avec le titre "Beim Einsiedler". Provenance : Gebhardt, Munich, 4.2.1955 ; Propriété privée, Winterthur, selon Roennefahrt, inscription au verso "Eigentum von ... " (estompée) ; Collection Georg Schäfer, Schweinfurt (inv. n° 2913), avec l'étiquette au dos du cadre ; Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : imposition différentielle (VAT : Margin Scheme)

Estim. 30 000 - 40 000 EUR

Lot 48 - Carl Spitzweg - Carl Spitzweg (1808 - Munich - 1885) - Paysage (Paysage de Franconie). Huile sur carton. (Vers 1875). 21,7 x 30,4 cm. En bas à droite avec le monogramme gravé "S en losange". Numéroté au verso sur deux étiquettes "43" et "135". Encadré. Roennefahrt 263 ; Wichmann 1414. La vue s'étend sur une large vallée coupée par une rivière, un petit village accessible à pied se trouve à droite. Tout au loin se trouve le Jura franconien avec sa structure stratifiée typique, derrière lequel se détache, en bleu vif, la silhouette d'une crête. Sous le soleil de l'après-midi, qui donne au paysage bavarois une teinte méridionale, une femme - son enfant à l'arrière de sa jupe - est en route. Ils ont dépassé le lit d'une rivière asséchée et se dirigent vers la vallée sur un chemin de bruyère légèrement en pente et bordé d'épais buissons, en direction d'un lotissement de maisons. C'est l'idylle intemporelle d'une journée d'été, sur laquelle quelques nuages blancs passent tranquillement dans le ciel bleu. Dans cette étude de paysage, Spitzweg alterne les perspectives avec une grande habileté - le premier plan est donné d'un point de vue surélevé, ce qui donne l'impression d'une vue de dessus, tandis que l'arrière-plan, derrière les buissons, s'élargit en perspective horizontale, comme un panorama. En 1851, il avait visité avec Eduard Schleich l'Ancien la colonie d'artistes de Barbizon, où furent jetées les bases de l'impressionnisme qui se répandit peu après. Le petit tableau de Spitzweg illustre la grande influence de la peinture de l'école de Barbizon sur son œuvre tardive. Littérature : Alois Elsen, Carl Spitzweg, Vienne 1948, p. 127f. texte, ill. couleur 63 ; Günther Roennefahrt, Carl Spitzweg. Beschreibendes Verzeichnis seiner Gemälde, Ölstudien und Aquarelle, München 1960, p. 162, cat. no. 263, avec ill ; Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Die kleine Landschaft der Spätzzeit, documentation, Starnberg-Munich, R.f.v.u.a.K. 1988, Bayer. Staatsbibl. Munich, n° d'inv. Ana 656 SW 7 ; Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg, Munich 1990, p. 162, p. 214, cat. n° 109 ; Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Verzeichnis der Werke, Stuttgart 2002, p. 515, cat. no. 1414, avec illustrations en couleur. ill. Exposition : Exposition Carl Spitzweg. Zur 150. Wiederkehr seines Geburtstag am 5. Febr. 1958, Städtische Galerie im Lenbachhaus, München 1958, p. 37, Kat.-Nr. 81 (intitulée "Landschaft mit Frau und Kind"). Provenance : Collection des princes de Liechtenstein (inv. n° 2152) ; Collection Georg Schäfer, Schweinfurt (Inv.-Nr. 2329), avec l'étiquette au dos du cadre ; Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : imposition différentielle (VAT : Margin Scheme)

Estim. 20 000 - 30 000 EUR

Lot 49 - Carl Spitzweg - Carl Spitzweg (1808 - Munich - 1885) - Paysage méridional. Huile sur métal. (Vers 1870). 24,7 x 29,5 cm. Encadré. Roennefahrt 604 ; Wichmann 642. Peu après avoir passé son examen de pharmacien pratique le 4 avril 1832, Carl Spitzweg partit pour un long voyage en Italie. Dès le 28 du même mois, il s'arrête à Venise, en provenance de Trieste, où il avait rendu visite à son frère malade. Il poursuit son voyage à Padoue, Bologne et Florence. Le 26 mai, il arrive à Rome, où il continue à remplir ses carnets de croquis, notamment avec des études minutieuses du château Saint-Ange, de l'arc de Constantin et du Forum romain, avant de poursuivre vers le sud jusqu'à Naples. Rétrospectivement, ce deuxième voyage en Italie a été déterminant, car il a encouragé Spitzweg, lassé des pilules et des pommades, à se consacrer entièrement à la peinture et au dessin. Dans son œuvre tardive, Spitzweg se souvient encore une fois de ce voyage entrepris il y a près de 40 ans, avec quelques tableaux représentant des paysages vallonnés parsemés de pinèdes. Dans son carnet d'esquisses de 1832, quelques études au crayon peuvent être attribuées spécifiquement au présent paysage. Littérature : Günther Roennefahrt, Carl Spitzweg. Beschreibendes Verzeichnis seiner Gemälde, Ölstudien und Aquarelle, Munich 1960, p. 196, cat. n° 604, avec illustrations ; Siegfried Wichmann, Spitzweg. Rencontres avec Moritz von Schwind et Arnold Böcklin dans le petit paysage, Haus der Kunst. Munich 1985, p. 129, cat. no. 88, avec ill ; Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Verzeichnis der Werke, Stuttgart 2002, p. 310, cat. no. 642, avec illustrations en couleur. ill. Exposition : Wiener Biedermeier-Maler und Carl Spitzweg, Kunstmuseum Luzern, 1950, cat. n° 356 ; Exposition Carl Spitzweg. A l'occasion du 150e anniversaire de sa naissance le 5 février 1958, Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich 1958, p. 35, cat. n° 54 (intitulée "Gebirgslandschaft"). Provenance : Collection des princes de Liechtenstein (inv. n° 2147), numérotée "27" au verso sur une ancienne étiquette ainsi que l'adresse ; Collection Georg Schäfer, Schweinfurt (Inv.-Nr. 2327), avec l'étiquette au dos du cadre ; Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : impôt différentiel (VAT : Margin Scheme)

Estim. 20 000 - 30 000 EUR

Lot 54 - Franz von Lenbach - Franz von Lenbach (1836 Schrobenhausen - Munich 1904) - Des campagnards fuyant un orage (paysans devant la chapelle). Huile sur carton, montée sur panneau de bois. (Vers 1858). 36,8 x 32,3 cm. Encadré. Etude préparatoire à l'œuvre de jeunesse de Lenbach, aujourd'hui disparue, "Landleute vor einem Gewitter zu einer Kapelle fliechtend" (anciennement Kaiser-Friedrich-Museum, Magdeburg, voir Cf. ill.). En novembre 1857, Lenbach avait rejoint la classe de peinture et de composition de Karl Theodor von Piloty ; dès lors, l'élaboration d'ébauches de tableaux était à l'ordre du jour. Dans une succession d'esquisses (dont certaines se réfèrent à "Hörzhausen"), il développe depuis 1856, à partir de la situation d'un promeneur devant une chapelle de chemin, une scène chargée de drame : en plein été, alors que les nuages s'amoncellent dans un ciel sombre, des paysans ont interrompu leur travail dans les champs de blé et cherchent refuge auprès de la Vierge Marie dans la chapelle sur le bord du champ. La scène est baignée d'une lumière blafarde. Il est probable que les paysans atteignent l'abri juste à temps avant que l'orage n'éclate. Bien que le groupe de personnages ne soit représenté que sous forme d'esquisse, la composition de la version définitive est déjà entièrement élaborée dans l'étude fugitive. Lenbach raconte : "(...) Je suis resté environ un an et demi chez Piloty et j'ai peint deux tableaux chez lui. Le premier représentait des paysans qui, sous l'orage, se réfugient dans une chapelle. (...) Ce tableau de paysans fut ma première tentative pour entrer à la Münchner Kunstverein ; elle fut couronnée de succès et je reçus 450 florins. En même temps, j'ai reçu une bourse d'État d'un montant de 500 florins (...)" (Wilhelm Wyl, Franz von Lenbach, Gespräche und Erinnerungen, Stuttgart 1904, p. 34). Avec les recettes, Lenbach devait ensuite financer son premier voyage en Italie. Attestation d'authenticité manuscrite de Josefine Lenbach (sœur de l'artiste) au verso du socle. Littérature : Rosel Gollek et Winfried Ranke (éd.), Franz von Lenbach 1836-1904, Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich 1987, p. 214, cat. n° 50, avec ill. p. 215. Provenance : Galerie Schöninger, Munich, 18.2.1954 ; Collection Georg Schäfer, Schweinfurt (inv. n° 2939), étiquette au verso ; Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : imposition différentielle (VAT : Margin Scheme)

Estim. 10 000 - 15 000 EUR

Lot 55 - Andreas Achenbach - Andreas Achenbach (1815 Kassel - Düsseldorf 1910) - Déchargement des bateaux de pêche sur la côte hollandaise. Huile sur bois. 1867. 70,4 x 99,8 cm. Signé et daté en bas à droite. Au verso, cachet du marchand de fournitures pour artistes "Félix Mommen, Bruxelles". Encadré. Andreas Achenbach n'a cessé de peindre la côte hollandaise sous une lumière changeante, qui va de pair avec les caprices de la météo dans une situation aussi exposée. L'impulsion pour se tourner vers la peinture de marine a été donnée par le voyage entrepris en 1831/32 aux côtés de son père le long des côtes de la mer du Nord et de la Baltique, via Rotterdam, Scheveningen, Amsterdam et Hambourg jusqu'à Riga, au cours duquel Achenbach s'est penché sur la conception réaliste du paysage de la peinture néerlandaise du 17ème siècle. Dans ce morceau de côte, le regard est guidé vers la droite par la figure du marin qui patauge dans les vagues jusqu'à la taille et qui porte lourdement l'ancre à l'épaule, vers plusieurs voiliers débarqués sur la plage, en partie dans la brume. Les pêcheurs qui rentrent sont enveloppés d'une humidité moite. Autour des bateaux règne déjà une agitation affairée. Les femmes des habitants de la côte se sont précipitées avec des paniers pour vendre la prise du jour sur la plage. Comparé à ses représentations de naufrages et de mers déchaînées, Achenbach renonce ici à tout drame : le charme particulier de cette composition réside dans la palette subtile, qui présente un large éventail de nuances très fines entre le gris-bleu de la mer et le brun du sable, et dans la variabilité du coup de pinceau. Provenance : Propriété privée depuis des décennies, sud de l'Allemagne. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 57 - Carl Wuttke - Carl Wuttke (1849 Trebnitz/Schlesie - Munich 1927) - Scène de port sur la Neva avec le carrosse d'apparat du tsar Alexandre III traversant Saint-Pétersbourg. Huile sur panneau de bois, collée sur bois. (18)89. 13,8 x 20,6 cm. Signé en bas à droite, daté en bas à gauche avec indication du lieu "St. Petersburg 12 juin 89". Au verso, le n° "764", en outre une inscription indistincte et un cachet vert à faible impression. Encadré. Passant toutes les frontières depuis les années 1880, Carl Wuttke peut être considéré comme l'un des premiers artistes à avoir parcouru le monde. Parmi les pays et régions qu'il a visités, on trouve notamment l'Egypte, la Chine, l'Inde, la Grèce, le Japon, le Caucase, la Palestine, la Turquie, mais aussi la Russie. Ainsi, un jour de juin 1889, il observe le passage du tsar russe à Saint-Pétersbourg. Alexandre III est assis dans un carrosse d'apparat doré, tiré par un quadruple attelage de chevaux de trait, le long de la promenade de la Neva ornée de drapeaux. Les études à l'huile de Wuttke "(...) se distinguent par un coloris lumineux, des accents de couleurs vives, un sens sûr des ambiances aériennes et lumineuses riches en nuances ainsi que par une conception pré-impressionniste spontanée, évitant tout lissage académique, dans une application de couleurs pastose". (Lexikon der Düsseldorfer Malerschule 1819-1918, vol. 3, Kunstmuseum Düsseldorf im Ehrenhof et Galerie Paffrath, Düsseldorf (éd.), 1998, p. 452). Taxation : taxe différentielle (VAT : Margin Scheme)

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 61 - Henryk Ippolitovich Siemiradzki - Henryk Ippolitovich Siemiradzki (1843 Novobelgorod près de Kharkiv - Strzałków 1902) - Romaine se reposant au-dessus d'une baie de la mer. Huile sur vélin, montée sur toile. 19,7 x 31,1 cm. Signé en bas à gauche. Au dos du cadre, deux anciennes étiquettes d'exposition. Encadré. Henryk Siemiradzki, issu d'une ancienne famille noble, étudia à partir de 1864 à l'Académie des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg. En 1871, il se rendit à Cracovie et à Munich, où il devint l'élève de Carl Theodor von Piloty. L'année suivante, après un arrêt à Naples, il se rendit à Rome où il s'installa définitivement. L'Antiquité classique représentait pour le peintre de salon Siemiradzki une époque arcadienne et dorée de beauté idéale. Il peignait souvent des scènes historicisantes intégrées dans des paysages méridionaux, démontrant ainsi sa maîtrise dans le rendu de la lumière scintillante du soleil et des couleurs vives. Le présent tableau, une ébauche pour une peinture aujourd'hui disparue, montre une patricienne romaine avec son entourage de servantes qui, descendue d'un palanquin doré, pense faire une pause à l'ombre d'un arbre. Exposition : Wystawa Obrazów Henryka Siemiradzkiego, Towarzystwo Zachety Sztuk Pieknych w Królestwie Polskim (Exposition des peintures de Henryk Siemiradzki, Société Zachety des Beaux-Arts du Royaume de Pologne), Varsovie 1903, cat. n° 610. Provenance : Dobiaschofsky, Berne, vente 109, 13.11.2009, lot 367 ; Collection privée européenne. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 8 000 - 12 000 EUR

Lot 65 - Hans Thoma - Hans Thoma (1839 Bernau - Karlsruhe 1924) - Paysage du Rhin supérieur. Huile et détrempe sur toile. 1916. 50,3 x 75,5 cm. Ligaturé, monogrammé et daté en bas à droite. Encadré. Pas chez Thode. Dans une vision pittoresque à long terme, Thoma guide le regard du spectateur sur le doux paysage vallonné d'une vallée fluviale qui serpente jusqu'au fond de l'image. Dans leur simplicité, les paysages de Thomas invitent à la réflexion et à la pause, soudain plus rien n'est aléatoire, tout semble subordonné à une signification supérieure. Ici aussi, l'observateur s'imagine d'abord être face à une succession de boucles du Rhin, croit reconnaître des tours et le cours sinueux du fleuve, pour finalement devoir constater une fois de plus qu'il s'agit ici d'une formation paysagère idéalisée, rappelant une Arcadie intacte. Même la mer de fleurs blanches au premier plan ne se révèle être un troupeau de moutons qu'au deuxième coup d'œil. A gauche, le couple de bergers s'est installé sur une colline et contemple les méandres de la rivière jusqu'à l'horizon. Mais c'est surtout une fois de plus la palette de couleurs de Thomas qui confère au paysage estival sa magie propre : qu'il s'agisse d'un contour bleu pur, d'un bleu clair aqueux ou d'un vert mélangé à du jaune pour les prairies verdoyantes, on retrouve ici les innombrables nuances de bleu auxquelles Thoma a toujours recours. Le paysage fluvial de Thomas est l'image d'une idylle pré-moderne qui invite le spectateur à attacher sa barque, à descendre et à se reposer, même si ce n'est que pour un court instant. Provenance : Paul Hartmann ( ?); puis dans une famille du sud de l'Allemagne. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 15 000 - 18 000 EUR

Lot 68 - Wilhelm Busch - Wilhelm Busch (1832 Wiedensahl - Mechtshausen 1908) - Portrait en buste d'un jeune paysan. Huile sur carton. 22,5 x 19,5 cm. Avec le monogramme gravé en bas à droite. Encadré. Gmelin 172. Même si Busch, célibataire, n'avait pas d'enfant, il lui arrivait de garder les petits-enfants de son oncle, le pasteur Georg Kleine de Lüthorst. A partir des années 1850, la vie rurale devient le centre de son attention, il réalise une série de portraits d'enfants, souvent issus du milieu paysan. Ici, il représente un petit garçon en demi-figure, placé dans un ovale haut, donné strictement de profil jusqu'à la naissance du coude. Le garçon porte une raie dans ses cheveux blonds et regarde sur le côté en fronçant les sourcils d'un air sceptique - il n'aime sans doute pas rester immobile et préfère de loin se défouler avec ses camarades. Gmelin renvoie à un dessin préparatoire dans le carnet de croquis d'Otto Nöldeke, fac-similé, Munich 1924 (p. 39), qui montre le même modèle. Littérature : Hans Georg Gmelin, Wilhelm Busch als Maler, Berlin 1980, p. 235, cat. n° 172, avec ill. Provenance : De la propriété de Helene Haase, née Kleine (nièce de l'artiste), depuis lors dans la famille ; Karl & Faber, Munich, vente aux enchères 82, 30.11.1962, lot 569, avec ill ; Collection Georg Schäfer, Schweinfurt (inv. n° 4426), étiquette au verso, acquise lors de la vente ci-dessus ; Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : impôt différentiel (VAT : Margin Scheme)

Estim. 4 000 - 6 000 EUR

Lot 71 - Wilhelm Leibl - Wilhelm Leibl (1844 Cologne - Würzburg 1900) - Portrait d'un monsieur de Munich. Huile sur bois. (Vers 1867). 59 x 45,4 cm. Inscrit à gauche : W. Leibl. Probablement dans un cadre O. Avec une expertise du Dr. Marianne von Manstein, Munich, du 5.4.2024. Waldmann 252. "En ce Leibl, le monde voit naître le peintre de portraits des temps modernes, le plus grand depuis Rembrandt", écrit Julius Meier-Graefe dans son "Histoire du développement de l'art moderne" (1904/1924). Même si Meier-Graefe ose ainsi un galop à travers les siècles, il attire l'attention sur des points importants. Pour Leibl, le portrait était, comme pour le grand Hollandais, la tâche picturale centrale de son œuvre et pourtant, on ne voudrait pas le qualifier de "portraitiste". Les portraits n'étaient pas réalisés comme des produits sociaux de masse, mais chacun d'entre eux était le fruit de longues séances et de l'observation directe du modèle. L'exigence technique la plus élevée rencontrait la profondeur de l'âme, sans psychologisation. Pour Leibl, les artistes du XVIIe siècle étaient sur ce point bien plus exemplaires que ce qui était enseigné à son époque à l'Académie, ce qui explique aussi la proximité stylistique avec l'art de Rembrandt. Un homme âgé est assis tranquillement en face de nous. Sa tête est tournée de trois quarts vers la gauche, mais du coin de l'œil, il fixe le spectateur. Comme souvent chez Leibl, rien dans la composition ne détourne l'attention de la représentation de l'homme. Le cadrage est si serré que l'homme n'est visible qu'en buste. Même les mains, que Leibl aime inclure dans le tableau et qui donnent parfois une indication sur l'environnement social de l'homme représenté par un objet personnel qu'il tient, ne sont pas visibles dans ce cas. Le nom de l'homme représenté n'est pas parvenu jusqu'à nous. Ainsi, l'observateur est entièrement jeté sur la peinture lorsqu'il explore le portrait. L'arrière-plan est dans des tons bruns qui ne révèlent rien de l'espace environnant et suggèrent également peu de profondeur. La veste noire se détache à peine de l'arrière-plan et on ne peut que deviner le lien également noir dans l'encolure du revers. Seules les pointes du col de la chemise blanche ressortent de manière bien définie et donnent au visage un cadre accentué vers le bas. Le blanc correspond aux cheveux blancs et gris de la barbe et des tempes qui, avec la demi-chauve, révèlent l'âge avancé du personnage, tout comme les poches sous les yeux légèrement ridées et les paupières un peu tombantes. Mais en même temps, le regard est tellement concentré et l'incarnation nuancée est tellement pleine de vie que l'on voit à quel point le sujet est au cœur de la vie. En particulier, le front haut et bien éclairé, à peine marqué par des rides et encore moins par des rides de souci, indique un esprit éveillé et sûr de lui. Le regard sort de l'image de manière scrutatrice, sans révéler, à l'aide du reste de l'expression, le jugement auquel parvient cet observateur critique. Et pourtant, il y a dans les traits un soupçon de mélancolie, associé à une sympathie bienveillante. D'un point de vue stylistique, ce portrait peut être daté des environs de 1867, lorsque différents artistes commencent à se regrouper autour de Leibl, qui formeront peu après ce que l'on appelle le cercle de Leibl, avec sa propre conception du réalisme. Les yeux sont modelés à coups de pinceau fins et quelques poils de barbe et de tête sont posés, tandis qu'une grande partie de l'incarnation, des cheveux et des vêtements sont appliqués à coups de pinceau plus grossiers. Entièrement fidèle à l'idée de "peinture pure" du cercle de Leibl, le "comment" artistique l'emporte sur le "quoi" narratif de l'objet pictural qui, que ce soit avec un coup de pinceau fin ou grossier, n'est pas formé par la ligne mais entièrement par la couleur. Concernant la provenance : Emil Waldmann indique en 1914 comme provenance "Professor Edinger, Frankfurt a.M." et en 1930 "Frau Professor Edinger, Frankfurt a.M.". Il s'agit probablement du neurologue renommé et fondateur de l'Institut de neurologie de l'Université de Francfort Ludwig Edinger (1855-1918) et de sa femme Anna (1863-1929). Anna était issue de la famille Goldschmidt, une famille de banquiers aisée et artistique de Francfort, et a pu permettre à son mari de faire des recherches indépendantes et de devenir le père de la neurologie en Allemagne. Elle s'est elle-même engagée dans des œuvres caritatives et a été active au-delà des frontières de Francfort en tant que militante pour les droits des femmes. Dr. Marianne von Manstein Littérature : Emil Waldmann, Wilhelm Leibl. Une présentation de son art. Gesamtverzeichnis seiner Gemälde, Berlin 1914, supplément, cat. n° 252, ill. 222 (daté d'environ 1890) ; Emil Waldmann, Wilhelm Leibl. Une représentation de son art. Gesamtverzeichnis seiner Gemälde, Berlin 1930, Cat.-Nr. 72 (daté env. 1867). Provenance : Professeur Edinger, Francfort-sur-le-Main ; Madame le professeur Edinger, Francfort-sur-le-Main ; Propriété privée, sud du pays

Estim. 20 000 - 30 000 EUR

Lot 72 - Wilhelm Leibl - Wilhelm Leibl (1844 Cologne - Würzburg 1900) - Tête de mort au drap blanc. Huile sur toile, doublée. (Vers 1868). 34,4 x 31,4 cm. Encadré. Waldmann 81 (2e édition). Ce petit tableau est l'une des trois études de crânes peintes par Wilhelm Leibl vers la fin de sa période à l'Académie - une variante datée de 1868 est conservée à la Kunsthalle de Karlsruhe (inv. n° 1018). Alors que d'autres artistes ont eu recours à des symboles plus subtils de l'éphémère, Leibl, tout à fait attaché au réalisme, nous confronte simplement à un crâne humain. Le linceul blanc est soulevé et révèle, éclairé avec netteté, une tête de mort au sourire cruel, vue de trois quarts. Le crâne humain, peut-être une pièce d'exposition dans une collection anatomique, repose sur un socle enveloppé d'un tissu noir qui lui rend sa position verticale de son vivant, comme s'il était encore soudé au tronc par les vertèbres cervicales. En même temps, la représentation prend ainsi des traits de portrait, l'impression d'un vis-à-vis direct est créée, ce qui distingue ce crâne des crânes compris comme de simples objets ou restes dans les natures mortes Vanitas du XVIIe siècle. Littérature : Emil Waldmann, Wilhelm Leibl. Une présentation de son art. Gesamtverzeichnis seiner Gemälde, 2e édition, Berlin 1930, cat. n° 81. Exposition : Wilhelm Leibl. Peintures, dessins, gravures. Akademie der Künste, Berlin, Wallraf-Richartz-Museum, Cologne, et Galerie Matthiesen, Berlin, Cologne-Berlin 1929, p. 43, cat. n° 29a ; Il y a cent ans : Danemark et Allemagne 1846-1900. Adversaires et voisins, Statens Museum for Kunst, Copenhague, Kunstmuseum Århus, Kunsthalle zu Kiel, Orangerie Schloss Charlottenburg, Berlin, 1981, p. 372, cat. n° 144 D, avec ill., au dos du cadre avec l'étiquette de l'entreprise de transport. Provenance : Johann Sperl (1840-1914), Munich ; Catalogue de vente aux enchères 12 ( ?); Hugo Helbing, Francfort-sur-le-Main ; Galerie Heinemann, Munich, sur le châssis ainsi qu'au dos du cadre étiquettes de galerie avec le n° "18265", date de réception : 16.11.1926 ; Collection Georg Schäfer, Schweinfurt (Inv.-Nr. 0123), sur le châssis avec l'étiquette ; Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : imposition différentielle (VAT : Margin Scheme)

Estim. 20 000 - 30 000 EUR

Lot 73 - Gabriel von Max - Gabriel von Max (1840 Prague - Munich 1915) - "Décembre" (singe au poêle de faïence). Huile sur bois. (1900/1910). 30,1 x 22,1 cm. Signé en bas à gauche. Titré en haut à gauche. Encadré. Ce petit tableau s'intitule "Décembre" et on comprend tout de suite pourquoi : un babouin se blottit contre un poêle de faïence vert, il cherche la chaleur comme l'homme en décembre. Gabriel von Max raconte tout cela avec des coups de pinceau amples et déliés qui, tout comme la lumière reflétée par la fourrure et le poêle, soulignent l'instantanéité de la situation, l'instant de l'observation. Même si ce n'est qu'un instant que Gabriel von Max retient, il n'est pas dénué de profondeur : le babouin a le regard tourné vers le bas, mais il n'a pas de but - il regarde dans le vide et tient un œillet blanc. L'œillet blanc, symbole de pureté et de virginité dans l'iconographie chrétienne, combiné au regard mélancolique du babouin, pourrait-il signifier un retour sur le passé, sur quelque chose d'originel et d'innocent qui a été perdu et qui ne reviendra plus ? Il y a effectivement un soupçon d'adieu dans le regard du babouin, mais nous ne le savons pas. En humanisant le singe, Max se montre partisan de la théorie de l'évolution de Charles Darwin, qui a définitivement mis le créationnisme au placard. Ses "portraits" de singes chargés d'émotions témoignent de l'intérêt profond de Gabriel von Max pour la nature de l'homme, auquel il ne tend pas un miroir, mais un singe. L'anthropologue et darwiniste Max a connu un grand succès auprès de son public en tant que "peintre de l'âme" avec de tels tableaux de singes montrant des émotions humaines, étudiant l'anatomie humaine, s'érigeant en juges de l'art ou se réunissant pour contempler l'art ensemble. Depuis sa première peinture d'un singe mort, intitulée "Schmerzvergessen" (Oubli de la douleur) et datant de 1871, Max avait développé un fort intérêt anthropologique, pour son développement et son origine, qui l'avait conduit aux questions existentielles du devenir humain et de l'existence. Le portrait de notre singe, dont le regard mélancolique se perd dans le lointain, est également une telle "figure existentielle". Détaché de la verdure du poêle qui se trouvait dans le salon de la villa de Max à Ammerland, aujourd'hui en ruine, il développe dans le portrait du singe cette intensité méditative qui semble poser la question du quoi dans l'espace : qui suis-je, d'où viens-je ? Ses images de singes sont en quelque sorte des paraboles de l'existence humaine. Un petit troupeau de singes - il y avait parfois 14 singes dans sa propriété - qu'il avait élevé à des fins d'étude lui servait d'inspiration et de matériel visuel pour ces explorations existentielles. Depuis les années 1890, Max a réalisé de nombreux tableaux de singes de petit format de ce type - notre tableau a été peint après 1900, lorsque Max a été anobli - qu'il a peints directement pour le marché de l'art ou pour des collectionneurs. Ces ventes lui ont permis de financer la constitution de sa collection d'environ 60 000 objets de reliques zoologiques et ethnographiques, dont des crânes d'animaux et d'hommes, qu'il conservait principalement dans sa villa d'Ambach, au bord du lac de Starnberg, où il travaillait le plus souvent dans une solitude silencieuse. Dr. Peter Prange Provenance : Collection privée, sud de l'Allemagne, achetée directement à l'artiste par les arrière-grands-parents du propriétaire actuel, depuis lors dans la famille. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 20 000 - 30 000 EUR

Lot 74 - Johann Sperl - Johann Sperl (1840 Buch bei Fürth - 1914 Bad Aibling) - Intérieur d'une forge de village. Huile sur toile. 1870. 36,4 x 43,4 cm. Signé et daté en bas à droite. Encadré. Pas chez Moritz. Cette vue d'une simple forge de village convainc par l'immédiateté frontale et la simplicité de la représentation. Dans ses premières œuvres, Sperl a créé plusieurs intérieurs de ce type, en retrait et sans ingrédient anecdotique, qui s'inscrivent pleinement dans la conception réaliste de l'art du cercle de Leibl. Il a ainsi élevé l'environnement de la population rurale, qui ne servait auparavant que de décor, à la dignité de tableau. Car il ne fait aucun doute que la communauté villageoise dépendait autrefois encore du travail d'un forgeron. Celui-ci fabriquait les ferrures des chariots, des charrues et des herses, il forgeait les portes des fours, pliait le fer en chaînes et le façonnait au marteau pour en faire des serrures. Et il était responsable du ferrage des chevaux et des bœufs de trait, y compris le soin des sabots et des onglons. Sperl parvient ici à faire ressortir les textures dans la maçonnerie et les charpentes, l'interaction entre l'ombre et la lumière sur le sol en pierre est également observée avec précision. Comme seul accent de couleur, il choisit le feu jaune qui rayonne du four. Nous remercions Werner Moritz, Prien, d'avoir aimablement confirmé l'authenticité de l'esquisse à l'huile sur la base d'une photo haute résolution. (e-mail du 8.2.2024). Provenance : Galerie F.H. Zinckgraf, Munich, étiquette adhésive au verso (n° "20737") ; Collection Bochmann, Meerane ; Propriété privée, sud de l'Allemagne. Taxation : impôt différentiel (VAT : Margin Scheme)

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 77 - Fritz Bamberger - Fritz Bamberger (1814 Würzburg - Neuenhain 1873) - Vue de la baie de Nice (tondo). Huile sur bois (dans un rond). (Vers 1862). Diamètre : 58 cm. Signé en bas à droite. (Le cadre peut être acheté séparément du tableau) Vue sur une croupe de montagne, traversée par un ruisseau au fond de la vallée, et donnant sur une baie. A droite, deux soldats qui se sont installés pour se reposer. Ils regardent vers un château situé sur une colline. Outre la fascination pour les vues espagnoles, par exemple de Grenade et de la Sierra Nevada, le bord de mer exerçait une grande force d'attraction sur Fritz Bamberger. La région reproduite ici peut être située dans le sud de la France, près de Nice. Il s'agit probablement d'une contrepartie du tondo qui a été vendu aux enchères le 10 mai 2019 chez Karl & Faber pour 11 250 € (vente 288, lot 97). Un autre paysage en format tondo se trouve au Städel, Francfort-sur-le-Main, et est daté de 1862. D'un point de vue stylistique, les trois tableaux ont probablement été réalisés dans un court laps de temps. Littérature : Cf. Johann Georg von Hohenzollern, Robert Floetemeyer et Helge Siefert, Die Wittelsbacher und ihre Malerfreunde, catalogue de l'exposition Studio des collections de peinture de l'Etat de Bavière, Munich 1998, p. 28, cat. n° 6. Provenance : Propriété royale Wittelsbach, vendue aux enchères par Sotheby's, Amsterdam, vente "Property from Royal and Noble Families", 17.12.2008, lot 36 ; Propriété privée, sud de l'Allemagne. Taxation : imposition différentielle (VAT : Margin Scheme)

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 79 - Wilhelm Trübner - Wilhelm Trübner (1851 Heidelberg - Karlsruhe 1917) - Stift Neuburg, terrasse de l'abbaye. Huile sur toile. (1913). 45,8 x 58,1 cm. Signé en bas à droite. Au verso, restes d'une étiquette, n° "4163". Encadré. Après une interruption de plusieurs années, pendant laquelle Trübner passa les chauds mois d'été au bord du lac de Starnberg, il ne revint dans l'Odenwald qu'en 1913. Il y réalisa une série de vues de l'ancien monastère bénédictin de Stift Neuburg près de Heidelberg, à l'époque un lieu de rencontre apprécié des salons bourgeois et des cercles d'écrivains. Sur les variations de ce motif, on voit en outre à gauche la partie du bâtiment de l'aile sud avec sa façade jaune, au sol devant trois bacs à fleurs (cf. Rohrandt G 800), mais ici, en raison de la vue rapprochée plus large, seulement l'angle sud-ouest couvert de lierre. Le mur planté de plantes à gauche et la haie de feuillus à droite offrent une vue encadrée presque comme une fenêtre sur la paisible commune de Schlierbach, par-delà un parterre de fleurs. Joseph August Beringer a souligné la pertinence de cette série pour l'œuvre de Trübner : "Dans les œuvres de Stift-Neuburg (...) Trübner passe à la dernière phase de son art du paysage. La richesse des couleurs, la simplicité des lignes, les effets spatiaux les plus forts sont obtenus par l'entrelacement de tons verts sur un fond bleu et jaunâtre. On peut à juste titre les appeler des peintures qui ont apporté un nouveau caractère artistique à des anticipations romantiques de lieux : la nature pure, libre de toute discrimination" (Beringer, 1917). Nous remercions le Dr Klaus Rohrandt, Kiel, pour la confirmation de l'authenticité sur la base d'une photo numérique (conversation téléphonique du 12.4.2023). Littérature : Cf. Klaus Rohrandt, Wilhelm Trübner (1851-1917) : Catalogue critique et descriptif de l'ensemble des peintures, dessins et gravures. Biographie et études sur l'œuvre, vol. 2, partie 2, Kiel 1971, p. 630, cat. n° G 806. Provenance : Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 80 - Wilhelm Trübner - Wilhelm Trübner (1851 Heidelberg - Karlsruhe 1917) - Vallée de Marbach dans l'Odenwald. Huile sur toile, doublée. 60,2 x 49,5 cm. Signé en bas à droite. Encadré. Rohrandt G 663. L'intérêt soutenu de Trübner pour la peinture de paysage avait été éveillé très tôt par son collègue peintre Carl Schuch. A partir des années 1890, celle-ci - selon l'artiste "le champ le plus important pour la direction artistique pure des temps modernes" (Kunstverständnis von heute, 1892) - a occupé une grande partie de sa création artistique. Le paysage en hauteur présenté ici est une variante de découpe d'une version panoramique (voir Rohrandt G 661). Il montre un paysage de prairies, délimité par une crête boisée et traversé par un cours d'eau - les feuilles travaillées en pâte ont déjà pris les tons chauds de l'automne. En 1896, Trübner avait quitté Munich pour prendre la direction de l'atelier de peinture du Städtisches Kunstinstitut à Francfort. Dans les années qui suivirent, il réalisa des tableaux de l'Odenwald voisin, et en 1902, de la vallée de Mümling et de Marbach. Le point commun de ces vues est la vue imprenable sur une nature qui respire une profonde sérénité. Grâce à la texture dense des coups de pinceau, certaines parties semblent presque abstraites. Nous remercions le Dr Klaus Rohrandt, Kiel, pour la confirmation de l'authenticité sur la base d'une photo numérique (conversation téléphonique du 12.4.2023). Littérature : Klaus Rohrandt, Wilhelm Trübner (1851-1917) : Catalogue critique et descriptif de l'ensemble des peintures, dessins et gravures. Biographie et études sur l'œuvre, vol. 2, partie 2, Kiel 1971, p. 544, cat. n° G 663. Provenance : Galerie Karl Haberstock, Berlin ; peut-être identique au lot 621 chez Adolf Weinmüller, Munich, vente 78, 3/4.12.1958 ; Collection privée, sud de l'Allemagne. Taxation : imposition différentielle (VAT : Margin Scheme)

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 81 - Franz von Stuck - Franz von Stuck (1863 Tettenweis - Munich 1928) - Coupe du Nautilus. Métal Britannia, argenté. (Vers 1889). Hauteur : 47 cm. Exécution : Württembergische Metallwarenfabrik, Geislingen. Socle en bois ébonisé. Sur la carapace d'une tortue se tient, tendu, un Erote ou Cupidon ailé qui soulève des deux mains la coquille d'un nautile. Malgré son poids, il regarde en riant sous la coquille. Il a ceint autour de la taille un carquois de flèches phalliques surdimensionné, qui souligne sa nudité plutôt qu'il ne la dissimule. L'imposant nautile est décoré de rinceaux et de suspensions de fruits en filigrane et d'un mascaron appliqué sur la face avant, surmonté d'un putto chevauchant un dauphin sur les vagues. La coupe nautile originale de Stuck, en bronze patiné avec une coquille d'escargot naturelle, fut exposée en mars 1891 au Kunstverein de Munich et lui servit ensuite, en combinaison avec des moulages d'antiques, des peintures et un paon empaillé, de décoration pour son autel d'artiste dans l'atelier Theresienstraße 148. Stuck a ensuite réalisé un deuxième centre de table, dans lequel il a modelé l'escargot avec l'ornementation neurococoques décrite, qui a été commercialisé à partir de 1893 environ par la Galvanoplastische Kunstanstalt der Württembergischen Metallwarenfabrik (WMF) sous forme de fonte de métal argentée par électrolyse dans différentes variantes. - L'argenture est parfois un peu ternie et présente par endroits des frottements (surtout au niveau des chevilles), sinon en bon état. Littérature : Jo-Anne Birnie Danzker (éd.), bearb. von Barbara Hardtwig, Museum Villa Stuck : die Sammlung des Museums Villa Stuck, Eurasburg 1997, p. 164, cat. n° 53, avec ill. pleine page p. 165 ; Thomas Raff, "La force de l'homme et la douce souplesse de la femme". Franz von Stuck : das plastische Werk, Tettenweis 2011, p. 17, cat. n° 17, avec ill. pleine page. exposition : Péché et Sécession. Franz von Stuck à Vienne, Belvedere Museum, Vienne 2016, pl. 79, p. 165. Taxation : impôt différentiel (VAT : Margin Scheme)

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 83 - Andrea Semino - Andrea Semino (1525 - Gênes - 1595) - Mars et Vénus avec l'enfant Cupidon. Plume en brun, lavis brun, sur craie noire sur vergé. 14,9 x 12,7 cm. Andrea Semino était issu d'une famille de peintres génois très ramifiée. Il fit son apprentissage auprès de son père Antonio (1485-1554/5) avant de s'installer quelques années à Rome avec son frère Ottavio (c. 1520-1604) pour étudier l'œuvre de Raphaël et les œuvres picturales de l'Antiquité classique. De retour à Gênes, il ouvrit son propre atelier et, tout en maintenant les liens familiaux, accepta avec Ottavio la commande de la peinture du Palazzo Marino à Milan, aux dimensions ambitieuses, dont les frères s'occupèrent de 1557 à 63. Le présent dessin, dans la tradition de Perino del Vaga (1501-547), montre Vénus enlacée par Mars, à côté de l'enfant Cupidon qui sommeille. Un accord matrimonial défavorable, négocié par Junon, avait fait de Vénus l'épouse de Vulcain, le forgeron des dieux, qui ne s'accordait pas vraiment avec son épouse glamour. Lorsque Vénus fut touchée par la flèche d'amour de Cupidon, c'en fut fini d'elle et c'est ainsi que commença sa liaison avec le dieu de la guerre, qui fut finalement - comment pouvait-il en être autrement - découverte. Les amants contrariés firent expier à Cupidon la flèche tirée en l'emprisonnant dans le filet forgé par Vulcain, qui l'avait elle-même maintenue dans une position délicate. Sur un tableau de Semino daté de 1577, Vénus, également nue et tournée vers le spectateur de face, est représentée dans une posture similaire (Musei di Strada Nuova, Palazzo Bianco, Gênes, inv. n° PR320). Cupidon se tend vers son arc, que Vénus tient fermement hors de sa portée. De l'autre main, elle enserre ses flèches, consciente du charme envoûtant mais aussi funeste de leur amour. Les dessins de l'artiste sont très rares. - Papier légèrement rugueux au verso dans les coins supérieurs en raison d'un ancien montage et très légèrement ondulé. En bel état. Littérature : Nicholas Turner, European master drawings from Portuguese collections II : Italy and Portugal, Porto 2021, p. 54f., cat. nr. 15, avec couleurs. ill. Exposition : Desenhos de mestres italianos em coleções portuguesas (II), Museu Nacional Soares Dos Reis, Porto (octobre-décembre 2001), cat. n° 15. Provenance : Amédée-Paul-Émile Gasc (1817-1866), Paris et Joigny, avec le cachet en bas à gauche (Lugt 1131) ; son frère Charles Gasc (1822-après 1869), Espagne et Paris, avec le cachet en bas à gauche (Lugt 543), acquis en 1860 par le précédent (selon une note sur l'ancien sous-titre de la collection, qui n'existe plus, "Charles Gasc a acheté le dessin à son frère Paul Emile Gasc, à Joigny, dans l'Yonne, en Bourgogne-Franche-Comté, le 14 janvier 1860") ; Sotheby's, Londres, vente aux enchères, 4.7.2007, lot 46 ; Collection privée européenne, sur support portant le cachet du collectionneur "FB avec feuille de ginkgo dans l'ovale" (non encore publié par Lugt/Fondation Custodia). Taxation : imposition différentielle (VAT : Margin Scheme)

Estim. 4 000 - 4 500 EUR

Lot 84 - Niccolò Ricciolini - Niccolò Ricciolini (1687 - Rome - 1772) - Groupe de figures allégoriques. Craie noire, en partie estompée et lignes à la plume brune sur vergé. (Vers 1710/20). 34,3 x 24,3 cm. Elizabeth McGrath et Paul Taylor (tous deux de la Warburg Institute Library) ont étudié ce dessin en 2020 et supposent que son contenu est de nature allégorique plutôt que mythologique, c'est-à-dire sans recours à un texte. Le personnage de droite possède deux des attributs attribués à la fureur personnifiée ("Furore") dans l'Iconologia de Cesare Ripa (1593), notamment les cheveux frisés ("capelli rabbuffati") et une grande torche enflammée ("una gran torcia accesa") ; seule la tête de Méduse coupée manque. La signification des deux autres figures dans cette confrontation étrangement disparate reste énigmatique : d'une part, un garçon à moitié nu, au sourire satyrique, qui tient sans doute une branche fruitière et se tient, telle une statue, sur un socle orné de têtes de bélier, et d'autre part, un petit enfant allongé sur le sol, sans vie. La contemplation de la statue a-t-elle trop affecté les nerfs de Furore, l'a-t-elle même provoqué à un accès de colère ? La date de réalisation du dessin peut être estimée à 1710-20. Le personnage de Furore présente une certaine ressemblance avec le Mercure de la grande fresque du plafond de la galerie du Palazzo Buonaccorsi, Macerata, peinte avec son père Michelangelo Ricciolini (1654-1715), qui a pour thème le mariage de Bacchus et Ariane. - Pliage à l'horizontale. Coin inférieur gauche complété. Quelques faibles taches brunes éparses. Minuscules mouchetures d'encre sombre (traces d'atelier ?). Petite déchirure sur le socle à gauche. Minuscules trous dans la marge inférieure droite et dans le coin droit. En bon état de conservation selon l'âge. Littérature : Nicholas Turner, European master drawings from Portuguese collections II : Italy and Portugal, Porto 2021, p. 148 et suivantes, cat. no. 61, avec illustrations en couleurs. ill. Exposition : Desenhos de mestres italianos em coleções portuguesas (II), Museu Nacional Soares Dos Reis, Porto (octobre-décembre 2001), cat. n° 61. Provenance : Sotheby's, Londres, vente aux enchères, 14.12.1992, lot 97 (comme "Bolognese School, 17th Century") ; Collection privée européenne, sur support avec le cachet du collectionneur "FB avec feuille de ginkgo dans l'ovale" (non encore publié par Lugt/Fondation Custodia). Taxation : imposition différentielle (VAT : Margin Scheme)

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 85 - Andrea Boscoli - Andrea Boscoli (vers 1560 - Florence - 1607) - Erminia et le berger (de : La Gerusalemme liberata, Canto VII). Plume en brun, lavis brun, sur vergé, doublé de papier japonais fin. (1600/05). 25,7 x 17,8 cm (dimensions de la feuille). Signé dans le champ de l'image en bas à droite. En haut et en bas, des vers tirés de "La Gerusalemme liberata" de Torquato Tasso. Projet, probablement pour une gravure non documentée, de l'épopée de Torquato Tasso "La Gerusalemme liberata". Julian Brooks fait référence dans son article à quatre dessins de Boscoli qui traitent de l'épisode d'Erminia, malade d'amour. Elle est ici représentée au centre, assise à côté de son cheval, et raconte au vieux berger sa fuite devant une troupe de soldats chrétiens qui l'avaient prise par erreur pour sa rivale Clorinda. Erminia décide de se joindre aux bergers et se débarrasse de son armure. Désormais, elle passe ses journées à garder les moutons et à écrire des sonnets pour son cher Tankred sur l'écorce des arbres. La pose du cheval se retrouve sur une feuille d'étude de Boscoli, autrefois dans la collection de Jak Katalan, New York (cf. William Griswold et Linda Walk-Simon (éd.), Sixteenth-Century Italian drawings in New York Collections, New York 1994, p. 46, cat. no. 40). - Légèrement bruni. Papier présentant par endroits de petits amincissements et un peu pressé. Petites mouillures marginales éparses. En bon état de conservation selon l'âge. Littérature : Julian Brooks, Andrea Boscoli's "Loves of Gerusalemme Liberata", in : Master Drawings, 38, New York 2000, p. 452, fig. 8. Provenance : Sotheby's, Londres, vente aux enchères, 3.7.1996, lot 114 (dans le cadre d'un lot de 2 vol. consacré à "Gerusalemme liberata") ; Propriété privée, sud de l'Allemagne. Taxation : impôt différentiel (VAT : Margin Scheme)

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 86 - Annibale Carracci (Nachfolge) - Annibale Carracci (Succession) (1560 Bologne - Rome 1609) - Etude d'un faune, le regard détourné. Craie noire sur vergé avec macaron "NIS, surmonté d'une croix, dans un rond". (XVIIe siècle). 38,5 x 25,4 cm. Bien que la posture soit différente, la figure du faune pourrait être inspirée d'une fresque de Carracci conservée à la Galleria Farnese à Rome. On y voit le cyclope Polyphème, aveuglé par la jalousie, lancer un rocher sur Acis, le bel amant de Galatée. Auparavant, Polyphème avait patiemment courtisé la néréide, mais celle-ci le repoussait toujours avec malice. Dès lors, le géant malheureux chercha du réconfort dans la musique et la danse, comme ici en jouant de la flûte, en cachant son front borgne derrière sa main, à l'abri de Galatée et, pour ainsi dire, des regards indiscrets. - Le bord gauche de la feuille est un peu irrégulier, avec une petite déchirure en bas. Dans la marge inférieure, une minuscule déchirure restaurée. Quelques petits plis d'écrasement épars. En bon état. Provenance : Christie's, South Kensington, vente aux enchères, 2.12.2008, lot 337 (comme "An academic nude as Polyphemus" by a follower of Annibale Carracci, XVII century, Rome) ; Collection privée européenne, sur support avec le cachet du collectionneur "FB avec feuille de ginkgo dans l'ovale" (non encore publié par Lugt/Fondation Custodia). Taxation : impôt différentiel (VAT : Margin Scheme)

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 88 - Valentin Lefèvre - Valentin Lefèvre (1642 Bruxelles - Venise 1682) - L'Annonciation (d'après Véronèse). Plume en brun, lavis gris, les contours en partie gravés, sur vergé, monté sur carton. (Vers 1682). 35,5 x 43 cm. Inscrit dans la marge inférieure à gauche et à droite ainsi que sur le montage du collectionneur "Paolo Caliari". En bas à gauche, une autre inscription indistincte. Quadrillé à la craie noire. La composition est basée sur une scène de l'Annonciation de Paolo Véronèse de 1578 (avec la collaboration de Benedetto Caliari), qui appartenait autrefois au vicomte Norbury Williams, Sheffield. Ce dessin doit probablement être considéré en relation avec les gravures de Lefèvre de la collection "Opera selectiora quae Titianus et Paulus Calliari Veronensis invenerunt et pinxerunt", qui reproduisait 53 œuvres de Véronèse, du Tintoret et de Titien sous forme de gravures, et qui fut éditée à Venise en 1682 par Jacob van Campen. Du point de vue de la composition, il existe également des points communs avec la célèbre Annunciazione de la Galleria dell'Accademia à Venise, où le Saint-Esprit se manifeste également à un endroit central sous forme de colombe. Dans un ancien montage de collectionneur. - Pli central vertical lissé. Faibles rousseurs par endroits. Papier en partie aminci, quelques petits trous isolés (probablement dus à la gravure). Quelques plis et rides d'écrasement. En bon état. Littérature : Ugo Ruggeri, "Drawings by Valentin Lefèvre", in : Master Drawings, New York 1988, XXVI, cat. nr. 18, pl. 10 ; Ugo Ruggeri, Valentin Lefèvre. Dipinti, disegni, incisioni, Manerba 2001, p. 152, cat. n° D. 53, avec ill. Provenance : Conte di Bardi, Italie, avec le cachet au milieu de la marge inférieure (Lugt 336) ; Sir Charles Bagot (1781-1843), Paris, Saint-Pétersbourg et La Haye, sur le montage du collectionneur en bas à droite avec le monogramme (Lugt 493) ; Christie's, Londres, vente aux enchères, 9.7.1982, lot 28 (comme "School of Veronese") ; Christie's, Londres, vente aux enchères, 7.12.1993, lot 74 ; Collection privée européenne, sur document portant le cachet du collectionneur "FB avec feuille de ginkgo dans l'ovale" (non encore publié par Lugt/Fondation Custodia). Taxation : impôt différentiel (VAT : Margin Scheme)

Estim. 3 200 - 3 500 EUR

Lot 89 - Andrea Sacchi - Andrea Sacchi (1599 Nettuno près de Rome - Rome 1661) - Joseph et la femme de Potiphar. Rouge, en partie estompé et lavé, sur papier à la cuve. (Vers 1628/30). 28,7 x 18,5 cm. Au verso, étude à la main et autres esquisses de compositions à figures multiples à la sanguine. Là, dans la marge supérieure, numéroté à la craie noire "N° 11". Sacchi, à qui l'on peut attribuer le présent dessin, est considéré comme l'un des grands de la peinture baroque classique. Il avait adopté le style établi à Rome par Annibale Carracci au début du XVIIe siècle. Il décrit ici l'épisode de l'histoire biblique de Joseph (Gn 39,1-20), dans lequel Joseph tente désespérément de se soustraire aux avances séduisantes de la femme de Potiphar, qui l'accusera plus tard devant son mari de tentative de viol et présentera comme preuve un morceau de sa robe. Sacchi saisit précisément le moment de tension où la dédaigneuse s'empare de Joseph qui se précipite hors du lit et saisit sa cape qui se gonfle et se tend bientôt jusqu'à la rupture. - Coins supérieur gauche et inférieur droit complétés. Quelques mouchetures d'encre brune (traces d'atelier ?). Légèrement assombri le long du bord gauche de la feuille. Au centre, un minuscule trou de la taille d'une tête d'épingle. En bon état. Littérature : Nicholas Turner, European master drawings from Portuguese collections II : Italy and Portugal, Porto 2021, p. 124, cat. no. 49, avec illustrations en couleurs. Ill. Exposition : Desenhos de mestres italianos em coleções portuguesas (II), Museu Nacional Soares Dos Reis, Porto (octobre-décembre 2001), cat. n° 49. Provenance : Ingeborg Tremmel (1925-2002), Fürstenfeldbruck ; dont vente de succession, Ketterer, Munich, vente aux enchères, 5.5.2003, lot 392 (comme "Italien") ; Collection privée européenne, sur document portant le cachet du collectionneur "FB avec feuille de ginkgo dans l'ovale" (non encore publié par Lugt/Fondation Custodia). Taxation : imposition différentielle (VAT : Margin Scheme)

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 90 - Cornelis Dusart - Cornelis Dusart (1660 - Haarlem - 1704) - Homme paresseux, fumant une pipe. Craie noire et brun jaunâtre à la sanguine, en partie rehaussée de blanc, sur vergé bleu avec insigne "marque secondaire initiales LO". 21,5 x 18,3 cm. Avec une ligne d'encadrement à la plume brune. Dusart a été influencé par son maître Adriaen van Ostade et plus tard par Jan Steen, dont il a adopté le style plus comique. Il est probable que Dusart ait hérité de l'ensemble de l'atelier d'Ostades, qu'il ait complété les tableaux entreposés et qu'il ait ajouté des lavis artistiques à certains de ses dessins afin de les rendre plus attrayants pour la vente. Les dessins de personnages de Dusart, dont la présente étude d'un homme se reposant et fumant sur du papier à fond bleu "aux deux crayons", peuvent être considérés comme des œuvres d'art à part entière. Ces dessins, en partie figuratifs et souvent colorés, ont été vendus séparément à des collectionneurs, selon un carnet de Dusart (voir Peter Schatborn : Dutch Figure Drawings from the seventeenth century, Ausst.-Kat. Amsterdam, Rijksmuseum, et Washington, National Gallery of Art, 1981-82, p. 110-112). Le long des bords, bandes de papier blanc au verso. - Taches brunes à peine perceptibles. Au verso, dans les coins supérieurs, résidus de colle d'un ancien montage, celui-ci perçant faiblement vers le recto. En bon état. Littérature : Jeroen Giltaij, Cat. d'exposition. Le Cabinet d'un Amateur : Dessins flamands et hollandais des XVIe et XVIIe siècles d'une collection privée d'Amsterdam, Rotterdam, Museum Boijmans van Beuningen, Paris, Fondation Custodia, et Bruxelles, Bibliothèque Albert 1er, 1976/77, cat. n° 47, pl. 92. Provenance : Karl Eduard von Liphart (1808-1891), Dorpat, Bonn et Florence, avec le cachet au verso (Lugt 1687) ; dans la succession à son petit-fils le baron Reinhold von Liphart (2e moitié du 19e siècle), "Ratshof" près de Dorpat, avec le cachet au verso (Lugt 1758) ; dont vente aux enchères chez C.G. Boerner, Leipzig, vente aux enchères, 26.4.1898, lot 296 ; Hertzberger, Amsterdam, vente aux enchères, 23.5.1940, lot 64, avec ill ; Jan Frederik Bianchi (1878-1963), Amsterdam, avec le cachet au verso (Lugt 3761) ; dont vente aux enchères chez Paul Brandt, Amsterdam, vente, 23-27.11.1964, lot 167 ; Iohan Quirijn van Regteren Altena (1899-1980), Amsterdam, avec le cachet au verso (Lugt 4617) ; Christie's, Amsterdam, vente "The I.Q. van Regteren Altena Collection, Part IV : Dutch & Flemish Drawings from 1500 to 1900, 13.5.2015, lot 219 ; Collection privée, Munich, acquise lors de la vente ci-dessus. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 5 000 - 7 000 EUR

Lot 94 - Pietro Fabris - Pietro Fabris (actif de 1740 à 1792 à Naples) - La fouille du temple d'Isis à Pompéi. Aquarelle et plume en gris, en partie avec dessin préparatoire au crayon, sur vélin, anciennement monté sur vergé. (Avant 1776). 22,2 x 34,2 cm (dimensions de la feuille). En dehors de la représentation, titré en haut au centre "Découverte du Temple d'Isis à Poempeji", avec légende ainsi que la référence à "Hamilton. C.Phl. pl. XLI" (Campi Phlegraei). Avec un encadrement au pinceau noir. Dans un cadre néoclassique avec ferrure ornementale (frise d'acanthes) en tôle de laiton doré. La présente aquarelle montre les premiers travaux de fouilles du temple d'Isis à Pompéi. Situé au sud de la ville, au nord du théâtre, juste à côté du sanctuaire de Zeus Meilichios, il fut le premier édifice découvert sur place en 1764. La découverte de l'ensemble du temple, délimité par des colonnes doriques, a provoqué un certain émoi à l'époque, car on ne s'attendait pas à ce qu'une déesse égyptienne ait été honorée dans la province romaine. Fabris travaillait pour l'ambassadeur britannique et volcanologue Sir William Hamilton à Naples en ces jours où le Vésuve émettait de nouveau des colonnes de fumée noire et faisait trembler la terre. Le travail a ainsi servi d'ébauche pour une gravure sur cuivre (n° 41) de la publication Campi Phlegraei de 1760, qui compte trois volumes in-folio. Du point de vue de l'histoire culturelle, il est particulièrement pertinent que les fouilles à Pompéi aient eu lieu quelques années seulement après le tremblement de terre dévastateur de Lisbonne (1755). La catastrophe naturelle de la fin de l'Antiquité a ainsi involontairement gagné en actualité et a servi d'avertissement que des régions entières pouvaient également être victimes de la violence élémentaire à l'avenir. - En dehors de la représentation, dans les marges inférieure et droite, un pli de compression. Papier légèrement aminci en haut à gauche. Couche de couleur dans la marge inférieure au milieu légèrement frottée à un endroit. En bon état. Littérature : Markus Bertsch (éd.), cat. d'exposition, Hamburger Kunsthalle, Entfesselte Natur. L'image de la catastrophe depuis 1600, Petersberg 2018, p. 220, cat. no. 98, avec ill. en couleurs. ill. p. 222. Provenance : Collection privée, Bade-Wurtemberg. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 95 - Filippo Giuntotardi - Filippo Giuntotardi (1768 - Rome - 1831) - La route des tombes devant la porte d'Herculanum à Pompéi. Aquarelle, en partie avec dessin préparatoire au crayon, sur vergé avec Wz. "grandes armoiries avec écriture". (vers 1800). 61,7 x 83,6 cm (dimensions de la feuille). Avec encadrement de lignes décoratives et adresse de l'artiste imprimée "Presso Filippo Giuntotardi in Roma". Titrée en bas au centre à la plume brune "Vue de La Sortie de Pompeja". Encadré. Giuntotardi s'est spécialisé dans les vues de Rome et de la région de Naples, généralement de grand format, dans le style de son maître présumé, le Suisse Abraham-Louis-Rodolphe Ducros (1748-1810). Depuis la redécouverte en 1738 des villes de Pompéi et d'Herculanum, ensevelies par le Vésuve en 79 après J.-C., Naples était devenue une étape très appréciée des voyageurs du Grand Tour qui affluaient de loin. Avec l'augmentation du nombre de visiteurs, la demande de vues de ce style a également augmenté, comme souvenirs pour les voyageurs eux-mêmes ou comme cadeaux pour les personnes restées au pays. L'histoire ne dit pas si Giuntotardi a visité lui-même les ruines de Pompéi. Dans sa palette de couleurs typique, qui tend vers un bleu froid, il montre un groupe des premiers "touristes" explorant la nécropole qui s'étend derrière la porte d'Herculanum, un alignement étonnamment intact de monuments funéraires qui remontent à l'époque samnite. Giuntotardi s'est inspiré d'une représentation de Jean-Louis Desprez datant de 1789, gravée par Francesco Piranesi et qui a par la suite été largement diffusée dans toute l'Europe. Le Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg, conserve une vue de Pompéi légèrement plus grande, mais par ailleurs identique (donation Seyboth, inv. n° Gm2311), ce qui laisse supposer que Giuntotardi réalisait des motifs demandés en série. - Légèrement taché au verso, sinon en très bon état. Littérature : Markus Bertsch (éd.), cat. d'exposition, Hamburger Kunsthalle, Entfesselte Natur. L'image de la catastrophe depuis 1600, Petersberg 2018, p. 220, cat. no. 99, avec des couleurs. ill. p. 223. Provenance : Michael Zeller, Lindau, vente aux enchères, 10.12.2011, lot 2537 ; Propriété privée, Bade-Wurtemberg. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 96 - Johann Elias Ridinger - Johann Elias Ridinger (1698 Ulm - Augsbourg 1767) - 2 pl. : Aigle européen (vautour roi) - Aigle en duel avec une oie sauvage. Craie noire, lavée, rehaussée de blanc, sur vergé à fond gris-bleu, monté sur vergé. 1743. 30,4 x 28 cm et 30,7 x 27,7 cm (dimensions de la feuille). Monogrammées ou signées et datées en bas à gauche. Chaque fois avec une fine ligne d'encadrement à la craie noire. Magnifiques représentations picturales d'un grand aigle européen. Le fils Martin Elias Ridinger a utilisé la première représentation comme modèle pour une gravure sur cuivre en miroir (1763), (cf. J. E. Ridinger : Lehrreiche Fabeln aus dem Reiche der Tiere zur Verbesserung der Sitten...). La deuxième feuille a probablement également servi de modèle. - Légèrement froissée dans le coin supérieur gauche (1), coupée en haut à gauche jusqu'à la ligne d'encadrement (1), sinon en bon état selon l'âge. Littérature : Cf. Georg August Wilhelm Thienemann, Leben und Wirken des unvergleichlichen Thiermalers und Kupferstechers Johann Elias Ridinger : mit dem ausführlichen Verzeichniss seiner Kupferstiche, Schwarzkunstblätter und der von ihm hinterlassenen grosse Sammlung von Handzeichnungen ; nebst Ridinger's Portrait in Stahlstich und XII aus seinen Zeichnungen entlehnten Kupferstichen, Leipzig 1856, p. 151, références aux gravures. Provenance : Provenant de la noblesse du sud de l'Allemagne ; Karl & Faber, Munich, vente aux enchères 246, 26.10.2012, lots 129 et 130 ; Propriété privée, sud de l'Allemagne. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 98 - Hubert Robert - Hubert Robert (1733 - Paris - 1808) - dessinateur sous la Junon Ludovisi devant le Casino delle Statue dans le parc de la Villa Ludovisi. Plume et pinceau bruns, lavis brun, sur craie noire sur vergé avec macaron "couronne" découpé. (1757-1765). 17,9 x 23,3 cm. Littérature sur le carnet d'esquisses : Robert O. Parks, Piranesi, Northampton MA 1961, p. 74 ; Jonathan Scott, Piranesi, Londres 1975, p. 175, p. 311, note 9 ; Jean de Cayeux, Hubert Robert et les Jardins, Paris 1987, p. 26. Vue du bâtiment principal, aujourd'hui connu sous le nom de Casino dell'Aurora, des jardins de la Villa Ludovisi, près de la Porta Pinciana. Un homme a pris place à l'ombre de la tête colossale de Junon Ludovisi, décrite avec enthousiasme par Goethe comme son "premier amour à Rome", et, tandis que son compagnon de voyage regarde par-dessus son épaule, il consigne ce qu'il a vu sur les pages de son carnet de croquis. - Les bords extérieurs sont légèrement brunis par la lumière. Une pliure diagonale à peine perceptible. Le coin inférieur gauche avec quelques minuscules déchirures. Au verso, étroite bande de montage sur le pourtour. En bel état. Exposition : Galerie Cailleux, Paris, "Hubert Robert, Louis Moreau, Exposition Du Cent-Cinquantenaire de Leur Mort", 26.11.-20.12.1957, cat. 1 liste, p. 47. Folio 15 (comme "Parc de la Villa Ludovisi") ; Victor Carlson, Hubert Robert : Drawings and Watercolours, cat. d'expo. Washington, National Gallery of Art, 1978, cat. n° 24 (pour l'ensemble du carnet de croquis). Provenance : Sotheby's, Londres, vente aux enchères, 3.7.1985, lot 185 ; Galerie Kornfeld, Berne, vente aux enchères, 18.6.2010, lot 92 ; Collection privée, Munich, acquise lors de la vente précédente. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 99 - Hubert Robert - Hubert Robert (1733 - Paris - 1808) - Deux lavandières près d'une fontaine à tritons sur une place avec statue de Jupiter. Plume et pinceau bruns, lavis brun, sur traces de craie noire sur vergé avec macaron "couronne" découpé. (vers 1763-64). 18,1 x 23,3 cm. Littérature sur le carnet de croquis : Robert O. Parks, Piranesi, Northampton MA 1961, p. 74 ; Jonathan Scott, Piranesi, Londres 1975, p. 175, p. 311, note 9 ; Jean de Cayeux, Hubert Robert et les Jardins, Paris 1987, p. 26. Extrait d'un carnet d'études et d'esquisses de composition qu'Hubert Robert a réalisé à Rome entre 1763 et 1764. Le type de fontaine représenté ici remonte manifestement à la fontaine décorative du Bernin sur la Piazza Barberini et rappelle plutôt, avec ses deux dieux marins sur les épaules desquels repose une gigantesque conque remplie d'eau, la structure de la Fontana dei Tritoni de Francesco Carlo Bizzaccheri sur la Piazza della Bocca della Verità. En arrière-plan, un aqueduc qui alimentait probablement la fontaine. - En bas à droite, un pli diagonal à peine perceptible. Les coins inférieurs arrondis. Papier légèrement aminci le long des bords. Les bords de la feuille présentent de minuscules manques. En bel état. Exposition : Galerie Cailleux, Paris, "Hubert Robert, Louis Moreau, Exposition Du Cent-Cinquantenaire de Leur Mort", 26.11.-20.12.1957, cat. 1 liste, p. 47. Folio 10 (comme "Lavandières devant un bassin orné de Tritons") ; Victor Carlson, Hubert Robert : Drawings and Watercolours, cat. d'expo. Washington, National Gallery of Art, 1978, cat. n° 24 (pour l'ensemble du carnet d'esquisses). Provenance : Martine Marie Pol, comtesse de Béhague (1870-1939) ; par succession au marquis Hubert de Ganay ; en succession au marquis Jean-Louis de Ganay et aux comtes Charles, André, Michel et Paul de Ganay, ses quatre frères ; Leur vente aux enchères Sotheby's, Monaco, 1.12.1989, lot 10 ; Sotheby's, Londres, vente aux enchères, 3.7.1998 ; Galerie Kornfeld, Berne, vente aux enchères, 18.6.2010, lot 93 ; Collection privée, Munich, acquise lors de la vente précédente. Taxation : Impôt sur la différence (VAT : Margin Scheme)

Estim. 6 000 - 8 000 EUR
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