DROUOT
jeudi 16 mai à : 11:00 (CEST)

Art ancien et 19e siècle

Lempertz - +49 (0)221.925.729 - Email

Neumarkt 3 50667 Cologne, Allemagne
Information Conditions de vente
Live
S'inscrire à la vente
385 résultats

Lot 1001 - Petrus Christus, Nachfolge - Pierre Christ, disciple Vierge à l'Enfant sous un arc Huile sur bois. 61 x 43 cm. Provenance Collection Stroganoff, Saint-Pétersbourg. - Vente aux enchères Lepke, Berlin, 12.5.1931, lot 17 - Acquis là par Jacques Goudstikker. - Kunsthandel Jacques Goudstikker, Amsterdam (n° 2719 dans le Black Book de Jacques Goudstikker). - Juillet 1940 Reprise de la galerie et des fonds de la galerie Goudstikker par Hermann Göring et Alois Miedl - 412e vente aux enchères Lempertz, Cologne, 5.2.1941, lot 23 - Restitué en juillet 2022 aux héritiers après Jaques Goudstikker. Littérature Max J. Friedländer : Altniederländische Malerei, vol. 1 Die Van Eycks - Petrus Christus, Leiden 1934, p. 151 - Marion Grams-Thieme : Lebendige Steine. Studien zur niederländischen Grisaillemalerei des 15. und frühen 16. Jahrhunderts, Cologne et Vienne 1988, p. 120-121, ill. 12 et 13 - Dagmar Täube : Monochrome Gemalte Plastik. Entwicklung - Verbreitung und Bedeutung eines Phänomens niederländische Malerei der Gotik (=Kunst. Geschichte und Theorie 19), Essen 1991 - Ausst.-Kat. "Hans Holbein d. Ä. Die Graue Passion in Ihrer Zeit", Stuttgart, Staatsgalerie, 27.11.2010-20.3.2011, Ostfildern 2010, p. 185. L'œuvre originale de Petrus Christus, qui sert de modèle à cette composition légèrement recadrée en haut, se trouve au Musée des Beaux-Arts de Budapest. Contrairement au tableau de Budapest, un blason de cardinal a été ajouté dans la partie inférieure de l'arc à gauche de la présente composition et un cartouche avec monogramme et datation : P.P.C. / A° 1441 a été ajouté à droite.

Estim. 20 000 - 25 000 EUR

Lot 1003 - Meister der Magdalenen-Legende - Maître de la légende de la Madeleine Marie et son enfant Huile sur bois. 37 x 27,5 cm. Expertise Max J. Friedländer. Provenance Collection Arthur Hauth, Düsseldorf. - Lempertz, Cologne, 14.3.1963, lot 12. - Collection privée bavaroise. - Lempertz, Cologne, 5.12.1998, lot 1078. - Collection privée du sud de l'Allemagne. Littérature Sur l'artiste : Max J. Friedländer : Die Altniederländische Malerei, Berlin, 1924, tome XII, p. 15 et suivantes. L'enfant, allongé dans les bras de sa mère, joue en saisissant son orteil de la main droite et en tenant une rose rouge dans la main gauche. L'arrière-plan est constitué d'un velours de brocart richement doré avec un motif de grenade. Le maître de la Légende de la Madeleine tire son nom d'un triptyque dont les ailes se trouvent aujourd'hui dans différents musées. Il a travaillé pour la cour de Bruxelles et de Malines à la fin du 15e et au début du 16e siècle. Il était particulièrement proche des ducs de Bourgogne et des Habsbourg qui leur ont succédé. Il a réalisé plusieurs portraits de Philippe le Bel ainsi que - par exemple sur l'aile gauche d'un triptyque réalisé vers 1492 par plusieurs peintres pour le duc Adolphe de Clèves (aujourd'hui à la National Gallery de Melbourne) - des portraits d'autres membres de la maison princière de Bourgogne. En outre, l'atelier du maître produisit de nombreux tableaux de madones semi-figuratives, qui devaient manifestement répondre à la forte demande de tableaux de dévotion privés (Friedländer op. cit. planche VI).

Estim. 80 000 - 90 000 EUR

Lot 1007 - Lucas Cranach d. Ä. und Werkstatt - Lucas Cranach l'Ancien et son atelier Le Christ en homme de douleur Huile sur bois. 83 x 55,5 cm (arrondi en haut). Expertise Prof Dr Gunnar Heydenreich, Diana Blumenroth, CICS, TH Cologne, rapport d'analyse technique 23-0549, 18.7.2023. Provenance Vente aux enchères Weinmüller, Munich, 22/23 juin 1960, lot 868 - Collection de la noblesse de Hesse. Dr. Gunnar Heydenreich, cette représentation de l'homme de douleur constitue "une œuvre de qualité de Lucas Cranach l'Ancien et de son atelier", réalisée entre 1537 et 1540 (expertise du 18.7.2023). Selon Heydenreich, l'œuvre se distingue "dans des domaines essentiels (mains, visage, yeux, couronne d'épines...) par une grande qualité picturale". Les analyses techniques des matériaux ont en outre révélé que des caractéristiques essentielles du support pictural correspondent à d'autres œuvres authentiques de la production de l'atelier et qu'il s'agit, pour ce qui est de la taille du tableau, du format standard "D" fréquemment utilisé. En ce qui concerne la signature du tableau, il est dit que "le système de composition librement dessiné sur le support à l'aide d'un médium sec est reconnaissable sous une forme similaire dans d'autres œuvres de Lucas Cranach l'Ancien". Le Christ se présente au spectateur avec ses stigmates, le visage souffrant, assis sur un parapet de pierre et le corps marqué par la flagellation. Ses mains pendent sans force, il tient dans sa main gauche la verge et le fouet, laissant apparaître les stigmates. L'Homme de douleur en tant que figure unique - sans figures d'assistance et sans accessoires - représente la réalisation la plus intense de ce thème pictural dans l'œuvre de Cranach. C'est ici que le dialogue entre le Christ souffrant - avec les blessures de la crucifixion, mais vivant - et le spectateur est le plus immédiat. L'iconographie de l'homme de douleur occupe une place centrale dans l'art chrétien depuis le Moyen-Âge et est largement répandue jusqu'à l'époque de la Réforme - y compris chez les protestants -, ce n'est qu'au cours du XVIe siècle qu'elle perd de sa popularité. Sous Lucas Cranach, la représentation connaît une dernière grande floraison, l'artiste s'y consacre à plusieurs reprises, aussi bien pour des tableaux d'autel que pour des tableaux de dévotion, surtout vers 1515, puis à nouveau dans les années suivant 1537, période à laquelle ce panneau est également daté.

Estim. 150 000 - 160 000 EUR

Lot 1008 - Lucas Cranach d. Ä., Werkstatt - Lucas Cranach l'Ancien, atelier Portrait de Martin Luther Huile sur bois. 19,1 x 14,8 cm. Marqué et daté au centre gauche avec le sigle du serpent entre les deux paires de chiffres 15 et 32. Provenance Propriété de la famille depuis trois générations. Lucas Cranach l'Ancien était un partisan convaincu de la Réforme et un ami personnel de Martin Luther. Le mouvement protestant a fortement marqué la vie personnelle et artistique de l'artiste. Les premiers portraits du réformateur ont été réalisés dans l'atelier de Cranach dès 1520 et différents types de portraits ont été développés au cours des années suivantes, le montrant en Junker Jörg, en moine ou en érudit avec ou sans chapeau de docteur. Ce sont ces portraits de Lucas Cranach l'Ancien et de son atelier qui ont façonné jusqu'à aujourd'hui notre représentation de l'apparence de Luther. Le présent tableau montre Luther avec un béret noir. Il regarde sur le côté et non plus vers le spectateur comme dans les portraits précédents. Ce type de portrait a été formé à partir de 1530, notre œuvre, datée de 1532, est donc un exemple très précoce de ce type de portrait. Dans un rapport d'enquête daté du 15 mai 2023, le professeur Gunnar Heydenreich a attribué notre tableau à l'atelier de Cranach sur la base de constatations technologiques et stylistiques. En outre, il voit des indices qui parlent en faveur d'une attribution à Hans Cranach (vers 1513-1537), le fils aîné et élève de Lucas Cranach l'Ancien et frère aîné de Lucas Cranach le Jeune. Comme ce dernier, Hans Cranach est devenu très jeune collaborateur de l'atelier de son père à Wittenberg et ses œuvres ne peuvent guère être distinguées de celles de son père. Lors d'un voyage en Italie, il est mort très jeune à Bologne en 1537. Son frère cadet, Lucas Cranach le Jeune, est probablement devenu le plus proche collaborateur de son père à la suite de cet événement.

Estim. 40 000 - 45 000 EUR

Lot 1010 - Jean de Saive - Jean de Saive Portrait d'Alessandro Farnese, duc de Parme et gouverneur des Pays-Bas espagnols Huile sur cuivre. 9,8 x 7,3 cm. Provenance Famille noble européenne. Littérature Riccardo Lattuada : Alessandro Farnese, un grande condottiero in miniatura, il Duca di Parma e Piacenza. Ritratto da Jean Saive. Catalogue d'exposition Biffi Arte, Piacenza 2016. Ce petit tableau, précieusement enchâssé dans un cadre somptueux du dix-huitième siècle, est l'un des rares portraits d'Alessandro Farnese, réalisé pendant ses années difficiles, mais néanmoins fructueuses, de gouverneur des Flandres. Jusqu'en 2005, ce portrait miniature appartenait à la famille de Savoie. En 2016, il a été publié par Riccardo Lattuada dans le cadre d'une exposition à Piacenza. Pour l'attribution convaincante au peintre flamand Jean de Saive, Lattuada s'appuie sur trois autres portraits d'Alessandro Farnese signés par lui. Il s'agit de trois représentations en pied, plus grandes que nature, qui se trouvent à la Galleria Nazionale de Parme, au Museo Stibbert de Florence ainsi que dans une collection privée belge (Lattuada, op. cit., p. 23, ill. 9, 10 et 11). Cette dernière est datée de 1581 et devrait être la première des trois versions. Les traits du visage du jeune gouverneur sont si proches de ceux de notre tableau que l'on peut supposer qu'il a été peint à une époque proche. Farnèse ne porte pas encore l'ordre de la Toison d'or, qu'il a reçu en 1585 du roi d'Espagne Philippe Ier pour ses services en Flandre. En 1581, Alessandro Farnese et le peintre Jean de Saive ont tous deux séjourné à Namur et il est fort probable qu'au moins les deux premiers portraits y aient été réalisés. Les portraits de Saïve du gouverneur, issu de la vieille noblesse italienne, sont les plus représentatifs réalisés durant son séjour en Flandre. Cela montre que Jean de Saive n'était pas seulement un "concierge du vignoble de la Cour de Bruxelles", mais aussi un peintre apprécié, capable de satisfaire pleinement les souhaits de son commanditaire. En outre, il ne fait aucun doute que nous pouvons mieux connaître l'apparence du jeune Alessandro Farnese grâce aux œuvres de Jean de Saive, dont celle-ci. Le cadre somptueux dans lequel nous admirons aujourd'hui le tableau témoigne de l'importance qui lui était accordée. Alessandro Farnese n'a plus jamais revu son Italie natale. Après la mort de son père en 1586, il demanda l'autorisation de reprendre l'héritage paternel, ce que Philippe II refusa, car il ne pouvait pas le remplacer aux Pays-Bas. Après l'assassinat du roi de France Henri III en décembre 1589, il fut appelé en France. Là, à partir de 1590, il soutint l'opposition catholique dans sa lutte contre Henri IV et mourut en 1592 lors du siège d'Arras.

Estim. 80 000 - 120 000 EUR

Lot 1012 - Pieter Brueghel d. J. - Pieter Brueghel le Jeune Paysage de village hivernal avec l'auberge du Cygne Huile sur bois (parqueté). 47 x 63 cm. Signé et daté en bas à droite : P. Breughel 1620. Provenance Galerie Scheidwimmer, Munich, 1970 - Collection privée allemande. Littérature Klaus Ertz : Pieter Brueghel der Jüngere, Lingen 1988/2000, vol. II, p. 828, n° E1148, ill. 634. Pieter Brueghel le Jeune est, parmi les fils du célèbre Brueghel le Paysan, non seulement l'aîné, mais aussi celui qui perpétua le plus durablement le genre paternel et contribua ainsi, comme l'a fait remarquer Klaus Ertz, à la diffusion de sa renommée. Il n'avait que cinq ans lorsque son éminent père est mort, et ce n'est donc pas lui qui a appris le métier de peintre à Pieter d. J., mais probablement Gillis van Coninxloo. Le point de départ décisif de sa création, la principale source d'inspiration pour ses motifs et son style, est toutefois toujours resté l'œuvre laissée par son père, en particulier l'œuvre graphique. En effet, la plupart des tableaux de son père, déjà extrêmement demandés à l'époque, se trouvaient déjà dans des collections en dehors de la Flandre. L'un des plus grands collectionneurs d'œuvres de Pieter Brueghel l'Ancien était à l'époque l'empereur Rodolphe II. Notre tableau n'est pas non plus concevable sans cette source, puisqu'il apparaît comme un écho du magnifique tableau du mois de janvier du Kunsthistorisches Museum de Vienne, réalisé 50 ans plus tôt : le sombre treillis des arbres sans feuilles, la pâle lumière hivernale, l'eau gelée, les couches de neige sur les toits, les figures paysannes - tous les éléments sont déjà préformés sur ce chef-d'œuvre. Toutefois, la composition du cadet est un peu plus morcelée et le caractère purement génétique de son tableau est plus marqué. Depuis un point de vue légèrement surélevé, le spectateur contemple un village hivernal le long d'un ruisseau gelé. Sur la gauche se trouve un bâtiment central inhabituel, reconnaissable à son enseigne comme étant l'auberge du Cygne. De l'autre côté du ruisseau, les maisons recouvertes de neige se serrent les unes contre les autres. On aperçoit ici et là un personnage solitaire, tandis qu'au premier plan, deux petits groupes de personnages attirent l'attention, dont un couple de paysans qui se dispute à gauche et, sur la glace, deux lansquenets avec leurs chiens. Klaus Ertz énumère au total quatre versions de cette composition, qui ne diffèrent que légèrement les unes des autres. Leurs dates de création se situent toutes au début des années 1620, notre tableau daté de 1620 étant le plus ancien (K. Ertz, op. cit., n° 1149, 1150 et 1151).

Estim. 250 000 - 300 000 EUR

Lot 1013 - Johann König - Johann König Le Christ et la Samaritaine au puits Huile sur cuivre. 23 x 33,5 cm. Signé en bas à droite : Johan : König fec. Provenance Collection Rudolf Doerr. - Douwes Fine Art, Amsterdam. - Collection Hinrich Bischoff, Brême. - Collection privée d'Allemagne du Nord. Expositions En prêt au Wallraf-Richartz Museum jusqu'en 2006. Littérature W. Drost : Adam Elsheimer und sein Kreis, Potsdam 1933, p. 161 (remarque sur la variante berlinoise). - E. Mai (éd.) : Das Kabinett des Sammlers, Cologne 1993, p. 150-152, n° 60, avec ill. - A. Tacke : Die deutschen Gemälde des 17. Jahrhunderts : Kritischer Bestandskatalog, Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie, Petersberg 2020, p. 169-70, avec ill. Le présent tableau "Le Christ et la Samaritaine" a probablement été peint peu après le retour de Königs de Rome à Augsbourg. Gode Krämer date ce panneau de cuivre plus tôt qu'une version datée de 1620 du thème "Paysage avec le Christ et la Samaritaine" (ill. 1) conservée à la Gemäldegalerie de Berlin (inv. n° 1941). Dans la version non datée, "on ressent encore beaucoup plus le paysage méridional [...] la ruine est plus authentique et correspond aux paysages lointains que je daterais vers 1614-17". (communication écrite du 19 mars 2024). Le paysage lointain est réalisé à partir de traits et de points lumineux dans la manière significative de Königs. Dans le tableau de Berlin, l'histoire de la rencontre du Christ et de la Samaritaine au puits (Jean 4,1-30) est montrée de manière plutôt éloignée, au milieu du paysage. Dans la présente œuvre, l'histoire biblique joue le rôle principal. Le puits de Jacob est placé au premier plan. La femme écoute la prédication du Christ et a oublié la cruche qu'elle avait l'intention d'utiliser pour puiser de l'eau au puits. Les apôtres venus de la ville s'approchent avec étonnement. Les deux paysages ont un air italien. La ruine, avec ses arcs en plein cintre superposés en briques allongées, rappelle la maçonnerie montante d'un complexe thermal romain. König s'est probablement inspiré de ses dessins réalisés à la main d'après des bâtiments antiques de Rome. Nous remercions le Dr Gode Krämer pour ses indications concernant le catalogage de ce lot. Il intégrera le tableau dans son catalogue raisonné des peintures de König. Fig. 1/Ill. 1 : Paysage avec le Christ et la Samaritaine / Landscape with Christ and the Woman of Samaria, Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie, Berlin © XXXX Né à Nuremberg, fils d'un orfèvre, König se rendit à Augsbourg en 1605 pour passer plusieurs années à Venise à partir de 1606. À partir de 1610, il a travaillé à Rome, où il est resté jusqu'au changement d'année 1613/14. Il y a probablement encore rencontré Adam Elsheimer, mort en décembre 1610, dont le style romain a fortement influencé les paysages de König. En 1614, König retourna à Augsbourg, se maria et obtint la même année le droit de peindre. En 1622, il devint chef de la corporation des peintres et, un an plus tard, membre du Grand Conseil.

Estim. 50 000 - 70 000 EUR

Lot 1015 - David Vinckboons - David Vinckboons Scène de taverne "Boerenverdriet" ou "le chagrin du paysan Huile sur bois. 21 x 31,2 cm. Provenance Collection privée belge. David Vinckboons a abordé à plusieurs reprises la souffrance de la population rurale néerlandaise, martyrisée et tuée par les soldats espagnols ("Boerenverdriet" ou "souffrance paysanne"). Depuis 1568, les Pays-Bas insurgés étaient en guerre avec l'Espagne, la guerre de Quatre-Vingts Ans. Vinckboons et sa famille furent eux-mêmes victimes de cette guerre et s'enfuirent en 1585 d'Anvers, occupée par les Espagnols, pour se réfugier dans le nord des Pays-Bas. Vinckboons a créé des représentations de paysans qui ont décidé de contre-attaquer et qui ont chassé les soldats et leur suite de leurs maisons ("Boerenvreugd" ou "Bauernfreud"). Dans cette composition, le peintre se place également du côté de la population qui souffre. Il montre une taverne dans laquelle une société richement vêtue se régale de nourriture et de boissons. Il pourrait s'agir d'une famille d'occupants espagnols qui fait la fête aux frais de la population rurale. Un pauvre homme portant un panier est expulsé de la pièce sous la menace. Au premier plan, devant une caisse remplie de bijoux et d'argent, une femme mendiante s'agenouille et demande l'aumône. Le présent tableau "Bauernleid" a probablement eu un pendant représentant la "Bauernfreud", comme c'est le cas d'une version presque identique datant de 1609 et aux dimensions similaires. Ces deux panneaux, qui se trouvaient sur le marché de l'art en 2005, pourraient être la première version du sujet (voir Klaus Ertz : David Vinckboons, Lingen 2016, n° 160 et 161). Une autre paire de tableaux se trouve au Rijksmuseum d'Amsterdam (inv. n° SK-A-1351 et -1352), mais sur la base d'une étude dendrologique, elle doit être datée de 1619 ou plus tard et pourrait être une peinture d'atelier (voir Klaus Ertz, opus. cit., no 162 et 163, ici encore daté vers 1609 et avec une attribution complète). La composition de David Vinckboon s'inscrit dans la tradition du sud des Pays-Bas des représentations à petites figures de villages pillés, qui reflètent le conflit contemporain entre soldats et paysans. Contrairement à Marten van Cleve avant lui, il a considérablement réduit le nombre de personnages et les a placés plus près du plan de l'image, ce qui permet au spectateur de s'impliquer davantage dans l'événement. Il est possible que Vinckboons, qui avait des liens avec le monde littéraire d'Amsterdam, ait été inspiré par la littérature contemporaine sur la Trêve des douze ans (1609 à 1621). Celle-ci traitait en détail de la relation problématique entre le paysan et le soldat.

Estim. 70 000 - 90 000 EUR

Lot 1016 - Sebastiaan Vrancx - Sebastiaan Vrancx Rassemblement de soldats dans une clairière devant une chapelle Huile sur bois. 45,2 x 66,2 cm. Provenance Collection privée autrichienne. Expositions Alte Galerie, Universalmuseum Joanneum Graz/Schloss Eggenberg, prêt ; avril 2019 à novembre 2023. La composition montre un groupe de cavaliers et de fantassins, soit des soldats professionnels, soit des milices locales, rassemblés dans un paysage flamand, dans une clairière. Parmi eux se trouvent des cuirassiers, des arquebusiers, des mousquetaires et des piquiers. Ce panneau très bien conservé est un excellent exemple de la peinture de genre militaire pour laquelle Sebastiaan Vrancx était si célèbre. C'est probablement son expérience militaire en tant qu'officier puis capitaine de la garde municipale anversoise qui a permis à Vrancx de représenter les vêtements et l'équipement des soldats ainsi que leurs actions guerrières de manière aussi détaillée que dans ce tableau. La composition du "Camp militaire" de Vrancx, daté de 1617 et conservé à la Kunsthalle de Hambourg (inv. n° HK-334), est étroitement liée à celle de ce tableau et constitue un point de repère pour une datation possible. Il existe également des similitudes avec le tableau "Überfall" (Attaque) du château Johannisburg d'Aschaffenburg (Inv. n° 6295), daté de 1610. Il est possible que le présent tableau ait été réalisé avant 1617, date à laquelle la corporation des tabletiers d'Anvers a introduit les armoiries de la ville (deux mains et une citadelle) au verso des panneaux comme signe de qualité. Cette marque au feu ne figure pas au dos de la tablette. Une autre version du sujet, intitulée "Cavaliers et fantassins devant une chapelle", se trouve à Gotha, Schlossmuseum Schloss Friedenstein, Gemäldesammlung (inv. n° SG 715). Ce panneau de dimensions légèrement inférieures est monogrammé SV (sur le cheval au centre). L'officier commandant sur le cheval blanc au centre du tableau est remplacé par un chevalier en armure dans la version de Gotha, sinon les deux tableaux sont presque identiques. Le groupe central des quatre cavaliers avec l'officier harnaché sur le cheval blanc est, avec les deux soldats campant à droite, un motif récurrent chez Vrancx comme chez David Vinckboons. On peut supposer que Vrancx a repris cette composition de son contemporain d'Amsterdam. Dans sa monographie, Klaus Ertz a répertorié plusieurs de ces compositions de Vinckboons sous le titre "Waldlichtung mit Vorbereitung auf einen Überfall" (K. Ertz : David Vinckboons, Lingen 2016, cat. n° 47-52). Vrancx a repris ce groupe central dans quelques tableaux, pour la plupart de format vertical (voir par exemple Dulwich Picture Gallery, inv. n° DPG356). La question se pose de savoir si Vrancx a représenté dans ce tableau un événement historique concret. Joost Vander Auwera, qui a confirmé l'attribution à Vrancx (communication écrite du 12.3.2024), répond par la négative. Les peintures de Vrancx sont pour la plupart des scénarios inventés sans référence topographique à un événement historique précis, avec des commandants anonymes.

Estim. 60 000 - 70 000 EUR

Lot 1020 - Joos de Momper - Joos de Momper Le Christ guérit un aveugle Huile sur toile (doublée). 137 x 121 cm. Provenance Collection Dr. Hans Wetzlar, Amsterdam. - Collection Ouest, Cornwallis. - Kunsthandel Hans M. Cramer, La Haye, 1965/66, n° 28. - Vente Sotheby's, Londres, 3.12.1969, lot 52. - Collection privée allemande. Expositions Chambre Privée, Aix-la-Chapelle, Suermondt-Ludwig-Museum, 8.11.2018-3.2.2019. Littérature Klaus Ertz : Josse de Momper le Jeune (1564-1635). Die Gemälde mit kritischer Oeuvrekatalog, Freren 1986, p. 558, n° 336, ill. en couleurs pleine page p. 556. - Cat. d'expo. "Chambre Privée", Aix-la-Chapelle, Suermondt-Ludwig-Museum, 8.11.2018-3.2.2019, n° 5, p. 29-33 (comme Jan Wildens et Hans Jordaens III). Notre tableau de grand format montre un paysage aux formes variées, dans lequel une scène biblique est intégrée au premier plan. Le regard du spectateur est d'abord attiré par de grands arbres sur le bord gauche de l'image dans un vaste paysage plein de lumière, au milieu duquel on distingue une localité avec de nombreuses maisons et une église abbatiale. Derrière s'étend un paysage de lacs qui se fond dans un paysage de montagnes peint dans des tons bleu clair. En bas de l'image, plusieurs personnages sont représentés à la manière d'une scène, dans laquelle on peut reconnaître la "guérison d'un aveugle" de l'évangile de Jean (chap. 9). Le Christ, mis en évidence par une aura de lumière autour de la tête, pose la main sur les yeux d'un homme assis en tenue de mendiant et provoque ainsi sa guérison. Dans son catalogue des œuvres de Joos de Momper, paru en 1983, Klaus Ertz a consacré une page entière à ce tableau. Contrairement à ses contemporains Jan Bruegheld l'Ancien et Roelant Savery, Momper s'est exclusivement consacré à la peinture de paysage et "peut être considéré comme le peintre de paysage le plus qualitatif et le plus réussi de son époque" (Ertz in : Ausst.-Kat. Die flämische Landschaft 1520-1700, Essen et Vienne 2003/04, p. 144). Ertz a daté le présent tableau de la fin des années 20, c'est-à-dire de l'œuvre tardive de l'artiste mort en 1635. Durant cette phase, l'écriture devient plus fluide et l'application de la couleur plus spontanée, ce qui confère aux œuvres un caractère plus moderne. En raison de cette impression de modernité, Claus Grimm (op. cit.) a récemment proposé d'attribuer ce tableau au jeune peintre anversois Jan Wildens, qui a travaillé en étroite collaboration avec Rubens et a fourni l'arrière-plan de nombreux tableaux de l'atelier de Rubens. Le décor de personnages du présent tableau est unanimement attribué au peintre anversois Hans Jordaens III (vers 1595-1643), qui était également sollicité par de nombreux autres artistes flamands en tant que peintre de personnages. "Ses figures d'hommes et d'animaux, posées en quelques contours sûrs, montrent son grand répertoire d'études expressives du mouvement". (Grimm, op. cit., p. 33). Une deuxième version de la présente composition, apparue il y a quelques années en Angleterre (ill. 1 in Grimm, op. cit., p. 32), présente sur le côté droit une zone de paysage plus grande. Il s'agit d'une variante ultérieure pour laquelle notre tableau, que Grimm qualifie de première exécution et qui a probablement été raccourci sur le côté droit à une date ultérieure, a servi de modèle.

Estim. 30 000 - 40 000 EUR

Lot 1022 - Gottfried von Wedig - Gottfried von Wedig Repas d'apparat Huile sur bois. 63,5 x 96,8 cm. Possiblement dans le cadre original daté de 1623. Monogrammé en bas au centre sur la lame du couteau : W, au-dessus de la main de la Guilde des peintres d'Anvers. Provenance Collection privée autrichienne. - Im Kinsky, Vienne, 21.4.2006, lot 5 - Collection privée allemande. Littérature E. Mai (éd.) : Gottfried von Wedig. Stilleben und Porträts, Cologne 1998, p. 84, n° S16. La présente nature morte de repas est le témoignage impressionnant d'un "repas d'apparat" des débuts. La composition extrêmement grande et de format transversal permettait à Wedig d'étaler sur une table une multitude d'objets isolés depuis un point de vue élevé et sans chevauchement sur un fond sombre. Des ustensiles de table précieux, comme une coupe Renaissance ou un verre à la manière de Venise, sont présentés avec un poulet rôti et des poissons sur des assiettes en étain, des fruits et du fromage. La peinture fine avec des couleurs réduites au profit d'un ton brun-jaune est caractéristique de Gottfried von Wedig. Les formes des objets du tableau sont volumineuses et plastiques, la composition est simple et laisse à chaque objet de l'espace et de l'effet. Il existe de multiples références de motifs à trois autres "repas d'apparat" de Wedig avec du poulet rôti (voir E. Mai, op. cit., n° 6). Le présent tableau est la plus grande version de ce groupe, qui est datée vers 1630. Dans ce contexte, la datation "1623" sur le cadre du tableau est intéressante. Il n'a toutefois pas été possible de déterminer avec certitude s'il s'agit du cadre d'origine. Le monogramme "W" associé à la main de la Guilde des peintres anversois sur la lame du couteau indique toutefois une œuvre de jeunesse du peintre et son lien possible avec Anvers. Gottfried von Wedig compte, avec Georg Flegel (1566-1638) dont il a suivi le style, parmi les principaux représentants de la peinture de natures mortes dite de Francfort. Né et travaillant à Cologne, il a probablement d'abord appris auprès de son grand-père, le portraitiste Bartholomäus Bruyn le Jeune, avant d'obtenir le titre de maître au plus tard en 1608. Il est considéré comme le plus important portraitiste du patriciat aisé de Cologne de la première moitié du 17e siècle. Avec ses natures mortes dans la tradition des tableaux de repas néerlandais, il a atteint une véritable maîtrise. Wedig fut le premier peintre à établir le genre de la nature morte à Cologne.

Estim. 30 000 - 40 000 EUR

Lot 1023 - Maerten Rijkaert - Maerten Rijkaert Une paire de tableaux circulaires : Allée bordée d'arbres avec de nombreux personnages et un château d'eau (allégorie de l'été) Place de village enneigée avec de nombreux personnages et un pont au premier plan (allégorie de l'hiver) Huile sur bois. Diamètre : 16 cm. Provenance Collection privée P. S. van Gelder (pas dans sa vente Genève, Ch-D. Cosandier, 7 avril 1933). - Vente inconnue, lot 90-91, comme Jan Brueghel l'Ancien. - Vente d'art Walter Paech, comme Jan Brueghel l'Ancien, date inconnue. - Propriété privée belge depuis plusieurs générations. Les deux paysages proviennent vraisemblablement d'une série représentant les quatre saisons. Ils représentent l'été et l'hiver. Ils étaient jusqu'à présent considérés comme des œuvres de Jan Brueghel l'Ancien sur la base d'une attribution de Willem Vogelsang, professeur à Utrecht (1875-1954). Deux tableaux circulaires de dimensions similaires attribués à Maerten Rijkaert, représentant également l'été et l'hiver, se trouvaient sur le marché de l'art en 1983 (Sotheby's Park Bernet, New York, 9.6.1983, lots 19 et 20, cf. archives photographiques RKD, La Haye, n° 280055 et 280056). Par le rendu rapide et fluide du feuillage, du décor et de l'architecture, la présente paire de tableaux de Rijkaert correspond à des peintures de petit format des années 1620. Nous remercions Ellis Dullaert du RKD, La Haye, pour ses précieux conseils et la confirmation de l'attribution à Maerten Rijkaert (communication écrite sur la base de photographies du 23.1.2024).

Estim. 10 000 - 15 000 EUR

Lot 1025 - Flämischer Meister 17. Jahrhundert - Maître flamand 17e siècle Portrait d'une famille anversoise Huile sur toile (doublée). 134,5 x 159 cm. Provenance Collection privée belge. Une famille bourgeoise flamande aisée se présente devant un somptueux rideau qui laisse entrevoir un paysage. L'homme serre le poing en signe de puissance. De l'autre main, il touche délicatement l'épaule de sa femme, qu'il regarde avec amour. Elle regarde devant elle, tandis que sa fille saisit son poignet et accepte une pomme de son petit frère. Celui-ci semble se fondre dans les riches vêtements noirs de son père. L'attachement est un thème central dans cette œuvre, qui s'exprime à travers les multiples interactions entre les personnages. Tout dans ce portrait représente la richesse et la prospérité ou le désir de les atteindre : les riches vêtements ornés de brocart, les bijoux, le rideau rouge, la pomme. La remarquable fontaine sur la droite est ornée d'une figure de Diane d'Éphèse tenant deux dauphins qui projettent de l'eau. La déesse mère Diane est synonyme de fertilité. Mais ce monumental portrait de famille est bien plus qu'un simple portrait statique destiné à illustrer la richesse et la soif de reconnaissance des personnes représentées. C'est le portrait d'une famille où règnent la solidarité et l'humanité. Les bases iconographiques et de composition du présent portrait de famille sont des tableaux comparables de Cornelis de Vos (1584-1651), actif à Anvers. Celui-ci a travaillé dans la première moitié du 17e siècle, en même temps que Rubens et Van Dyck, comme troisième portraitiste important à Anvers. De Vos a été le premier à représenter les affects dans un portrait de famille. Les liens émotionnels sont thématisés par des gestes et des symboles sublimes. Même si la parenté de style entre notre tableau et les œuvres de Cornelis de Vos et de son cercle est évidente, aucune attribution à un artiste n'a pu être faite jusqu'à présent. Un agrandissement intéressant du tableau dans le bas de la toile témoigne de son originalité : une bande de 11 centimètres de haut a été appliquée sur la toile dans l'atelier de l'artiste. Cette technique était tout à fait courante dans les Pays-Bas méridionaux au 17e siècle pour les grands tableaux monumentaux.

Estim. 70 000 - 90 000 EUR

Lot 1028 - Jacob Jordaens - Jacob Jordaens Diane et Callisto Huile sur bois. 53,5 x 75,2 cm. Expertise Prof. Dr. Roger-Adolf d'Hulst, 14.11.1967. Provenance Galerie Brunner, Paris (cachet de cire rouge de la galerie au dos du tableau).collection privée, Kortrijk (Courtrai), Belgique, 1960 - Acquis par le propriétaire actuel en 2010. Expositions Jordaens et l'antique, Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruxelles, 12.10.2012 - 27.1.2013 et Museumslandschaft Hessen-Kassel, Kassel, 1.3. - 16.6.2013, n° 87. Littérature R-A d'Hulst : Enkele onbekende schilderijen van Jakob Jordaens, in : Gentse Bijdragen tot de Kunstgeschiedenis en de Oudheidlunde, XIX, 1961-1966, p. 90, ill. 8. - R.-A. d'Hulst : Jacob Jordaens, Antwerpen, 1982, p.335, note 56 et p. 345. - Irene Schaudies : Monumental Cabinettstücke, dans : Catalogue d'exposition Jordaens et l'Antique, Bruxelles, 2012, p. 231-247, n° 87, p. 237, avec ill..- Hans Vlieghe : Jordaens and the Antique, dans : The Burlington Magazine, janvier 2013, p. 58-59 - Michel Ceuterick : Jordaens and the Antique, dans : Historians of Netherlandish Art Reviews, novembre 2013. . - Jordaens Van Dyck Panel Paintings Project (JVDPPP) : www.jordaensvandyck.com (résultats de l'étude dendrologique du tableau réalisée en 2018). Le tableau de Jordaens "Diane et Callisto" a été présenté au grand public lors de l'exposition "Jordaens et l'antique" à Bruxelles et à Kassel en 2013. Il s'agit d'une œuvre tardive du maître, qui peut être datée des années 1670, comme l'ont montré de récentes recherches technologiques menées par le Jordaens Van Dyck Panel Paintings Project (JVDPPP). Le panneau, qui se trouve depuis longtemps dans une collection privée belge, porte un cachet de cire de la prestigieuse galerie parisienne Charles Brunner, qui a existé jusqu'en 1925. Irene Schaudies a publié le tableau dans son article du catalogue "Monumentale Kabinettstücke" avec d'autres tableaux des années 1640. Celles-ci, bien qu'elles ne soient pas de petit ou moyen format, utilisent des proportions et des thèmes "typiques des pièces de cabinet - des personnages qui semblent plutôt petits par rapport à la surface du tableau ainsi que des scènes mythologiques intégrées dans des paysages atmosphériques". (cat. d'exposition "Jordaens et l'Antiquité", 2013, p. 232). Toutes les toiles ont en commun la confrontation de Jordaens avec l'Antiquité et la Renaissance italienne. Jordaens n'est certes jamais allé en Italie, mais il a eu accès à l'art italien par l'intermédiaire de son mécène Rubens. Le thème de Diane découvrant la grossesse de sa nymphe non chaste Callisto était très populaire dans la peinture flamande et a souvent été représenté par Hendrick van Balen (1575-1632), le peintre de cabinet admiré par Jordaens. Pour sa composition, Jordaens a toutefois eu recours à une copie de Rubens d'après le tableau de Titien "Diane et Callisto" et lui a emprunté certaines de ses figures féminines (voir I. Schaudies, in : Ausst.-Kat. 2013, p. 237). Une invention picturale de Titien est également la source d'inspiration d'un autre tableau de Jordaens, "Diane et Actéon", qui se trouve dans les Staatliche Kunstsammlungen, Gemäldegalerie Alte Meister, à Dresde (ill. 1 ; inv. n° 999). Ce tableau a des dimensions presque identiques, 53,5 x 75,5 cm. Le contexte thématique permet également de supposer qu'il pourrait s'agir du pendant de la présente œuvre. On a également supposé que le tableau "Nymphes coupant la barbe de Pan" (La Haye, Mauritshuis, inv. n° 849) était une contrepartie de "Diane et Callisto", mais ni le format, ni le thème, ni la composition ne sont compatibles. Jordaens a représenté le présent sujet dans une autre version étroitement apparentée, de dimensions plus grandes (81 x 120 cm) (ill. 2). Ce tableau "Diane et Callisto" est peint sur toile et se trouve à l'Académie royale des Beaux-Arts de San Fernando, Madrid (inv. nº 1427). Plusieurs dessins préparatoires peuvent être mis en relation directe avec le groupe de figures autour de Callisto. L'un d'entre eux se trouve à la National Gallery d'Edimbourg et un autre au Boijmans Van Beuningen Museum, Rotterdam. Nous remercions le Dr Joost Vander Auwera, directeur du JVDPPP, pour ses conseils concernant l'édition du texte de ce catalogue.

Estim. 100 000 - 150 000 EUR

Lot 1029 - Jan Lievens - Jan Lievens Autoportrait au miroir Huile sur bois. 47 x 33,4 cm. Expertise Rapport de l'examen dendrochronologique : Prof. Dr. Peter Klein, Université de Hambourg, 16.11.2016. Provenance Asscher, Koetser and Welker, Londres, 1926. - Koninklijke Kunstzaal Kleykamp, La Haye, 1928. - Kunsthandel Mettes, La Haye, env. 1929. - Colin Agnew, Londres/New York, 1930. - Slg. Consul lvar Hellberg, Stockholm, 1938. - Vente aux enchères Bukowski's, Stockholm, 8.11.1961, lot 218. - Vente aux enchères Koller, Zurich, 18.9.2013, lot 6511 (comme succession de Rembrandt). - Collection privée allemande. Expositions Tentoonstelling van schilderijen door oud Hollandsche en Vlaamsche meesters, Koninklijke Kunstzaal Kleykamp, The Hague, 1928, n° 32 (comme Rembrandt). - The 13th Loan Exhibition of Old Masters ; Paintings by Rembrandt, Detroit Institute of Arts, 1930, n° 4. - Exposition de cent tableaux des maîtres anciens de cinq siècles, Cvijeta Zuzoric Art Pavilion, Belgrade, 1932, catalogue G. Glück, n° 98. - Kung ! Akademien for de fria konsterna, Mitt basta konstverk : en konsthistorisk oversit Ji-an utstallningen, Stockholm, 1941/2, n° 60 (comme Rembrandt). Littérature W. R. Valentiner : The Thirteenth Loan Exhibition of Old Masters : Paintings by Rembrandt, Detroit 1930, n° 4 - A. Bredius : Rembrandt, Schilderijen, Utrecht 1935, n° 14 - M. J. Friedlander et C. G. Laurin : Tableaux anciens de la collection lvar Hellberg Stockholm/Malmö 1938, n. p., m. ill. (une œuvre de Rembrandt). - B. G. Wennberg et G. Engwall : Mitt basta konstverk : konst ur stockholmshem, Stockholm, 1941/42, n° 60. - J. Rosenberg : Rembrandt, Life and Work, Cambridge 1948, p. 371, (œuvre douteuse de Rembrandt). - J. Rosenberg : Rembrandt, Life and Work, 2e éd., Londres 1964, p. 371 (œuvre non authentique de Rembrandt). - K. Bauch : Rembrandt, Gemälde, Berlin 1966, p. 47 (peut-être une copie d'après un original perdu de Rembrandt). - A. Bredius et H. Gerson : Rembrandt, The Complete Edition of the Paintings, Londres,1969, n° 14, avec ill., App. p. 535 (pas de Rembrandt). - P. Lecaldano : The Complete Paintings of Rembrandt, Londres, 1973, p. 133 (sous "Autres travaux rembrantesques"). - J. Bruyn et. al. : A Corpus of Rembrandt Paintings, vol. I, Dordrecht/Boston/Lancaster 1982, p. 658-661, n° C 40 (imitation probablement du XVIIe siècle). - B. Schnackenburg : Jan Lievens, Friend and Rival of the Young Rembrandt, Petersburg 2016, p. 75, 78, 79, 97, 137, p. 249-251, n° 69, ill. p. 250 (comme Jan Lievens). Jan Lievens et Rembrandt - cela ne faisait aucun doute pour Constantijn Huygens - représentaient l'avenir brillant de la peinture hollandaise. Dans ses mémoires, le secrétaire du gouverneur de La Haye, extrêmement bien informé sur les questions artistiques, ne tarit pas d'éloges sur les "deux excellents jeunes gens de Leyde" et les voit rivaliser dès leur plus jeune âge avec les grands maîtres comme Rubens et Titien. Jan Lievens et Rembrandt, qui avaient presque le même âge, étaient talentueux, avides de connaissances et pleins d'ambition. Ils partageaient un atelier, s'essayaient aux mêmes thèmes picturaux et s'inspiraient mutuellement. Cela allait si loin que les contemporains confondaient déjà leurs œuvres (le "Vol de Proserpine" de Rembrandt figurait dans l'inventaire de la cour de La Haye comme une œuvre de Jan Lievens). La recherche en histoire de l'art ne devait pas mieux se porter quelques centaines d'années plus tard, comme le montrent les nombreuses corrections d'attributions. Ce panneau, un autoportrait de Jan Lievens datant de 1628 (Schnackenburg, op. cit., passim), constitue un témoignage de cette amitié artistique unique, mais aussi du destin mouvementé de tant d'œuvres des deux artistes. L'artiste regarde le spectateur avec intensité, une capuche sombre recouvre sa tête. Sa bouche est légèrement ouverte, comme s'il s'adressait à nous ou comme s'il était étonné par quelque chose. Une fine moustache orne son visage. Son visage est éclairé par la gauche, comme il est d'usage dans les autoportraits d'artistes droitiers, la moitié droite du visage est ombrée en conséquence. L'exécution picturale est "granuleuse et dense dans le visage et naturaliste dans le rendu de la surface de la peau" (Schnackenburg), la zone de l'épaule est en revanche seulement suggérée par de larges coups de pinceau secs. Lors de sa redécouverte, le tableau a d'abord été attribué à Rembrandt (Bredius, op. cit.). Un autre autoportrait de Rembrandt datant de 1628, comparable en ce qui concerne le port de la tête et la bouche légèrement ouverte, a servi d'exemple de comparaison (ill. 1 ; Indianapolis Museum of Art, inv. n° 2023.4). Cependant, des doutes sont rapidement apparus quant à cette attribution. Rosenberg, Gerson et Bauch ont relégué le tableau dans leurs catalogues d'œuvres parmi les œuvres douteuses et recopiées de Rembrandt. Enfin, pour le Rembrandt Research Project, il s'agissait simplement de l'œuvre d'un successeur ultérieur (ce qui est confirmé par la

Estim. 120 000 - 150 000 EUR

Lot 1030 - Bartolomeo Mendozzi - Bartolomeo Mendozzi Marie-Madeleine Huile sur toile (doublée). 99 x 135 cm. Provenance Collection privée. Littérature Massimo Pulini : Bartolomeo Mendozzi da Leonessa. Un maestro del Seicento tra l'Incredulità, il caso Ducamps e i nuovi documenti, Rimini 2022, p. 96-97, n° 37. Profondément touchée, Madeleine sort de l'obscurité d'une grotte. Semi-allongée, l'ermite se penche légèrement sur sa droite et s'appuie sur une pierre sur laquelle sont présentés les attributs de ses exercices de méditation. Elle tient le crucifix près de son visage et de son torse à moitié nu, l'embrassant presque, tout en touchant le crâne qui se trouve en dessous, devant lequel se trouvent un flagelle et un récipient transparent contenant un onguent. La diagonale du corps, qui va du haut à gauche vers le bas à droite, est soulignée par la lumière claire et fulgurante et par le long crucifix qui touche la cuisse gauche. De tels éléments servent à donner à la composition un aspect théâtral, afin de mettre en avant la compassion et la consternation de Madeleine, conformément aux préceptes de la Contre-Réforme. L'enseignement du Caravage est la référence explicite de cette composition marquée par un clair-obscur efficace. En 1997, Gianni Papi a identifié un soi-disant "maître de l'incrédulité de saint Thomas" et lui a attribué un groupe de peintures caravagesques. Grâce à des découvertes ultérieures dans les archives de Francesca Curti, cette figure a pu être mise en relation avec le peintre Bartolomeo Mendozzi, originaire de la petite ville de Leonessa près de Rieti et actif à Rome vers 1620-40. En 2022, le tableau en question a été publié dans la monographie de Massimo Pulini consacrée à Mendozzi, en même temps qu'une version déjà connue du Nationalmuseum de Stockholm.

Estim. 60 000 - 80 000 EUR

Lot 1031 - Elisabetta Sirani - Elisabetta Sirani La Madeleine pénitente Huile sur toile (doublée). 128 x 102 cm. Expertise Donatella Biagi Maino, Bologne, 10.9.2013 - Dr. Adelina Modesti, Melbourne 2014. Provenance Vente aux enchères Christie's, Rome, 17.10.1985, lot 173 (comme école Guido Reni) - Collection privée italienne. Littérature Sur l'artiste : Adelina Modesti : Elisabetta Sirani, Una Virtuosa del Seicento Bolognese, 2004 - Adelina Modesti : Elisabetta Sirani "Virtuosa". Women's Cultural Production in Early Modern Bologna, Turnhout 2013, n° 49, p. 273 (note). Aussi bien l'historienne de l'art Donatella Biagi Maino, qui enseigne à Bologne, qu'Adelina Modesti, auteur de la première monographie sur la peintre, ont indépendamment identifié cette "Marie-Madeleine" comme étant l'œuvre d'Elisabetta Sirani. Pour les deux expertes, il s'agit d'une œuvre de jeunesse de Sirani, qui aurait précédé une version plus tardive et plus petite du motif pictural. Cette version ultérieure sur cuivre a été peinte par Elisabetta Sirani pour son mécène Padre Ettore Ghisilieri. Elle se trouve aujourd'hui à la Pinacoteca Nazionale di Bologna (inv. n° 376). Les deux expertes expliquent la datation antérieure du présent travail par l'influence encore nettement perceptible de Guido Reni, notamment dans la typologie du personnage. C'est pourquoi, selon Adelina Modesti, le tableau pourrait encore avoir été réalisé dans l'atelier de Reni, où travaillait également son père Giovanni Andrea Sirani. Le style pictural d'Elisabetta se caractérise par la fluidité de l'écriture, que l'on retrouve notamment dans le détail du paysage, dans les mains, le crâne et surtout dans la chevelure ondoyante de la sainte. De telles productions, exécutées par plusieurs peintres, étaient une pratique courante dans l'atelier de Guido Reni. Elisabetta Sirani devint l'une des artistes les plus innovantes et les plus productives de l'école de Bologne. Enfant d'une ville dont l'université formait des femmes depuis le Moyen Âge et qui célébrait le culte de sainte Catherine de Bologne, connue pour ses talents de peintre et d'enlumineuse, elle disposait de conditions particulièrement favorables pour une carrière artistique.

Estim. 40 000 - 60 000 EUR

Lot 1034 - Daniel Seghers - Daniel Seghers Cornelius Schut L'image de Marie à l'Enfant, portée par des chérubins et ornée de guirlandes de fleurs Huile sur toile (doublée). 127 x 104 cm. Provenance Collection Willem de Blasere, seigneur de Hellebus, Gand, vers 1635, et mentionnée dans l'inventaire de Segher sous le n° 135 - Galerie Marcus, Paris, 1970-74 - Collection privée belge. Expositions Taichung, National Taiwan Museum of Fine Arts, The Golden Age of Flemish Painting, 1988, n° 54. - Cologne, Wallraf-Richartz-Museum, 4.9. - 22.11.1992 ; Anvers, Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, 12.12.1992-8.3.1993 ; et Vienne, Kunsthistorisches Museum, 2.4. - 20.6.1993, De Bruegel à Rubens, n° 99.1. Littérature Journal de Daniel Seghers dans : W. Couvreur, 'Daniel Seghers' inventaris van door hem geschilderde bloemstukken', in : Gentse bijdragen tot de kunstgeschiedenis, t. XX, 1967, p. 112, n° 135. - M.-L. Hairs : Pour un tricentenaire, D. Seghers, in : Revue Belge d'archéologie et d'histoire de l'art, Liège 1960. - M.-L. Hairs : Pour un tricentenaire, D. Seghers, in : Revue Belge d'archéologie et d'histoire de l'art, Liège 1960.L. Hairs : Dans le sillage de Rubens, les peintres d'histoire anversois au XVIIe siècle, Liège 1977, p. 213. - M.-L. Hairs : The Flemish Flower Painters in the XVIIth Century, Bruxelles 1985, p. 125-29, n° 33, relevé détaillé p. 130. - G. Wilmers : Cornelis Schut (1597-1655) : A Flemish Painter of the High Baroque, Belgique 1996, p. 172-73, n° A108, illustration à la p. 413 (par erreur comme n° A110). Parmi les nombreuses décorations florales de Segher autour d'un cartouche central, ce tableau est particulier. L'action des anges-poutres crée une certaine dynamique. Quatre anges sont en train de fixer deux festons à une image de madone dans un cadre ovale sculpté. Seghers, qui devint après la mort de son maître Jan Brueghel l'Ancien son principal successeur dans le domaine de la peinture florale anversoise, a réalisé ce tableau en collaboration avec le peintre de figures Cornelis Schut. La figuration rubenesque libre de Schut trouve son contrepoint dans le réalisme détaillé des fleurs et des plantes représentées par Segher et dans l'utilisation lumineuse des couleurs. Cette œuvre collective exceptionnelle est connue grâce à de nombreuses expositions et publications. Le tableau a été identifié par M.-L. Hairs dans l'inventaire de Cornelis Schut, rédigé par lui-même, sous le n° 135 (voir Couvreur, 1967, p.112, n° 135). Le commanditaire ou l'acheteur était probablement Willem de Blasere, seigneur de Hellebus, représentant de la Flandre auprès des Etats généraux et l'un des plénipotentiaires pour les négociations de paix à Maastricht et à La Haye en 1632/33. Le père de ce dernier, Gerard de Blasere, était un protecteur de l'ordre des jésuites, auquel appartenait le "moine peintre" Seghers. Seghers, qui vécut jusqu'à sa mort en 1661 dans la maison professe des jésuites à Anvers, devint une célébrité sous la tutelle de l'Ordre. Des princes et des princesses vinrent le voir dans son atelier, se montrant reconnaissants pour ses travaux en lui offrant de précieux cadeaux, car il n'était pas autorisé à percevoir des revenus. Le 20 avril 1635, le cardinal-infant Ferdinand lui rendit visite et acheta une version plus carrée de la présente composition. Elle comporte une couronne impériale qui couronne l'image de la Vierge comme un petit dais (Couvreur, 1967, p. 110, n° 119). Ce tableau se trouvait en 1961 à la galerie R. Finck à Bruxelles (voir Hairs, 1985, ill. 32). On peut supposer que le présent tableau a été réalisé un peu plus tard, la même année 1635.

Estim. 50 000 - 60 000 EUR

Lot 1036 - Jan van Noordt - Jan van Noordt L'adoration des bergers Huile sur toile (doublée). 65,6 x 58 cm. Provenance Probablement collection Jan van de Capelle vers 1680 - Vente Sotheby's, Londres, 12.12.1002, lot 178 - Collection privée néerlandaise. Littérature Abraham Bredius : De schilder Johannes van de Capelle, in : Oud Holland, 1082 10 : 26-40, p. 34 (probablement identique à ce tableau). - Cornelius Hofstede de Groot : Joan van Noord, in : Oud Holland 1892, p. 216, n° 2 - David A. de Witt : Jan van Noordt. Painter of History and Portraits in Amsterdam, Montréal 2007, p. 104/5, n° 9. En s'appuyant sur le texte biblique et la tradition picturale, Jan van Noordt a placé son "Adoration des bergers" pendant la nuit. Il place la sainte famille près d'un hangar qui s'ouvre sur le côté droit. La Vierge tient une bougie en l'air pour éclairer l'enfant Jésus. Une botte de paille est posée sur le sol et capte habilement la lumière. Les bergers forment un groupe au centre, dominé par un berger au premier plan. Vu de côté, le berger s'agenouille vers la gauche en direction de l'enfant Jésus et du sein de Marie. Pour la figure du berger agenouillé, il existe un dessin en propriété privée (de Witt, p. 193) qui peut être mis en relation avec certaines peintures et qui suggère une création de notre tableau vers 1660. Jan van Noordt fait partie de ces peintres hollandais de l'âge d'or qui n'ont jamais atteint la notoriété et la reconnaissance qu'ils méritent vraiment. Werner Sumowski, le doyen de l'école de Rembrandt, écrivait encore en 1986 : "L'œuvre de Jan van Noordt est l'un des desiderata les plus urgents de la recherche en histoire de l'art". David A. de Witte s'est ensuite penché sur l'œuvre complexe et variée de van Noordt et a publié ses conclusions dans une monographie fondamentale en 2007.

Estim. 20 000 - 25 000 EUR

Lot 1040 - Hans Horions - Hans Horions Le Christ et la Samaritaine au puits Huile sur toile (doublée). 83 x 70 cm. Signé et daté en bas à gauche : JHorions 1646 (JH lié). Provenance Sotheby's, Amsterdam, 8.2.1988, lot 82 - Galerie Hoogsteder & Hoogsteder, La Haye. - Acquis là par un collectionneur privé belge. Plus d'une poignée de tableaux n'ont pas été répertoriés à ce jour. Elles sont d'une qualité étonnante, comme le tableau le plus connu d'Horion, "Salomé dansant devant le roi Hérode", conservé au Rijksmuseum d'Amsterdam. Le présent tableau "Le Christ et la Samaritaine au puits" est répertorié sous le numéro 2497 dans les archives photographiques du SCR. Daté de 1646, il s'agit de l'œuvre la plus ancienne d'Horion, suivie d'un dessin daté de 1647, intitulé "Vénération du jeune Bacchus", conservé à la Fondation Custodia, Paris (Slg. F. Lugt). Du point de vue stylistique, l'œuvre étroite de Horions est étroitement liée au classicisme hollandais. Hans Horions exerçait une profession inhabituelle. Jusqu'à sa mort en 1672, il était sacristain de la tour de la cathédrale d'Utrecht. Il habitait à 25 mètres au-dessus de la ville, y recevait les visiteurs dans une taverne et était responsable de l'entretien et de la maintenance de la tour et des horloges. Il n'est donc pas étonnant que le "bouclier artistique" d'Horion, qui était doyen de la Guilde Saint-Luc d'Utrecht en 1656-57 et 1661-62, soit tombé dans l'oubli. En 1968, J.W.C. van Campen a publié pour la première fois quelques-unes de ses œuvres (De schilder Hans Horions, Maandblad Oud-Utrecht). Le tableau représente la rencontre du Christ avec la Samaritaine au puits de Jacob, conformément au récit de l'évangile de Jean (4, 1-30). Le Christ rompt ici avec les conventions de son époque en demandant à la femme, malgré le mépris général des Juifs pour les Samaritains, de l'eau du puits pour étancher sa soif.

Estim. 10 000 - 15 000 EUR

Lot 1041 - Jan Cossiers - Jan Cossiers Le joyeux buveur Huile sur bois. 73,7 x 57 cm. Provenance Collection privée belge. Au dos du tableau se trouve le cachet des tabletiers anversois. Un homme se sert un verre de vin dans une cruche et regarde en souriant à l'extérieur du tableau. Jan Cossiers a mis en scène le thème quotidien d'un joyeux buveur sous la forme d'un tableau à demi-figure avec un éclairage pictural efficace. Il s'inscrit ainsi, comme nombre de ses contemporains, dans la tradition des caravagistes. Le style de Cossiers est clairement reconnaissable dans son trait fluide typique, son traitement du visage et des doigts ainsi que sa prédilection pour une palette de couleurs brunâtres. Jan Cossiers a peint toute une série de demi-figures représentant de joyeux buveurs, dont deux tableaux aux dimensions très similaires, l'un d'entre eux étant conservé à l'Académie de Vienne. Né à Anvers, Jan Cossiers a été l'élève de Cornelis de Vos. Il a ensuite voyagé en Italie via la France, où il a subi l'influence du caravagisme. A son retour à Anvers, il fit la connaissance de l'humaniste Nicolas-Claude de Peiresc. Celui-ci était un bon ami de Rubens et lui conseilla d'employer Cossiers. Cossiers collabora à la série Torre de Parada de Rubens. Après la mort de Rubens en 1640, Cossiers reçut surtout des commandes religieuses pour de grandes toiles. Il devint l'un des principaux peintres d'Anvers et s'imposa comme l'un des coloristes les plus originaux de la Flandre du XVIIe siècle. Cet artiste polyvalent maîtrisait les différents genres. Il a peint des portraits, des tableaux de genre et des tableaux historiques.

Estim. 15 000 - 20 000 EUR

Lot 1044 - Abraham van Beijeren - Abraham van Beijeren Nature morte avec des raisins, des citrons, du pain, un Romain et un trophée doré sur un panneau Huile sur bois. 84 x 114,5 cm. Provenance Julius Böhler, Munich, avant 1929. - Friedrich Frey-Fürst, collection Bürgenstock, Lucerne (CH) et par héritage à son fils Fritz Frey, Lucerne, offert par ce dernier lors de la vente aux enchères, Sotheby's, Londres, 11.12.1996, lot 76 (vendu pour 84.000 £ prime). - Collection privée belge. Littérature F. Frey : Der Bürgenstock : Kunst, Geschichte, Tradition, Hoteldorf, Zurich and Stuttgart, 1967, p. 92-93. Van Beyeren est considéré comme l'un des artistes les plus polyvalents de son époque et était un peintre exceptionnel de natures mortes. Il était l'un des plus grands maîtres de la nature morte d'apparat néerlandaise, dont la présente œuvre est un excellent exemple. Le tableau faisait partie d'une collection mise en vente chez Sotheby's le 11 décembre 1996 et accrochée dans un complexe hôtelier de luxe avec vue sur le lac des Quatre-Cantons, le Bürgenstock. La collection a été constituée sur une période d'environ 20 ans par Friederich Frey-Fritz, qui a acquis le Bürgenstock en 1925. Le Dr Fred Meijer a confirmé l'attribution à van Beyeren au moment de la vente Sotheby's et a supposé que le présent tableau était une œuvre de jeunesse datant de la fin des années 1640. Une version très similaire, inversée, qui se trouvait sur le marché de l'art, porte le monogramme de van Beyerens (voir E. Gemar-Koeltsch : Holländische Stilllbenmaler im 17. Jahrhundert, Luca Bild Lexikon, vol. 1, p. 119). Ce tableau était à l'origine considéré comme une œuvre de Pieter Claesz. Les natures mortes d'apparat de Van Beyerens des années 1650 et 1660 sont davantage influencées par Jan Davidsz. de Heem. Tous ces tableaux ont en commun une profusion d'objets : Ses tables sont chargées d'une multitude de verreries décorées, de calices dorés, de coupes nautiques, de vaisselle en argent, de porcelaine chinoise, de fruits précieux et autres délices.

Estim. 50 000 - 70 000 EUR

Lot 1046 - Adriaen van Ostade - Adriaen van Ostade Danse paysanne devant une auberge Huile sur bois. 48,2 x 36,8 cm. Signé et daté au milieu à droite : AvOstade 1654. Provenance Collection Earls of Lonsdale, château de Lowther. Sa vente Christie's Londres, 2 juillet 1937, n° 17 - Collection B. de Geus van den Heuvel, Amsterdam/Nieuwersluis. - Mark van Waay, Amsterdam, 26 avril 1976, n° 46 - Collection privée allemande. Expositions Museum Boymans, Rotterdam 1938, n° 112, ill. 75 - Dutch Paintings : The Golden Age, Metropolitan Museum, New York ; Toledo Museum of Art, Toledo. - Art Gallery of Toronto, Toronto 1954/55, n° 59 - Kunstschatten uit Nederlandse verzamelingen, Museum Boymans, Rotterdam 1955, n° 96, ill. 91. Littérature J. Smith : A Catalogue Raisonné of the Works of the Most Eminent Painters, vol. IX (Supplement), Londres 1842, n° 55 - G. F. Waagen : Treasures of Art in Great Britain,Bdl. III, Londres 1854, p. 264 - C. Hofstede de Groot : Beschreibendes und kritisches Verzeichnis, Bd. III, Esslingen 1910, Nr. 801. Adriaen van Ostade est considéré comme le "créateur de l'image du paysan hollandais" (Bernhard Schnackenburg). Bien qu'il ait appris auprès de Frans Hals, l'influence de ce maître sur son art est plutôt indirecte. En effet, le tableau d'intérieur à petites figures, qu'Ostade a porté à son plus haut niveau, était étranger à Hals. L'influence sur l'élève réside donc moins dans le style lui-même que dans l'attitude et l'exigence vis-à-vis de la peinture. Il en va de même pour l'influence souvent décrite de Rembrandt sur Ostade, qui se rapporte surtout à sa palette de couleurs. Dans notre tableau, il ne s'agit pas d'un de ces intérieurs évocateurs, comme la plupart des tableaux de paysans d'Ostade, mais d'une scène en plein air. Toutefois, ici aussi, les personnages et l'espace se fondent en une unité grâce à la couleur et à la lumière, d'une manière merveilleuse et typique d'Ostade. Au centre de la scène devant une auberge de village se trouve la figure de dos d'un paysan dansant, vêtu d'une chemise rouge et d'un haut chapeau. Une étude de la collection du Städel à Francfort (B. Schnackenburg : Adriaen van Ostade. Isaak van Ostade. Dessins et aquarelles, 1981, vol. I, p. 104, n° 119. ill. vol. II, p. 62).

Estim. 30 000 - 50 000 EUR

Lot 1047 - Barent Gael - Barent Gael Cavalier devant une auberge dans un paysage vers 1656 Huile sur toile. 87 x 87 cm. encadré : 108,5 x 108,5 cm. Signé en bas à droite au-dessus du tonneau : B. GAEL. Provenance S. Nystad oude kunst n.v., La Haye (1952). - Collection privée néerlandaise. Expositions Depuis 1988, prêt permanent d'une collection privée au Frans Hals Museum, Haarlem (n° inv. os91-232). - Dutch Art in the Age of Frans Hals from the Collection of Frans Hals Museum, Haarlem, The Niigata Bandaijima Art Museum, 7.10.-30.11.2003. Littérature Cat. d'exposition : Dutch Art in the Age of Frans Hals from the Collection of Frans Hals Museum, Haarlem, Cat. d'exposition. The Niigata Banmdaijima Art Museum, Tokyo 2003, n° 44, ill. p. 93 ; RKD https://rkd.nl/imageslite/186194. Cette scène, avec des chevaux et des cavaliers au repos au premier plan, un clocher d'église à l'arrière-plan et une rangée de chevaux de charge placés sur le bord gauche, est typique de Barent Gael de Haarlem. La transposition des chevaux et la représentation réaliste de la tente de campagne étayent l'affirmation de l'historiographe néerlandais Arnold Houbraken (1660-1719) selon laquelle Gael a fait son apprentissage dans l'atelier de l'éminent maître de Haarlem, Philips Wouwerman (De Groote Schouburgh der Nederl. konstschilders en schilderessen, t. 3, La Haye 1721). Vers 1600, il s'installe à Amsterdam, où il est mentionné pour la première fois dans un document daté du 27 mars 1673. La plupart de ses tableaux sont signés "B. GAEL". Des paysages entièrement staffés, s'enfonçant obliquement dans la profondeur du tableau, montrent l'orientation vers ses collègues peintres de Haarlem Claes Molenaer et Roelof van Vries. Parmi les thèmes préférés de ce peintre néerlandais du Siècle d'or, on trouve des groupes de chasseurs qui se reposent devant une auberge sous de grands arbres, généralement avec un cheval blanc devant, les figures de paysans rappellent celles des frères Adriaen et Isaak van Ostade. Depuis 1988, le tableau était en prêt permanent de la part d'un particulier au musée Frans Hals, Haarlem.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 1048 - Jan Victors - Jan Victors Joyeuse compagnie devant une auberge Huile sur toile (doublée). 78 x 92 cm. Signé en bas à droite sur le banc en bois : Johanes. Victors fc. Provenance Max Wassermann, Paris, 1967 ; Sa vente aux enchères, Glliera Paris, 26 novembre 1967, lot 41. - Collection privée suédoise. - Collection privée belge. Jan Victors a souvent représenté des rues et des places de village dans les années 1650 et 1660. L'activité colorée de la population rurale est au centre de ses préoccupations. Les scènes de genre narratives, agrémentées de détails soignés, montrent dans des couleurs riches et gaies des arracheurs de dents, des tueurs de cochons, des maréchaux-ferrants, mais aussi des auberges devant lesquelles se sont rassemblées de joyeuses compagnies adonnées à la boisson et à l'amour. Dans ce tableau, trois jeunes couples se font la cour devant une auberge, tandis qu'en face, on s'occupe des chevaux des voyageurs. L'interaction avec le spectateur est assurée par le jeune palefrenier avec son seau d'eau et la jeune fille à la fenêtre. Les deux semblent savoir ce qui se passe. Jan Victors a peut-être travaillé dans l'atelier de Rembrandt à Amsterdam entre 1630 et 1640. Plus tard, il s'est mis à son compte et s'est davantage concentré sur des tableaux de genre comme celui-ci, plutôt que sur des peintures à thème religieux ou mythologique. En conséquence, son style de peinture inspiré de Rembrandt s'affaiblit.

Estim. 10 000 - 15 000 EUR

Lot 1049 - Gerrit Adriaensz. Berckheyde - Gerrit Adriaensz. Berckheyde Vue de Clèves Huile sur toile (doublée). 57 x 83 cm. Signé et daté en bas à gauche : g.bergheyde 1661. Provenance Kees Hermsen, La Haye, 1933 - Galerie Giorgio Caretto, Turin, années 1980 (étiquette au dos). - Collection privée belge. Littérature C. Lawrence : Gerrit Adriaensz. Berckheyde (1638-1698) : Haarlem Cityscape Painter, Doornspijk, 1991, ill. 81 ("Walls and ramparts of an unidentified German City, Kleve ?) La vue des fortifications de la ville de Clèves réalisée par Gerrit Berckheyde en 1661 figure dans le catalogue des œuvres de C. Lawrence avec une localisation inconnue et une topographie non clarifiée. La comparaison avec une vue de Jan van der Heyden (1637-1712), qui montre Clèves depuis le Mühlberg, permet de conclure qu'il s'agit dans le présent tableau des remparts de Clèves bordant la petite rivière Kermisdahl (voir les archives photographiques du RKD, n° 64963). Le peintre de Haarlem Gerrit Berckheyde a voyagé en Allemagne avec son frère aîné Job dans la seconde moitié des années 1650. On ne sait pas exactement quand ni combien de temps. Les frères ont travaillé à Cologne, Mannheim, Bonn et Heidelberg. Berckheyde était l'un des premiers spécialistes néerlandais des vues de villes. Ses nombreuses vues d'églises et de places de Cologne sont pour la plupart des capricci qui ne reproduisent pas une topographie exacte, mais créent une image idéale de la ville.

Estim. 12 000 - 16 000 EUR

Lot 1054 - Meindert Hobbema - Meindert Hobbema Paysage de rivière boisé avec des personnages sur un chemin Huile sur bois (parqueté). 54,2 x 71 cm. Signé avec initiales et daté en bas à droite : MH F/1659. Provenance Collection Monden, Wiesbaden, jusqu'en 1923. - Vente Muller, Amsterdam, 10.7.1923, lot 118. - Goudstikker, Amsterdam, 1926 (cat. 30, n° 71). - A. C. Mees, Amsterdam, 1926 - 1947 - B. Hoos, Wassenaar, 1947 - 1956 - Collection privée européenne. - Galerie Hoogsteder & Hoogsteder, La Haye, vers 1985, où elle a été acquise par un collectionneur privé hollandais. Expositions La Haye, Pulchri Studio, collection Goudstikker, 13.3- 4.4.1926 (cat. 30, no. 71). - Rotterdam, Museum Boijmans-van-Beuningen, exposition de Noël, probablement 1943. Littérature G. Broulhiet : Meindert Hobbema, Paris 1938, p. 427, cat. K. E. Simon : Review of Broulhiet, in : Zeitschrift für Kunstgeschichte, 9, 1940, p. 207. On sait encore peu de choses sur les débuts de la carrière de l'artiste amstellodamois. Le présent paysage fluvial, daté de 1559, est d'autant plus un jalon important sur le chemin qui a mené Hobbema à devenir le plus important paysagiste néerlandais du XVIIe siècle avec Jacob van Ruisdael. Ce tableau impressionnant d'un paysage de dunes hollandais, dont la composition semble monumentale, a été réalisé peu avant que Jacob van Ruisdael n'atteste en 1660 que Hobbema "a servi et appris auprès de lui pendant plusieurs années". Il est intéressant de noter que l'influence de Ruisdael sur l'œuvre de Hobbema n'est plus visible qu'aux alentours de 1662, et ce pour une courte période seulement, comme l'avait déjà remarqué Wolfgang Stechow (Dutch Landscape Painting of the Seventeenth Century, Londres, 1968, p. 60). De 1657 à 1661, Hobbema peint encore dans la tradition des maîtres précédents comme Salomon van Ruysdael et Cornelis Vroom. Le feuillage plumeux des arbres d'un paysage fluvial de 1558 (Detroit Institute of Art) rappelle par exemple encore fortement les œuvres de Cornelis Vroom. Dans cette œuvre, l'influence de Jacob van Ruisdael se fait sentir. Cela se voit dans la composition du tableau, qui est déterminée par un chemin diagonal entre des arbres majestueux et un petit bois ; ainsi que dans des éléments picturaux tels que l'étang et sa végétation au premier plan, l'éclairage qui diffuse avec art des reflets de lumière solaire et fait apparaître les silhouettes des troncs d'arbres. Notre tableau peut par exemple être comparé à la "Lisière de forêt avec un champ de blé" de Ruisdael, datant de 1655 et conservée au Kimbell Art Museum. Dans le tableau "Paysage fluvial boisé avec des personnages sur un chemin", Hobbema se présente comme un artiste indépendant, dont le style se distingue de celui de son maître. La vision de Hobbema sur la nature est plus lumineuse, plus colorée et plus vivante. Ses compositions sont plus spacieuses et gagnent en liberté, son style est plus fluide. Contrairement aux compositions mélancoliques et parfois dramatiques de Ruisdael, les œuvres de Hobbema montrent un aspect plus doux du paysage néerlandais. Dans le présent tableau, la lumière fluide transmet le calme et la tranquillité d'un après-midi ensoleillé dans un paysage néerlandais et ouvre la rangée d'arbres à la vue d'une prairie et des dunes ensoleillées derrière elle. Les personnages qui se promènent sur la route de campagne sont également typiques de l'œuvre de Hobbema. Quelques touches de rouge vif dans les vêtements des personnages créent un effet saisissant. En 1668, Hobbema, alors âgé de 30 ans, occupe le poste de mesureur de vin officiel de la ville d'Amsterdam et supervise les livraisons à l'intérieur et à l'extérieur de la ville. Cet emploi lui assurait un revenu régulier et abondant, ce qui manquait à de nombreux peintres du Siècle d'or. La peinture n'était plus au centre de ses activités. Il a néanmoins réalisé d'autres chefs-d'œuvre au cours des années suivantes. Les peintures de Hobbema sont rares sur le marché. La plupart de ses œuvres se trouvent dans des collections privées. Presque tous les grands musées exposent un Hobbema, à commencer par le Rijksmuseum d'Amsterdam, le Mauritshuis de La Haye, la National Gallery de Londres, le Musée du Louvre à Paris et l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Estim. 150 000 - 200 000 EUR

Lot 1055 - Jacob van Ruisdael - Jacob van Ruisdael Chute d'eau dans un paysage montagneux avec une maison à colombages Huile sur toile (doublée). 63 x 53,5 cm. Expertise S. Slive, Cambridge, MA, 15.1.2015. Provenance Vente Fièvez, Bruxelles, 8.5.1929, lot 103 (comme attribué à Ruisdael). - J. Goudstikker, Amsterdam, 1929 - Collection privée européenne. - Vente Sotheby's, Londres, 3 juillet 1997, lot 195, m. ill. (comme successeur de Ruisdael). - Hoogstedter & Hoogstedter, La Haye, exposition de printemps, 23.3. - 11.4.1998, acquis là par un collectionneur privé hollandais. Littérature S. Slive : Jacob van Ruisdael. A Complete Catalogue of His Paintings, Drawings and Etchings, New Haven and London 2001, p. 192, n° 187, avec ill. en noir et blanc. En 1644, Ruisdael se rendit sur la côte sud-est de la Norvège et dans la région de Göteborg, à l'ouest de la Suède. Bien qu'il soit resté moins d'un an dans la région et qu'il soit retourné à Haarlem en 1645 pour ouvrir son atelier, cette période a eu une influence durable sur son œuvre et a servi de base à de nombreux éléments récurrents dans ses compositions, notamment des paysages de montagne, des sapins et des épicéas, des cascades impétueuses, des cabanes en rondins et des vues de la côte rocheuse. Dans sa ville natale de Haarlem, Ruisdael a également pu étudier en détail les œuvres d'Allart van Everdingen (1621-1675). Ce dernier s'était également rendu en Scandinavie pour étudier la nature et s'était spécialisé dans la représentation de ce que l'on appelle les "paysages scandinaves". Dans ce tableau des années 1670, Ruisdael a utilisé les motifs populaires de ses vues scandinaves. Outre un cours d'eau tumultueux qui se brise sur des rochers, de grands pins et un vaste ciel, le peintre a également inséré à l'arrière-plan un pont en bois aérien sur lequel deux personnages traversent l'eau turbulente. Un tel pont se retrouve plus souvent dans les tableaux de cascades de Ruisdael de cette période, par exemple dans une "Cascade avec un pont en bois" à Dresde, Staatliche Kunstsammlung (inv. n° 1497). Seymour Slive a décrit cette peinture dans son catalogue raisonné de 2001 sur la base d'une ancienne photo en noir et blanc (n° 187) et l'a confirmée en 2015 sur la base d'une photo en couleur comme étant une œuvre de Ruisdael. Ruisdael est devenu si célèbre pour ses peintures de cascades qu'Arnold Houbraken a rapporté avoir vu une pièce de théâtre en 1721 sur le nom de l'artiste "Ruis-dael" ("vallée bruyante"). Ruisdael, poursuivait-il, "peignait aussi bien des paysages indigènes qu'étrangers, mais surtout ceux où l'on voit l'eau se précipiter d'un rocher à l'autre pour finalement s'étaler avec fracas dans les gorges et les vallées : et il pouvait représenter des embruns ou de l'eau écumante s'écrasant sur les rochers, si naturellement claire et translucide qu'elle semblait réelle" (cité dans "L'âge d'or de la peinture de paysage néerlandaise", catalogue d'exposition, Madrid, 1994, p. 199). La réputation de Jacob van Ruidsdael en tant que peintre paysagiste néerlandais le plus talentueux et le plus polyvalent du Siècle d'or ne s'est jamais démentie depuis son vivant.

Estim. 60 000 - 80 000 EUR

Lot 1060 - Cornelis de Heem - Cornelis de Heem Nature morte aux pêches et aux cerises sur un plateau d'argent avec d'autres fruits, des noix et des tournesols Huile sur toile (doublée). 57 x 75 cm. Signé en bas à gauche : C. de Heem f. Provenance Sotheby's, Londres 11.12.1996, lot 67 - Kunsthandel Bernheimer, Munich. - Collection privée allemande. Issu d'une famille d'artistes réputés et fils du célèbre peintre de natures mortes Jan Davidsz de Heem, Cornelis de Heem est né à Leyde en 1631. Cornelis reçoit sa première formation de peintre dans l'atelier de son père à Anvers. À partir de 1660, son nom figure dans les registres de la Guilde de Saint-Luc d'Anvers. Il effectue ensuite de longs séjours dans d'autres centres artistiques néerlandais comme Utrecht et La Haye. Dès le début des années 1680, il est de retour à Anvers, où il restera jusqu'à la fin de sa vie. Il se concentre sur les natures mortes de fruits, parfois complétées par des fleurs ainsi qu'en partie par des aliments comme le homard et les huîtres et des ustensiles de table décoratifs. Dans ce cas, il s'agit d'un verre à ailettes vénitien dont l'éclat anime l'arrière-plan plus sombre et correspond à celui du plateau d'argent au premier plan. Dans ses meilleures œuvres, Cornelis est très proche de son père. Dans le présent tableau, avec ses baies et ses fruits peints dans les moindres détails, qu'il étale devant nous en partie coupés et en exhibant la pulpe juteuse, il lui rend également hommage avec le grand tournesol, qui apparaît très souvent dans les tableaux de Jan Davidsz de la fin de la période anversoise.

Estim. 160 000 - 170 000 EUR

Lot 1063 - Johannes Christianus Roedig - Johannes Christianus Roedig Nature morte aux fleurs avec sculpture en pierre, chat et souris Nature morte aux fruits avec vase en terre cuite Huile sur bois. 72,4 x 57,9 cm et 73,3 x 58,1 cm. Signé et daté en bas à droite : C. Roedig 1779, resp. en bas à gauche : C. Roedig 1779. Provenance vente aux enchères, collection Pieter Lyonet (Bunel et Yver), Amsterdam, 11.4.1791, lots 217 et 218 - vente aux enchères, Amsterdam (Van der Schley ... Vinkeles), 7.5.1804, lot 145 -. Vente aux enchères, Wreesman, Amsterdam (Van der Schley ... Vinkeles), 11.4.1816, lot 154. - Collection privée néerlandaise, c. 1820 puis par succession jusqu'en 1970 environ. - Collection of Miss Wurfbain, Wassenaar, 1983. - Kunsthandel Hoogsteder & Hoogsteder, 1987. - Collection privée néerlandaise. - Bonhams, Londres 9.12.2009, lot 81 (1 196 000 GBP). - Collection privée néerlandaise. Expositions Nederlandse bloemstillevens in de achttiende en de eerste helft van de negentiende eeuw, Museum Boeket in Willet, Amsterdam, 1970, n° 26 (seulement la nature morte aux fleurs). - A Survey of the Fruit Still Lifes of the Northern and Southern Netherlands from Brueghel till Van Gogh, P. de Boer, Amsterdam / Herzog Anton Ulrich-Museum, Braunschweig, 1983, n° 70-71 Littérature S. Segal : Boeket in Willet : Nederlandse bloemstillevens in de achttiende en de eerste helft van de negentiende eeuw, Amsterdam, Ausst.-Kat. Museum Willet-Holthuysen, Amsterdam 1970, n° 26, avec ill. - S. Segal : A fruitful past : A Survey of the Fruit Still Lifes of the Northern and Southern Netherlands from Brueghel till Van Gogh, Ausst.-Kat Herzog Anton Ulrich-Museum / P. de Boer, Amsterdam 1983, p. 86-87, n° 70-71, avec ill. Lorsqu'en 1852, le tsar Nicolas Ier chercha un cadeau de Noël spécial pour sa belle-sœur, la princesse Alexandrine de Prusse, il commanda deux grandes peintures sur porcelaine à la manufacture impériale de porcelaine de Saint-Pétersbourg. Celles-ci reproduisaient deux chefs-d'œuvre, des natures mortes de fleurs, de la collection de l'Ermitage - l'une de Jan van Huysum, l'autre de Johannes Christianus Roedig. De toute évidence, 50 ans après la mort de Roedig, l'estime pour sa peinture était encore très vive à la cour du tsar. Les œuvres de l'artiste néerlandais étaient entrées dans la collection de l'Ermitage au siècle précédent, sous la tsarine Catherine II. Ce que Catherine II et d'autres collectionneurs princiers du XVIIIe siècle admiraient dans les natures mortes de fleurs et de fruits de Roedig peut être illustré par cette paire de tableaux d'une splendeur et d'une qualité extraordinaires, qui peuvent être comptés parmi les œuvres majeures de Roedig. Par un heureux hasard, les deux tableaux sont restés ensemble depuis leur création ; leur provenance peut être retracée jusqu'au premier propriétaire à La Haye, la ville natale de l'artiste. La paire de tableaux, une nature morte aux fleurs et une nature morte aux fruits, représente un tour de force, Roedig démontre tout son savoir-faire de peintre de natures mortes, qui se manifeste dans l'opulence de la composition, la finesse de la peinture et la brillance de la palette de couleurs. La nature morte aux fleurs est placée dans le jardin d'un château décoré de personnages et reflète le goût aristocratique raffiné de la fin du 18e siècle. Une multitude de fleurs est offerte au spectateur, la représentation se délecte des formes, des couleurs, des motifs et des textures des multiples pétales, magnifiquement mis en scène par la lumière claire du tableau. En regardant de plus près, on remarque que le vase est tombé, sans doute à cause de l'activité du chat qui poursuit une souris. Les pétales flétris rappellent au spectateur le caractère éphémère de tout ce qui est terrestre, mais l'idée de vanitas ne ternit pas l'ambiance générale, joyeuse et colorée, que symbolise également la statue de Flora, la déesse du printemps, à l'arrière-plan. La nature morte aux fruits, son pendant, représente en revanche la saison de l'automne, comme l'illustre le récipient qui décore une scène bacchanale. Si la nature morte florale impressionne par la finesse des formes et des couleurs des fleurs, ce sont les puissants contrastes de couleurs qui dominent ici : le jaune du citron, le rouge de la grenade, le vert du raisin. La courge coupée, la grenade ouverte ou le citron épluché présentent au spectateur la diversité des formes ainsi que des goûts ; l'opulente composition dans la corbeille, posée sur une précieuse table en marbre, étale sous les yeux du spectateur les fruits d'une riche récolte automnale. Johannes Christianus Roedig fut l'un des derniers grands représentants d'une longue tradition de natures mortes de fleurs et de fruits qui dura près de 200 ans aux Pays-Bas. Les meilleures œuvres de Roedig sont allées à des cours étrangères, mais cette paire de tableaux est restée à La Haye, chez Pieter Lyonet, un naturaliste néerlandais. Dans le catalogue de sa vente aux enchères, les deux natures mortes apparaissent en tant que lots 217 et 218 - c'est une chance qu'elles soient allées au même enchérisseur à l'époque et qu'elles soient restées jusqu'à aujourd'hui.

Estim. 800 000 - 900 000 EUR

Lot 1065 - Jakob Samuel Beck - Jakob Samuel Beck Nature morte aux légumes avec un lapin Nature morte aux légumes avec un cochon d'Inde Huile sur toile. 53,5 x 89,5 cm ou 53,5 x 90 cm. Provenance Dorothea Schenke 1930 - Dr. Albert Rapp, Frankfurt a. M. (cousin de D. Schenke), Eleonore Rapp (sœur de A. Rapp), 1969 - Collection privée allemande depuis 1975. Expositions Jacob Samuel Beck - Pour le 300e anniversaire du peintre d'Erfurt, Angermuseum Erfurt, 18.10.2015 - 17.1.2016. Littérature Catalogue de l'exposition : Jacob Samuel Beck - Zum 300. Geburtstag des Erfurter Malers, éd. par Thomas von Taschitzki et al., Dresde 2016, p. 245, n° 55, n° 56, ill. p. 203. Les deux pendants exceptionnels se trouvent depuis longtemps dans une collection privée. En tant que nouvelle découverte importante, ils ont été portés à la connaissance d'un large public en 2015/16 à l'occasion de l'exposition d'Erfurt sur le 300e anniversaire du peintre d'Erfurt Jacob Samuel Beck. Ce qui caractérise les natures mortes de Beck, c'est le regard précis et quasi-scientifique qu'il porte sur le monde spécifique des formes et des couleurs de la nature. Beck a choisi ici des tableaux au format particulièrement long, qui offrent le plus d'espace possible pour la présentation de différentes sortes de choux-légumes et d'artichauts, qui s'étalent comme d'opulents paysages de feuilles. On y trouve une variété inhabituelle d'insectes, peints de manière très naturelle. On y trouve notamment deux punaises de feu (devant le chou-rave), deux papillons, le petit renard et la bigarade, un scarabée commun du bouleau (devant les asperges) et un hanneton. La gamme de couleurs atténuées avec des tons de vert gris argenté, la lumière contrastée et également la diversité inhabituelle des insectes distinguent les deux pendants des autres natures mortes de Beck et les mettent en valeur. Dans sa contribution au catalogue consacré aux natures mortes et aux pièces animales de Beck, Gero Seling a expliqué que, contrairement aux natures mortes néerlandaises du XVIIe siècle, une interprétation symbolique trouve peu de fondement dans les œuvres de Beck (p. 57 et suivantes). Il indique que la diversité des variétés de légumes représentées par Beck reflète l'importance économique de l'horticulture commerciale pour Erfurt au XVIIIe siècle et loue leur performance particulière. Erfurt, qui n'avait pas de cour mais était dominée par les princes électeurs de la lointaine Mayence, vivait de la production de légumes. Sur les sols fertiles, même les artichauts et les choux-fleurs poussaient, comme on le voit ici.

Estim. 30 000 - 50 000 EUR

Lot 1068 - Lorenzo Tiepolo - Lorenzo Tiepolo La condamnation d'une vestale Huile sur toile (doublée). 69 x 92 cm. Provenance Acquavella Galleries, New York 1969 - Collection privée belge. Littérature Burlington Magazine, déc. 1959 (comme G. B. Tiepolo) - G. Knox : Chalk Drawings of Tiepolo, 1980, p. 229, M. 158. - G. Knox : The Drawings of Giustino Menescardi, Arte/Documento 10, 1996, n° 11. - G. Knox : A Panorama of Tiepolo Drawings, 2008, p. 229, ill. 104. Ce tableau est un produit remarquable et inhabituel de l'atelier de Tiepolo, sur lequel les chercheurs en histoire de l'art se sont penchés de manière approfondie, notamment George Knox et Bernard Aikema. Knox, qui n'a cessé de se consacrer à la peinture vénitienne depuis sa thèse jusqu'à la fin de sa vie, écrit à ce sujet : "This painting must be identified as an important addition to the work of the young Lorenzo, to be dated to the mid-1750s". Bernard Aikema, quant à lui, la décrit comme un travail d'atelier dont les trois figures centrales sont de la main de Giovanni Battista lui-même. Il se réfère à des dessins de Giovanni Battista qu'il identifie comme des études pour cette composition. L'étude d'un homme debout portant une cape et un chapeau plat conservée au Victoria and Albert Museum de Londres (inv. n° D182433.1885), que nous reconnaissons à gauche de notre tableau, est particulièrement convaincante. Mais des dessins de Lorenzo Tiepolo peuvent également être mis en relation avec ce tableau, notamment un portrait de Palma Giovane d'après un buste d'Alessandro Vittoria, provenant de la collection du British Museum de Londres : Celui-ci concerne l'homme debout à droite de la vestale. Lorenzo Tiepolo, né à Venise en 1736, était l'un des fils de Giovanni Battista et le frère cadet de Domenico. Il travailla dans l'atelier de son père, l'accompagna à Würzburg en 1750 et à Madrid en 1762. Après la mort de son père, il resta dans la capitale espagnole où il mourut en 1776. L'iconographie se réfère à la punition des vestales impudiques selon Plutarque, décrite en détail par le lexicographe anglais John Lemprière (1765-1824) dans son "Classical Dictionary" : "Numa ordonna de la lapider, mais Tarquinius l'Ancien creusa un grand trou sous la terre, où l'on plaça un lit avec un peu de pain, de vin, d'eau et d'huile et une lampe allumée, et la vestale coupable fut dépouillée de son habit religieux et forcée de descendre dans la grotte souterraine, qui fut aussitôt fermée, et on la laissa mourir de faim".

Estim. 35 000 - 45 000 EUR

Lot 1072 - Norddeutsch um 1200 - Allemagne du Nord vers 1200 Aquamanile Bronze, coulé, gravé, ciselé, restes de dorure. Ce récipient creux à parois très fines en forme de lion, coulé à la cire perdue, servait autrefois à l'ablution liturgique des mains du prêtre pendant la célébration de la messe. De par sa conception, notre aquamanile peut être comparé à un groupe de onze autres aquamaniles au lion qui, selon les recherches d'Otto von Falke et d'Erich Meyer (op. cit.), ont été réalisés dans les années 1200 dans un atelier du nord de l'Allemagne, probablement à Lübeck, et qui sont tous conservés aujourd'hui dans différents musées, entre autres au Germanisches Nationalmuseum de Nuremberg, au British Museum de Londres, au Nationalmuseum de Copenhague et au Domschatz d'Aix-la-Chapelle. L'analyse par fluorescence X de notre lion de 2021, toujours en possession d'un particulier, a en effet révélé que l'alliage de cuivre, d'étain et de plomb de son bronze ne présentait aucun indice d'une origine post-médiévale. D'autre part, l'alliage correspond presque à l'identique, dans ses proportions de métaux différents, à l'alliage de l'aquamanile du lion du groupe d'atelier réuni par Falke et Meyer, conservé à Nuremberg au Germanisches Nationalmuseum (Inv. n° KG 491) (cf. Otto Werner : Analysen mittelalterlicher Bronzen und Messinge. Partie IV, Berlin 1981, p. 186, analyse n° 238). Petits éclats au dos, où se trouve un petit ajout contemporain rectangulaire. Plus grand ajout contemporain ovale sur la partie inférieure du corps. Fermeture non conservée sur le dessus de la tête, probablement un petit ajout sur le bord de l'ouverture. Frottement de la surface, légers chocs. 18,5 x 9 x 21 cm. Expertise Artemis Testing Lab, Louisville (USA) 15.12.2021 (X-RAY Fluorescence Report). - Afterlight Inc., 23.11.2022 (scan 3D-CT). Provenance Collection du capitaine Herbert Willaume Murray (1870-1931), Londres. - Leur vente aux enchères Christie's, Londres, 1.12.1908, lot 43. - Là, acquis par le marchand d'art Samuel Willson & Son, Strand, Londres. - Arnold Broomhall Willson (1871-1961), Londres. - Acquis de son héritage par Frederick Bucher (1886-1971), Rhode Island, New York. - Hérité par sa fille Frederica Bucher Morrow Parreno (1915-1998), Rhode Island, New York. - Acquis en 1998 par le propriétaire actuel à partir de l'héritage de cette dernière. Littérature Sur les aquamaniles comparables, voir Otto von Falke, Erich Meyer : Romanische Leuchter und Gefässe. Giesssgefässe der Gotik, Berlin 1935, p. 60-61 et 110, n° 361-371, pl. 149-151, ill. 337-340 et 343-349.

Estim. 50 000 - 60 000 EUR

Lot 1073 - Norddeutsch oder Niederländisch Ende 13. Jahrhundert - Allemand du Nord ou néerlandais Fin du 13e siècle Marie et Jean d'une crucifixion du Christ Bois de chêne, sculpté en trois quarts de cercle, aplati sur les faces arrière et évidé pour le saint Jean. Anciennes finitions colorées, en partie dépassées. Paire de sculptures de face et légèrement en contre-plongée, dont les postures et les gestes, ainsi que la légère inclinaison des têtes, sont symétriques et qui faisaient certainement partie d'une représentation de la crucifixion. Dans la conception des vêtements, les deux sculptures suivent les typologies de l'art français du dernier tiers du 13e siècle. L'accent particulier mis sur les têtes et les mains laisse toutefois supposer une autre origine, Hartmut Krohm (op. cit.) ayant proposé l'Allemagne du Nord, y compris la Westphalie, ou les Pays-Bas. Perte de la pointe du pied de Marie, autrefois encastrée, à côté d'un éclat à l'avant de la plinthe, à l'arrière également des pertes dues à la vermoulure et deux pièces de bois insérées pour la stabilité. Plinthe de Jean avec ajout cunéiforme à l'avant gauche. Dans l'ensemble, peu d'éraflures. Marie hauteur 95 cm, Jean hauteur 92 cm. Provenance Ancienne collection Hermann Schwartz, Mönchengladbach. Littérature Collection Hermann Schwartz, Mönchengladbach. Acquisitions ultérieures. Adaptation du catalogue par la Skulpturengalerie SMPK Berlin, éd. par Hermann Schwartz, Berlin o. J., p. 8-9 (Hartmut Krohm).

Estim. 30 000 - 35 000 EUR

Lot 1076 - Frankreich 2. Hälfte 14. Jahrhundert - France 2e moitié du 14e siècle Vierge à l'Enfant sur le trône Ivoire sculpté, aplati au dos. Cheveux, couronne, globe, ceinture et ourlets avec des restes d'une ancienne dorure, probablement d'origine, ainsi que des restes mineurs d'une autre version colorée. Ce travail en ivoire de très grande qualité montre la représentation silhouettée de la Vierge assise sur un trône simple, tenant de la main gauche l'enfant Jésus vêtu, debout sur son genou gauche. Jésus tient le globe terrestre dans ses mains, tandis que Marie couronnée porte un livre sur sa main droite. La robe plissée et ceinturée de la Vierge est observée en détail par le maître d'œuvre, de même que les physionomies marquantes sont travaillées avec une grande finesse. Cette œuvre magistrale de l'art de l'ivoire faisait partie des points culminants de la célèbre collection du collectionneur d'art de Cologne, le Dr Richard von Schnitzler (1855-1938), qui, en tant que mécène d'art également important, a longtemps présidé le Kölnischer Kunstverein et l'association des amis du musée Wallraf-Richartz de Cologne. Dans l'ensemble en bon état, seulement de légers accrocs. Perçage entre la mère et l'enfant. Cheville en bois sur la face inférieure. Hauteur 15,6 cm. Expertise Autorisation de commercialisation disponible pour le marché intérieur de l'UE. Provenance Collection Egon Zerner, Francfort-sur-le-Main. - Leur vente aux enchères chez P. Cassirer et H. Helbing, Berlin, 15-16.12.1924, lot 18 - Collection Dr Richard von Schnitzler (1855-1938), Cologne. - Propriété familiale jusqu'à aujourd'hui par succession. Expositions Kölnischer Kunstverein, 1927, n° 237. Littérature Otto H. Förster : Die Sammlung Dr. Richard von Schnitzler, Munich 1931, cat. n° 156, pl. LXXII. Cet objet a été fabriqué à l'aide de matériaux pour lesquels un permis CITES est requis en cas d'exportation vers des pays hors de l'UE. Nous attirons votre attention sur le fait qu'une autorisation n'est généralement pas délivrée.

Estim. 40 000 - 50 000 EUR